15. - 20. århundrede · oliemalerier
De 100 mest berømte vertikale malerier
Hundrede malerier, hvor højden opbygger en tilstedeværelse: portrætter, stående figurer, hellige visioner og oprejste landskaber, fra Van Eyck og Leonardo til Munch, Kahlo og Pollock.
Højde som sprog
Højden ændrer den måde, du ser ud på
Et lodret format er ikke kun til at bringe en krop ind i en ramme. Det kan forvandle en person til et monument, bringe arkitektur op, bringe et ansigt tættere på eller føre blikket fra jorden til himlen. Fra Mona Lisa til Gråd, denne højde skaber et næsten fysisk forhold til figuren.
Ruten samler portrætter, religiøse scener, symbolistiske visioner og landskaber, der virkelig er konstrueret lodret. De mest anerkendte mesterværker åbner besøget; de følgende variationer viser, hvordan seks århundreder af maleriet brugte den samme impuls til at fortælle om magt, ensomhed, bevægelse, tro eller simpelt nærvær.
Det lodrette format bringer maleriet tættere på menneskelig statur og inviterer derefter kunstneren til at transformere denne lighed til arkitektur.
Kroppen giver øjeblikkelig skala; positur, kostume og baggrund afgør derefter, om denne højde fremstår højtidelig, skrøbelig eller mobil.
Dør, søjle, facade eller vindue fører blikket og tillader flere dybder at blive stablet på et snævert sted.
Religiøst og mytologisk maleri distribuerer ofte fortællingen fra jord til himmel, fra faldet til åbenbaringen.
Når mønsteret forsvinder, forbliver højden aktiv: flade områder, dryp og tegn er organiseret der som stigende kræfter.
100 malerier, hvor højden bygger øjet
Redaktionel rangeringSilhuetter, der er blevet universelle
De tyve absolutte lodrette ikoner
Leonardo da Vinci
Mona Lisa
Leonardo arbejdede længe på dette portræt generelt identificeret med Lisa Gherardini og vandt i Frankrig i slutningen af sit liv. Sfumatoen forbinder smilet, ansigtet og landskabet uden hårde omrids. Stjålet fra Louvre i 1911 fandt derefter to år senere blev The Mona Lisa en global berømthed, som hendes lille størrelse absolut ikke havde annonceret.
Se maleriet →
Johannes Vermeer
Pigen med perleørering
Vermeer maler en ung kvinde vendt mod lyset, iført turban og iført en krølle, der fokuserer blikket. Det er sandsynligvis ikke et bestilt portræt, men en "tronie", en undersøgelse af karakter og kostume. Restaureret og populariseret i det 20. århundrede, er det blevet et globalt ikon, hvis perle i sig selv måske ikke er andet end et strålende penselstrøg.
Se maleriet →
Jan van Eyck
Arnolfini-ægtefællerne
Van Eyck daterer og underskriver i 1434 dette Brugge interiør, hvor Giovanni Arnolfini og en kvinde står foran en rød seng. Det konvekse spejl afspejler to andre mennesker, og signaturen siger, at maleren "var her". Ægteskab, forlovelse eller mindehøjtidelighed: den nøjagtige betydning forbliver omdiskuteret, mens den lille hund heroisk forbliver tavs.
Se maleriet →
Diego Velazquez
Meninaerne
Velázquez repræsenterer sig selv på arbejde i et stort rum i Alcázar i Madrid, omgivet af Infanta Marguerite, hendes tilhængere og hoffet. Kongen og dronningen vises i bagspejlet. Malet i 1656 forvandler værket kongeligt portræt, der undersøger blikket: hvem poserer, hvem observerer og hvem holder egentlig scenen?
Se maleriet →
Edvard Munch
Grædet
Munch siger, at han mærkede "et stort, uendeligt skrig gennem naturen" under en gåtur over Oslo. I den malede version fra 1893 bølger himlen med fjorden og ansigtet, indtil den forvandler landskabet til en fysisk fornemmelse. DEN to vandrere fortsætter dog på deres vej, en næsten komisk detalje, da universet bag dem ser ud til at have mistet al tilbageholdenhed.
Se maleriet →
Caspar david friedrich
Den rejsende overvejer et hav af skyer
Friedrich placerer en mand med ryggen til toppen af en klippe, vendt mod et hav af tåge, som skjuler dalene. Maleriet er malet omkring 1818 og kombinerer erobring af toppen og umuligheden af at forstå alt. Det lodrette format hæver figuren, men den landskabet overstiger det stadig; den rejsende dominerer kun udsigten, fordi skyerne har høfligheden til at blive lavere.
Se maleriet →
Jacques-Louis David
Marats død
David maler Marat myrdet i sit badekar i 1793 og forvandler sin revolutionære ven til en moderne martyr. Charlotte Cordays brev, kniv og trækasse erstatter gamle attributter. Kroppen falder ned i vertikal komposition, mens tomt rum isolerer det; politisk propaganda opnår her en ædruelighed, der gør mord tættere på.
Se maleriet →
Grant Wood
Amerikansk gotisk
Grant Wood henter inspiration fra et Iowa-hus med et nygotisk vindue og får sin søster til at posere sammen med sin tandlæge. Gaflen optager linjerne af overalls, skjorter og arkitektur. Præsenteret i 1930 blev parret læst som satire eller hyldest til Midtvesten; han fandt det aldrig nødvendigt at beslutte sig med et smil.
Se maleriet →
George Stubbs
Whistlejacket
Stubbs malede Whistlejacket væddeløbshesten i naturlig størrelse omkring 1762, uden rytter eller narrative rammer. Dyret rejser sig på en neutral baggrund, som gør enhver muskel og refleksion af pelsen synlig. Bestilt af Marquis of Rockingham, maleriet hæver et hesteportræt til rang af monument; sjældent har en model optaget lærredet så meget uden at bære det mindste stykke tøj.
Se maleriet →
Jacques-Louis David
Bonaparte krydser den store Sankt Bernard
David producerede flere versioner af Bonaparte, der krydsede Alperne fