15. - 20. århundrede · kun malerier
De 100 malerier gule
Hundrede berømte malerier, hvor gul virkelig konstruerer billedet: Solsikker af Van Gogh, Kristus af Gauguin, figurer af Matisse, dyr af Franz Marc og Kandinsky-abstraktioner.
Fra okker til cadmium
Hvorfor omdanner gul et billede så hurtigt?
Gul er en af de ældste farver i verden maleri. Jernholdige okker tilbyder stabile, matte og jordagtige toner meget tidligt. Andre gule var vanskeligere: orpiment er lysende, men giftigt, bly og tingul har en stærk opacitet, Napoli gul varierer afhængigt af dets sammensætning. I det 19. århundrede gav chromgul og derefter cadmiumgul kunstnere en ny intensitet - det, som Van Gogh skubbede til glødende.
Denne materialehistorie forklarer klassifikationens mangfoldighed. Hos Vermeer balancerer tøjets varme gule en kold blå; hos Gauguin bliver det en symbolsk overflade; hos Matisse åbner han interiøret; Kl Franz Marc, han løsriver dyret fra naturalismen. Kandinsky og Mondrian tager et yderligere skridt: farve belyser ikke længere nødvendigvis et objekt, det fungerer selv som en form.
Fra en æra til en anden ændrer gul status. Middelalderguld åbner et helligt rum; okker giver vægt til jorden; krom og cadmium bringer solen ind i moderne værksteder. I Klimt, Van Gogh, Gauguin eller Turner kan det annoncere ekstase, venskab, høst, hastighed eller en lille fare for retinal overophedning.
Gul er sjældent neutral: lys, varme, høst, hellig, årvågen eller energi, den bevæger sig næsten altid frem mod blikket.
En lysegul rykker frem mod øjet og synes at oplyse nabofarver; Van Gogh gør det næsten til en selvstændig lyskilde.
Okker, halm, hvede og væg forbinder farve med stof, årstid og menneskeligt arbejde uden at reducere det til solen.
Fra den hellige glorie til moderne utilpashed kan gul udtrykke åbenbaring, skrøbelighed, overskud eller årvågenhed.
I det 20. århundrede blev det plan, centrum, interval eller vibration og handlede uden at skulle repræsentere en gul genstand.
De 100 mest berømte gule malerier
Redaktionel rangering1 -20
De absolutte ikoner af gul
Vincent van Gogh
Solsikker
Van Gogh malede denne version af Solsikkerne i Arles i 1888 for at dekorere Det Gule Hus før Gauguins ankomst. Han bruger flere kromgule og viser blomsterne fra den friske knop til hovedet fyldt med frø. Gul på gul bliver både provencalsk lys, et tegn på venskab og en teknisk udfordring.
Se det maleri →
Gustav Klimt
The Kiss
Klimt afsluttede Kysset i 1907 -1908, på højden af sin gyldne periode, efter at have studeret de byzantinske mosaikker af Ravenna. De geometriske frakker blander parret i en guldoverflade, mens ansigterne og hænderne forbliver kødelige. Hurtigt købt af den østrigske stat blev lærredet det mest berømte billede af Belvedere.
Se det maleri →
Gustav Klimt
Portræt af Adèle Bloch-Bauer I
Klimt viede flere år til dette portræt bestilt af Ferdinand Bloch-Bauer og afsluttet i 1907. Olie, guld og sølv absorberede næsten Adèles krop i et netværk af øjne, spiraler og rektangler. Spolieret under nazismen vendte derefter tilbage til arvingerne i 2006, værket er nu hjertet af Neue Galerie.
Se det maleri →
Vincent van Gogh
Det Gule Hus
I september 1888 malede Van Gogh det lejede hus på Place Lamartine i Arles, hvor han drømte om at grundlægge et kollektivt værksted. Den gule bygning skiller sig ud under en blå himmel, men den tomme plads annoncerer også projektets skrøbelighed. Gauguin bliver der ni uger før det dramatiske brud i december.
Se det maleri →
Vincent van Gogh
Caféterrasse om aftenen
Van Gogh malede terrassen på en café på Place du Forum i Arles i september 1888. Han er glad for at repræsentere natten uden at bruge sort, og kontrastere gassens gule med himlens blå og lilla. Det dykkende perspektiv tiltrækker forbipasserende selv under det lysende fortelt.
Se det maleri →
Paul Gauguin
Den gule Kristus
Den Gule Kristus blev malet i Bretagne i 1889 og transponerer et krucifiks fra Trémalo-kapellet til et efterårslandskab. Gauguin omgiver figuren af bretonske kvinder i bøn og erstatter den traditionelle model med store cirklede områder. Gul forener således populær tro, høstsæson og synthesistisk opfindelse.
Se det maleri →
Johannes Vermeer
Pigen med perleørering
Denne unge kvinde er sandsynligvis en trony, en undersøgelse af ansigt og kostume snarere end et bestilt portræt. Vermeer bringer jakkens varme gule i dialog med turbanens ultramarin, og opsummerer derefter perlen med et par berøringer. Den mørke baggrund isolerer et udseende, der er blevet globalt genkendeligt.
Se det maleri →
Franz Marc
Den gule ko
I 1911, Franz Marc maler en springende ko i et buet landskab, der synes at dele sit momentum. I sin personlige symbolik fremkalder gul en feminin, blid og sensuel energi. Dyret er derfor ikke farvet fra naturen: det bliver det glædelige udtryk for en forsonet verden.
Se det maleri →
Vassily Kandinsky
Gul-rød-blå
Gul-rød-blå, der blev malet i 1925 på Bauhaus, samler et kantet gult område og et stort, dybere blåt rum. Kandinsky kombinerer geometriske former og frie tegn uden at pålægge en eneste læsning. Farve fungerer som en musikalsk kraft snarere end egenskaben af et objekt.
Se det maleri →
Edvard Munch
The Sun
Munch skabte Solen for Ala ved Universitetet i Oslo, indviet i 1911. En umådelig skive rejser sig over Kragerø fjord og projicerer sine stråler mod beskueren. Efter år dedikeret til angst, hævder dette monumentale lys en næsten kosmisk energi.
Se det maleri →
J. M. W. Turner
Den dristiges sidste rejse
Turner udstillede det gamle krigsskib, der blev bugseret mod nedrivning af en lille moderne damper i 1839. The Bold, helten fra Trafalgar, fremstår næsten spektral under en gul og rød solnedgang. Kunstneren forvandler en nutidig kendsgerning til en elegi om afslutningen på en maritim verden.
Se det maleri →
Paul Sérusier
Talismanen, Aven ved Bois d'Amour
I Pont-Aven i 1888 malede Sérusier denne lille undersøgelse under råd fra Gauguin, direkte på låget af en cigarkasse. Træerne, vandet og banken bliver områder med gul, grøn og orange antaget som sådan. Vist til sine fremtidige venner Nabis fik værket senere tilnavnet Talisman.
Se det maleri →
Piet Mondrian
Mølle i sollys
Mondrian malede denne mølle omkring 1908, før han gradvist opgav det genkendelige mønster. Baggrundsbelysningen forvandler væggene og vingerne til røde og gule masser, som flyder over den lokale farve. Det hollandske landskab er allerede ved at blive et strukturelt laboratorium.
Se det maleri →
J. M. W. Turner
Regn, damp og hastighed
Præsenteret i 1844, den maleri viser et Great Western Railway-tog, der popper op på Maidenhead Bridge. Turner opløser regn, røg og landskab i et gult lys, der krydses af lokomotivets mørke diagonal. Industriel modernitet fremstår mindre som et præcist objekt end som en fornemmelse af hastighed.
Se det maleri →
Georges Seurat
Cirkus
Seurat efterlod Le Cirque ufærdig, da han døde i 1891, men udstillede den alligevel på Salon des Indépendants. Det gule spor, kurverne på væbnerne og rækkerne i offentligheden adlyder en beregnet rytme. Det populære show bliver en oplevelse af bevægelse, optik og socialt hierarki.
Se det maleri →
Edgar Degas
På en café, sagde L'Absinthe
Degas malede omkring 1875 -1876 skuespillerinden Ellen Andrée og gravøren Marcellin Desboutin siddende på caféen i New Athens. Det lysegule absintglas fremhæver afstanden mellem de to figurer. Den off-center komposition blev længe betragtet som beskidt, før den blev et ikon for urban ensomhed.
Se det maleri →
Gustave Caillebotte
Parkethøvl
Afvist af Salonen af 1875 viser lærredet tre arbejdere, der knæler i Caillebottes parisiske lejlighed. Det gule lys fra det polerede parketgulv afslører spåner, muskler og dybde i rummet. Emnet for byarbejde chokerer derefter mere end den næsten fotografiske præcision.
Se det maleri →
Jean-François Millet
Gleaners
Præsenteret på Salonen i 1857, de tre gleaners indsamlet ørerne tilbage efter høsten, en ret givet til de fattigste. Hirse kontrasterer deres buede silhuetter med den gyldne overflod af godset i det fjerne. Det gule lys sletter derfor ikke den sociale spænding i scenen.
Se det maleri →
J. M. W. Turner
Odysseus håner Polyfem
Udstillet i 1829, den maleri låner fra Odysseen det øjeblik, hvor Odysseus hensynsløst afslører sit navn til den besejrede kyklop. Skibet rykker frem i en gul solopgang, mens Polyfem smelter sammen med bjerget og skyerne. Turner gør lyset til episodens sande helt.
Se det maleri →
Jackson Pollock
Flimrende stof
Pollock malede Shimmering Substance i 1946, lige før de store hældte lærreder, der ville gøre ham berømt. Den gule overflade er dækket af tykke tegn, krøller og skærver, der fjerner næsten enhver klassisk dybde. Værket viser den maleri at blive et kontinuerligt energifelt.
Se arbejde ved kilden →21 -40
Gule ansigter, kjoler og interiør
Mark Rothko
Nr 10
I 1950 overlejrede Rothko gule, hvide og lyserøde felter, hvis kanter forblev porøse. Han leder hverken efter landskab eller fast symbol: den store skala placerer beskueren foran en lysende tilstedeværelse. Farverne ser ud til at trække vejret, fordi tynde lag lader dem under vibrere.
Se arbejde ved kilden →
Édouard Manet
Fifre
Efter en rejse til Spanien malede Manet en ung musiker fra den kejserlige garde i 1866 på en næsten tom baggrund. De røde bukser og gule fletning skiller silhuetten ud som et spillekort. Afvist på Salonen hævder værket en frontalitet næret af Velázquez og japanske tryk.
Se det maleri →
Henri Matisse
Gul Odalisque
I 1920'erne tog Matisse temaet odalisk op i sit Nice-atelier, fyldt med stoffer og dekorative genstande. Gul beskriver ikke kun en beklædningsgenstand: den forbinder figur, hængende og møbler i en sammenhængende overflade. Det orientalske motiv bliver frem for alt et laboratorium af farve og rum.
Se det maleri →
Berthe Morisot
Ung kvinde i balkjole
Morisot malede en ung kvinde i 1879, der ses mindre som en officiel billedkunst end som en genfærd i lyset af en bold. Blomsterne, ventilatoren og creme kjole opløses i hurtige berøringer. De blege gule giver modellen en strålende tilstedeværelse uden at fange den i akademisk finish.
Se det maleri →
Ad Reinhardt
Nummer 43 (Abstrakt maleri, gul)
Reinhardt indser dette maleri gul i 1947, før de næsten uoverskuelige tavler af sin modenhed. De farvede planer passer sammen uden at danne et centralt emne. Det bevarede lys annoncerer allerede sin ambition om en maleri reduceret til interne relationer alene.
Se arbejde ved kilden →
Salvador Dali
Phantom Cart
Dalí malede Phantom Cart i 1933, i Empordà sletten som han ofte forvandlede til mentalt teater. En fjern vogn smelter sammen med byen, som den bevæger sig frem mod, som om hjul og klokketårne delte den samme hallucination. Ørkengul jorden gør denne tvetydighed endnu klarere.
Se arbejde ved kilden →
Amedeo Modigliani
Den gule sweater
I "Den gule trøje", malet i 1919, Amedeo Modigliani forlænger ansigter uden at miste tilstedeværelsen af modellen. "Den gule sweater": den gule farve forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Den gule sweater" tilhører i dag Private Collection.
Se det maleri →
Henri de Toulouse-Lautrec
Alene
Omkring 1896 viste Toulouse-Lautrec en kvinde liggende på en seng efter festen, langt fra det støjende billede af kabareter. Det gule sengetæppe optager en stor del af lærredet og skubber figuren mod intimitet. Scenen observerer træthed uden anekdote eller moralsk dom.
Se det maleri →
Henri de Toulouse-Lautrec
Portræt af hr. Paul Sescau (Portræt af hr. Paul Sescau)
"Portræt af hr. Paul Sescau (Portræt af hr. Paul Sescau)" stammer fra 1891; Henri de Toulouse-Lautrec der observerer nattelivet uden at idealisere det. "Portræt af Mr. Paul Sescau (Portræt af Mr. Paul Sescau)" afslører, at den gule beklædningsgenstand eller baggrund regulerer tilstedeværelsen af modellen. "Portræt af Mr. Paul Sescau (Portræt af Mr. Paul Sescau)" slutter sig nu til Brooklyn Museum.
Se det maleri →
Henri de Toulouse-Lautrec
Masked Ball på Elysée Montmartre
"Maskeballet på Elysée Montmartre" stammer fra 1887; Henri de Toulouse-Lautrec indrammer sine figurer med en ærlighed, der er arvet fra plakaten. "The Masked Ball at the Elysée Montmartre" afslører, at den gule farve forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "The Masked Ball at the Elysée Montmartre" slutter sig nu til The San Diego Museum of Art.
Se det maleri →
Henri Matisse
Odalisque med en gul persisk farve
I "Odalisque med en gul persisk kjole", malet i 1937, Henri Matisse frigør farve fra sin beskrivende funktion. "Odalisque med gul persisk kjole": den gule beklædningsgenstand eller baggrund regulerer tilstedeværelsen af modellen. "Odalisque med gul persisk kjole" hører i dag til Reference Collection angivet på arket.
Se det maleri →
Henri Matisse
Kvinde i gul og blå på guitar
I "Kvinde i gult og blåt på guitar", malet i 1939, Henri Matisse gør interiøret til et aktivt dekorativt felt. "Kvinde i gul og blå på guitar": den gule beklædningsgenstand eller baggrund regulerer tilstedeværelsen af modellen. "Kvinde i gul og blå på guitar" hører i dag til Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Henri Matisse
Læser ved det gule bord
I "Læser ved det gule bord", malet i 1944, Henri Matisse matcher figur og indretning i samme overflade. "Læser ved det gule bord": farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Læser ved det gule bord" hører i dag til Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Henri Matisse
Gul og blå interiør
I "Gult og blåt Interiør", malet i 1946, Henri Matisse frigør farve fra sin beskrivende funktion. "Gult og blåt indre": farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Gult og blåt indre" hører i dag til Referencesamlingen angivet på arket.
Se det maleri →
Henri Matisse
To små piger, gul og rød baggrund
I "To små piger, gul og rød baggrund", malet i 1947, Henri Matisse gør interiøret til et aktivt dekorativt felt. "To små piger, gul og rød baggrund": den gule beklædningsgenstand eller baggrund regulerer tilstedeværelsen af modellen. "To små piger, gul og rød baggrund" hører i dag til Referencesamlingen angivet på arket.
Se det maleri →
Henri Matisse
Lorette med turban, gul jakke
I "Lorette med turban, gul jakke", malet i 1917, Henri Matisse matcher figur og indretning i samme overflade. "Lorette med turban, gul jakke": farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Lorette med turban, gul jakke" hører i dag til Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Amedeo Modigliani
Ung kvinde i gul kjole (Renée Modot)
Malet i 1918, "Ung kvinde med en gul kjole (Renée Modot)" svarer til det øjeblik, hvor Amedeo Modigliani forenkler beklædningsgenstanden for at fokusere portrættet. "Ung kvinde i den gule kjole (Renée Modot)" viser, hvordan den gule beklædningsgenstand eller baggrund regulerer tilstedeværelsen af modellen. "Ung kvinde i den gule kjole (Renée Modot)" fortsætter sin historie på Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Amedeo Modigliani
Jeanne Hébuterne i den gule sweater
Malet i 1918 svarer "Jeanne Hébuterne med den gule sweater" til det øjeblik, hvor Amedeo Modigliani kontrasterer varme toner med faste konturer. "Jeanne Hébuterne med den gule sweater" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Jeanne Hébuterne med den gule sweater" fortsætter sin historie på Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Piet Mondrian
Portræt af en kvinde i en gul hat
I "Portræt af en kvinde i en gul hat", malet i 1900 -1905, Piet Mondrian bevæger sig fra det observerede træ til en linjestruktur. "Portræt af en kvinde i en gul hat": den gule beklædningsgenstand eller baggrund regulerer modellens tilstedeværelse. "Portræt af en kvinde i en gul hat" hører i dag til Referencesamlingen angivet på arket.
Se det maleri →
Edvard Munch
Selvportræt på gul baggrund
Malet i 1915 svarer "Selvportræt på gul baggrund" til det øjeblik, hvor Edvard Munch bruger farve til at synliggøre en psykisk tilstand. "Selvportræt på gul baggrund" viser, hvordan tøjet eller gul baggrund regulerer modellens tilstedeværelse. "Selvportræt på gul baggrund" fortsætter sin historie ved Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →41 -60
Blomster, høst og sollandskaber
Edvard Munch
Portræt af en kvinde på gul baggrund
Malet i 1940, "Portræt af en kvinde på gul baggrund" svarer til det øjeblik, hvor Edvard Munch forenkler landskabet for at intensivere menneskelig tilstedeværelse. "Portræt af en kvinde på en gul baggrund" viser, hvordan tøjet eller den gule baggrund regulerer modellens tilstedeværelse. "Portræt af en kvinde på en gul baggrund" fortsætter sin historie på Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Edvard Munch
Fisker på gul baggrund
Malet i 1931 svarer "Fisker på gul baggrund" til det øjeblik, hvor Edvard Munch gør natten til et følelsesmæssigt rum. "Fisker på gul baggrund" viser, hvordan vandet fordeler refleksioner, dybde og bevægelse gennem kompositionen. "Fisker på gul baggrund" fortsætter sin historie på Reference Collection angivet på arket.
Se det maleri →
Egon Schiele
Selvportræt i gul vest
I "Selvportræt i gul vest", malet 1914, Egon Schiele brug gul som struktur såvel som sensation. "Selvportræt i gul vest": den gule beklædningsgenstand eller baggrund regulerer modellens tilstedeværelse. "Selvportræt i gul vest" hører i dag til Referencesamlingen angivet på arket.
Se det maleri →
Pablo Picasso
Portræt af Olga i en lænestol
Malet i foråret 1918 svarer "Portræt af Olga i en lænestol" til det øjeblik, hvor Pablo Picasso brugte gul som struktur såvel som sensation. "Portræt af Olga i en lænestol" viser, hvordan den gule beklædningsgenstand eller baggrund regulerer modellens tilstedeværelse. "Portræt af Olga i en lænestol" fortsætter sin historie på Musée national Picasso-Paris.
Se arbejde ved kilden →
Pablo Picasso
Stilleben på kommoden
Malet i 1919 svarer "Still Life on the Dresser" til det øjeblik, hvor Pablo Picasso varierede farven efter materialet og lyset. "Still life on the dresser" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Still life on the dresser" fortsætter sin historie på Musée national Picasso-Paris.
Se arbejde ved kilden →
Gustav Klimt
Gårdhave med solsikker
Klimt malede denne have omkring 1906 i løbet af sine somre på bredden af Attersee. Det firkantede format og overfloden af blomster eliminerer næsten horisont og dybde. Gule solsikker kommer frem fra en plantemosaik, hvor landskabet møder ornamentet.
Se det maleri →
Edvard Munch
Den gule stamme
Malet i 1912 svarer "Den gule stamme" til det øjeblik, hvor Edvard Munch bruger farve til at synliggøre en psykisk tilstand. "Den gule stamme" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Den gule stamme" fortsætter sin historie ved Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Egon Schiele
Solsikker I
Schiele malede disse solsikker i 1911, men nægtede den triumferende vitalitet, der var forbundet med Van Gogh. De tynde stængler og skrånende blomster ser ud til at følge en cyklus af vækst og udmattelse. Den falmede gule giver naturen den samme nervøse skrøbelighed som dens menneskelige figurer.
Se det maleri →
Henri Matisse
Solsikkevase
I "Vase of Sunflowers", malet i 1919, Henri Matisse frigør farve fra sin beskrivende funktion. "Solsikkevase": den gule farve forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Solsikkevase" hører i dag til Referencesamlingen angivet på arket.
Se det maleri →
Henri Matisse
Gule roser med parakitbur
I "Gule roser med parakitbur", malet i 1924, Henri Matisse gør interiøret til et aktivt dekorativt felt. "Gule roser med parakitbur": den gule farve forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Gule roser med parakitbur" hører i dag til Referencesamlingen angivet på arket.
Se det maleri →
Piet Mondrian
Gule krysantemum i en ingefærpotte
Med "Gule Krysantemum i en Ingefærgryde", lavet i 1909, Piet Mondrian reducerer landskabet mod en autonom organisation. "Gule krysantemum i en ingefærpotte" bekræfter, at den gule farve forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Gule krysantemum i en ingefærpotte" opbevares ved Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Alfred Sisley
Sletten Veneux-Nadon
Malet i 1881 svarer "Veneux-Nadons slette" til det øjeblik, hvor Alfred Sisley hold dig tro mod landskabet malet foran motivet. "Veneux-Nadon-sletten" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Veneux-Nadon-sletten" fortsætter sin historie på Montreal Museum of Fine Arts.
Se det maleri →
Alfred Sisley
Broen i Sèvres
Malet i 1877 svarer "Le Pont à Sèvres" til det øjeblik, hvor Alfred Sisley brug himlen til at justere alt lyset. "Le Pont à Sèvres" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Le Pont à Sèvres" fortsætter sin historie på Nationalgalleriet i Prag.
Se det maleri →
Alfred Sisley
Oversvømmelsen i Port Marly
Malet i 1876 svarer "Flooden ved Port-Marly" til det øjeblik, hvor Alfred Sisley observer sæsonmæssige effekter uden overdreven teatralitet. "The Flood at Port-Marly" viser, hvordan vand fordeler refleksioner, dybde og bevægelse gennem kompositionen. "The Flood at Port-Marly" fortsætter sin historie i Musée d'Orsay, Paris.
Se det maleri →
Alfred Sisley
Kirken Moret efter regnen
Malet i 1894 svarer "Morets Kirke efter regnen" til det øjeblik, hvor Alfred Sisley hold dig tro mod landskabet malet foran motivet. "Moret's Church After the Rain" viser, hvordan farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Moret's Church After the Rain" fortsætter sin historie på Detroit Institute of Arts.
Se det maleri →
Joaquín Sorolla
Salg af meloner
Malet i 1890 svarer "Salg af meloner" til det øjeblik, hvor Joaquín Sorolla direkte maler middelhavslys. "Sale of Melons" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Sale of Melons" fortsætter sin historie på Private Collection.
Se det maleri →
Joaquín Sorolla
Høst i Jerez
Malet i 1914 svarer "Vendanges à Jerez" til det øjeblik, hvor Joaquín Sorolla får de hvide til at vibrere ved kontakt med vand. "Vendanges à Jerez" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Vendanges à Jerez" fortsætter sin historie på Private Collection.
Se det maleri →
Jules Bastien-Lepage
Høet
Med "Les Foins", produceret i 1877, Jules Bastien-Lepage bruger gul som struktur såvel som sensation. "Les Foins" bekræfter, at farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Les Foins" opbevares i Musée d'Orsay, Paris.
Se det maleri →
Paul Gauguin
Arearea
Gauguin malede Arearea i 1892 efter sit første ophold på Tahiti og viste det i Paris året efter. To kvinder indtager et gult og rødt landskab, hvor en hund og en rituel scene slører historien. Kunstneren konstruerer mindre af et etnografisk dokument end et syntetisk paradis beregnet til den europæiske offentlighed.
Se det maleri →
Odilon Redon
Apollo Tanken
Redon tager gentagne gange Apollos vogn, inspireret af især Delacroix, op som et billede på lyset, der sejrer over uhyret. Hestene svæver i en sky af gule og appelsiner. Myten giver ham mulighed for at forlade sine tidligere sorte for en intens åndelig farve.
Se det maleri →61 -80
Guld, okker og symbolsk lys
Paul Signac
Kvinder ved brønden
"Kvinder ved brønden" stammer fra 1892; Paul Signac y bruger gul som struktur såvel som sensation. "Kvinder ved brønden" afslører, at den gule beklædningsgenstand eller baggrund regulerer modellens tilstedeværelse. "Kvinder ved brønden" slutter sig nu til Musée d'Orsay, Paris.
Se det maleri →
Paul Cézanne
Den hængte mands hus, Auvers-sur-Oise
Cézanne præsenterede denne opfattelse af Auvers under den første impressionistiske udstilling i 1874. Husene klemmer langs en sti uden karakter, under et kedeligt gult lys. Den tykke pasta og sammenlåsende fly annoncerer en konstruktion af landskabet meget forskellig fra det flygtige indtryk.
Se det maleri →
Paul Cézanne
Gardin-, kande- og kompotmager
I "Rideau, kande og kompotør", malet 1893, Paul Cézanne bygger dybde i farveforhold. "Rideau, kande og compotier": farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Rideau, kande og compotier" ejes nu af Whitney Museum of American Art.
Se det maleri →
Arthur Streeton
Spring
Malet i 1890 svarer "Forår" til det øjeblik, hvor Arthur Streeton bruger gul som struktur såvel som sensation. "Forår" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Forår" fortsætter sin historie på National Gallery of Victoria, Melbourne.
Se arbejde ved kilden →
Joaquín Sorolla
Charles V-bassinet ved Alcazar i Sevilla
I "Basin af Charles V på Alcazar af Sevilla", malet i 1910, Joaquín Sorolla observer arbejde og fritid på Valencias strande. "Bassin of Charles V at the Alcazar of Sevilla": farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Basin of Charles V at the Alcazar of Sevilla" tilhører i dag Private Collection.
Se det maleri →
Gustave Moreau
Orfeus
Med "Orphée", fremstillet 1865, Gustave Moreau bruger gul som struktur såvel som sensation. "Orphée" bekræfter, at farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Orphée" opbevares på Musée d'Orsay, Paris.
Se det maleri →
Jérôme Bosch
Helligtrekonger
I "Helligtrekonger", malet omkring 1494, Jérôme Bosch bruger gul som struktur såvel som sensation. "Helligtrekonger": farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Helligtrekonger" tilhører i dag Museo Nacional del Prado, Madrid.
Se det maleri →
El Greco
Treenigheden
Malet i 1577 -1579 svarer "Treenigheden" til det øjeblik, hvor El Greco bruger gul som struktur såvel som sensation. "Treenigheden" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Treenigheden" fortsætter sin historie på Museo Nacional del Prado, Madrid.
Se det maleri →
John William Waterhouse
Echo og Narcissus
Malet i 1903, den maleri samler de to skæbner fortalt af Ovid: Echo fortæres af en ubesvaret kærlighed, mens Narcissus overvejer sin refleksion. Det gule og grønne forårslandskab forbinder de separate figurer uden at løse deres isolation. Waterhouse forvandler myte til stille drama af blikket.
Se det maleri →
John William Waterhouse
Ophélie ved kanten af dammen
Med "Ophélie ved dammens rand", produceret i 1894, John William Waterhouse transponerer gamle historier til omhyggeligt observerede landskaber. "Ophélie ved kanten af dammen" bekræfter, at farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Ophélie ved kanten af dammen" opbevares i Private Collection.
Se det maleri →
John William Waterhouse
Sød sommer
Med "Doux sommer", produceret i 1912, John William Waterhouse giver den kvindelige figur til planter og vand. "Sweet Summer" bekræfter, at farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Sweet Summer" opbevares i Private Collection.
Se det maleri →
John William Waterhouse
Fejet af vinden
Med "Swept by the Wind", produceret i omkring 1900, John William Waterhouse gør naturlige detaljer til en kilde af drama. "Fejet af vinden" bekræfter, at farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Fejet af vinden" opbevares i Private Collection.
Se det maleri →
Diego Velázquez
Udsigt over haven til Villa Medici i Rom
"Udsigt over haven af Villa Medici i Rom" stammer fra omkring 1630; Diego Velázquez gul bruger det som en struktur såvel som en sensation. "Udsigt over haven af Villa Medici i Rom" afslører, at farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Udsigt over haven af Villa Medici i Rom" nu slutter Museo Nacional del Prado, Madrid.
Se det maleri →
Pierre Paul Rubens
De tre nådegaver
Rubens malede sandsynligvis De tre nådegaver i 1630'erne til sin egen samling. Gudinderne danner en kødelig cirkel foran et landskab badet i gyldent lys; en af dem kunne påtage sig træk fra sin anden kone, Hélène Fourment. Mytologi bliver en meget personlig fejring af kød og overflod.
Se det maleri →
Caspar David Friedrich
The Stages of Life
I "Livets Stadier", malet i ca. 1835, Caspar David Friedrich bruger gul som struktur såvel som sensation. "Livets stadier": farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Livets stadier" ejes nu af Museum der bildenden Künste, Leipzig.
Se arbejde ved kilden →
Caspar David Friedrich
Kvinde ved et vindue
I "Kvinde ved et vindue", malet i 1822, Caspar David Friedrich varierer farven afhængig af materiale og lys. "Kvinde ved et vindue": farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Kvinde ved et vindue" tilhører i dag Alte Nationalgalerie, Berlin.
Se arbejde ved kilden →
Caspar David Friedrich
Kors i bjergene (Tetschen-alteret)
I "Kors i bjergene (Tetschen-alteret)", malet i 1807 -1808, Caspar David Friedrich giver den varme skala en udtryksfuld funktion. "Kors i bjergene (Tetschen-alteret)": den gule farve forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Kors i bjergene (Tetschen-alteret)" ejes nu af Galerie Neue Meister, Dresden.
Se arbejde ved kilden →
Adolph Menzel
Balkonværelset
Med "The Balcony Room", lavet i 1845, Adolph Menzel bruger gul som struktur såvel som sensation. "The Balcony Room" bekræfter, at farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "The Balcony Room" opbevares på Alte Nationalgalerie, Berlin.
Se arbejde ved kilden →
Gustave Courbet
En begravelse i Ornans
Courbet udstillede denne provinsceremoni i 1850 -1851 i et format, der tidligere var forbeholdt maleri historie. Figurer i naturlig størrelse er hverken idealiserede eller hierarkiske, hvilket skandaliserer en del af offentligheden. Kirkegårdens gule lande forankrer ritualet i en materiel og lokal virkelighed.
Se det maleri →
Francisco de Goya
Blind på guitar
Malet i 1778 svarer "Blind på guitar" til det øjeblik, hvor Francisco de Goya bruger gul som struktur såvel som sensation. "Blind på guitar" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Blind på guitar" fortsætter sin historie på Museo Nacional del Prado, Madrid.
Se det maleri →81 -100
Moderne gul: tegn, vibration og abstraktion
Pierre Puvis de Chavannes
Den fattige fisker
"Den fattige Fisker" stammer fra 1881; Pierre Puvis de Chavannes gul bruger det som struktur såvel som sensation. "Le Pauvre Pêcheur" afslører, at vandet fordeler refleksioner, dybde og bevægelse gennem kompositionen. "Le Pauvre Pêcheur" slutter sig nu til Musée d'Orsay, Paris.
Se det maleri →
Pierre Puvis de Chavannes
Unge Piger ved havet
"Unge Piger ved Havet" stammer fra 1879; Pierre Puvis de Chavannes varierer farven afhængig af materiale og lys. "Unge Piger ved Havet" afslører, at det gule tøj eller baggrunden regulerer modellens tilstedeværelse. "Unge Piger ved Havet" slutter sig nu til Musée d'Orsay, Paris.
Se det maleri →
Salvador Dali
Efterårskannibalisme
I 1936 malede Dalí to bløde kroppe, som blev fortæret ved hjælp af knive og skeer. Fremstillet i starten af den spanske borgerkrig forvandler scenen brodermorderkonflikten til et monstrøst måltid. Landskabets gule okker giver denne vold en næsten hjemlig klarhed.
Se arbejde ved kilden →
Salvador Dali
Geopoliticus Barn Ser Fødslen af den Nye Mand
"Geopoliticus Child Watching the Birth of the New Man" blev malet i 1943 og svarer til det øjeblik, hvor Salvador Dalí installerer sine visioner i Empordàs tørre lys. "Geopoliticus Child Watching the Birth of the New Man" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Geopoliticus Child Watching the Birth of the New Man" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Geopoliticus Child Watching the Birth of the New Man" fortsætter sin historie på Salvador Dalí Museum, St. Petersburg, Florida.
Se arbejde ved kilden →
Salvador Dali
Ansigt af den store Masturbator
Malet i 1929 svarer "Face of the Great Masturbator" til det øjeblik, hvor Salvador Dalí kombinerer klassisk præcision og drømmelogik. "Face of the Great Masturbator" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Face of the Great Masturbator" fortsætter sin historie på Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
Se arbejde ved kilden →
Vassily Kandinsky
Little maleri gul (improvisation)
Med "Lille maleri gul (improvisation)", produceret i 1914, Vassily Kandinsky søger en indre resonans mellem former og farver. "Lille maleri gul (improvisation)" bekræfter, at gul fungerer som et felt, tegn eller interval snarere end en lokal farve. "Lille maleri gul (improvisation)" opbevares ved Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Vassily Kandinsky
Gult akkompagnement
Med "Yellow Accompaniment", produceret i 1924, Vassily Kandinsky frigiver efterhånden mønsteret fra beskrivelsen. "Gult akkompagnement" bekræfter, at gul fungerer som et felt, tegn eller interval frem for en lokal farve. "Gult akkompagnement" opbevares ved Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Vassily Kandinsky
Lille Gul
Med "Petit Jaune", produceret i 1926, Vassily Kandinsky giver gul åndelig dybde. "Petit Jaune" bekræfter, at gul fungerer som et felt, tegn eller interval snarere end en lokal farve. "Petit Jaune" opbevares ved Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Vassily Kandinsky
Gul center
Med "Centre jaune", produceret i 1926, Vassily Kandinsky søger en indre resonans mellem former og farver. "Gult center" bekræfter, at gul fungerer som et felt, tegn eller interval snarere end en lokal farve. "Gult center" opbevares ved referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Vassily Kandinsky
gul kant
Med "gul kant", lavet i 1930, Vassily Kandinsky frigiver efterhånden mønsteret fra beskrivelsen. "gul kant" bekræfter at gul fungerer som felt, tegn eller interval frem for en lokal farve. "gul kant" opbevares ved Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Vassily Kandinsky
Det gule web
Med "La Toile jaune", produceret i 1938, Vassily Kandinsky giver gul åndelig dybde. "Det Gule Web" bekræfter, at gul fungerer som et felt, tegn eller interval snarere end en lokal farve. "Det Gule Web" opbevares på Referencesamlingen angivet på arket.
Se det maleri →
Vassily Kandinsky
Landskab med gult felt
Med "Landskab med gult felt", produceret i 1909, Vassily Kandinsky søger en indre resonans mellem former og farver. "Landskab med gult felt" bekræfter, at gult fungerer som et felt, tegn eller interval frem for en lokal farve. "Landskab med gult felt" opbevares ved Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Piet Mondrian
Sammensætning i rød, gul og blå
I 1920'erne reducerede Mondrian sin maleri til vertikaler, horisontal og primærfarver uden at søge perfekt symmetri. Det lille gule rektangel virker mod større røde, blå og hvide områder. Balancen fremstår stabil, mens den forbliver visuelt aktiv.
Se det maleri →
Robert Delaunay
Cirkulære former. Sol, Måne
Delaunay udviklede i 1912 -1913 en maleri baseret på samtidige farvekontraster. De gule, røde, grønne og blå skiver antyder sol og måne uden at blive et landskab igen. Den kromatiske rotation giver lærredet en energi tæt på moderne elektrisk lys.
Se det maleri →
August Macke
Solrig gåtur
Macke malede denne promenade i 1913, kort før sin rejse til Tunesien og hans død i krigen året efter. Passersby går gennem vinduer og træer forenklet til farverige planer. Lyse gule forvandler den moderne by til en rolig rytme snarere end en travlhed.
Se det maleri →
August Macke
Tre piger iført gule stråhatte
"Tre piger iført gule stråhatte" blev malet i 1913 og svarer til det øjeblik, hvor August Macke forenkler byen og dens forbipasserende til lyse skud. "Tre piger iført gule stråhatte" viser, hvordan den gule beklædningsgenstand eller baggrund regulerer tilstedeværelsen af modellen. "Tre piger iført gule stråhatte" fortsætter sin historie på Reference kollektion angivet på arket.
Se det maleri →
August Macke
Solrig sti
Malet i 1913 svarer "Sunny Path" til det øjeblik, hvor August Macke søger en rolig overensstemmelse mellem figurer og montrer. "Sunny Path" viser, hvordan farven gul forbinder former uden at slette deres kontraster. "Sunny Path" fortsætter sin historie på Reference Collection angivet på arket.
Se det maleri →
Franz Marc
De små gule heste
Marc malede disse heste i 1912 i en symbolsk palet, der frigjorde dyrene fra deres naturlige farve. De gule kroppe passer ind i landskabets kurver som elementer af den samme organisme. Harmoni krydses allerede af de mere spændte vinkler i dets førkrigssprog.
Se det maleri →
Franz Marc
To katte, blå og gul
I "To katte, blå og gul", malet i 1912, Franz Marc tildeler farver åndelig værdi. "To katte, blå og gul": farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "To katte, blå og gul" hører i dag til Referencesamling angivet på arket.
Se det maleri →
Franz Marc
Køer Rød Grøn Gul
I "Koer Rød Grøn Gul", malet i 1912, Franz Marc integrerer dyr i landskabets kurver. "Rødgrønne gule køer": farven gul forbinder formerne uden at slette deres kontraster. "Rødgrønne gule køer" hører i dag til den referencesamling, der er angivet på arket.
Se det maleri →Farvestof
Fem gule, der forvandlede maleri
Gul er aldrig en ren idé. Dens dækkende kraft, gennemsigtighed, toksicitet og modstandsdygtighed over for lys bestemmer gestus. Gul okker giver jordiske og stabile passager; orpiment tilbyder en varm, men farlig glød; bly og tingul nærer gamle lys; chromgul forstyrrer det 19. århundrede; cadmium giver tæt og varig mætning.
De hundrede værker viser disse strategier i olie: glasur eller impasto, blanding med hvid, nærhed til lilla, kontrast med blå, lille fokus eller kontinuerligt felt. At se på gul svarer derfor til samtidig at observere en fornemmelse, en kemi og en konstruktion af rummet.
Stabil, mat og dækkende jernholdig jord, brugt siden de første billedtraditioner.
Meget lyst arsensulfid, gammelt og giftigt, svært at kombinere med andre pigmenter.
Uigennemsigtig gul af gamle malere, værdsat for lys og stoffer, før de går ud af brug.
Strålende og dækkende, emblematisk for det 19. århundrede; nogle formuleringer kan blive mørkere eller grønne over tid.
Tæt, mættet og modstandsdygtig; det udvider den moderne palet fra citron til appelsin.
En farve, flere liv
Fra jordpigment til moderne lys
Guld og det hellige
I altertavler og ikoner beskriver gyldengul ikke altid naturligt lys: det åbner et tidløst rum, overdådigt nok til at få dig til at glemme prisen på arket.
Solen træder ind på scenen
I det 19. århundrede tillod nye pigmenter Turner, Van Gogh og deres samtidige at skubbe lyset meget længere. Gul bliver til luft, gas, hvede, facade og til tider hel stemning.
Farve bliver til form
Med Gauguin, Matisse, Kandinsky eller Mondrian stopper gul høfligt med at vente på, at et objekt farver. Han bevæger sig fremad, skærer gennem rummet og påtvinger sin egen rytme.
0 kommentarer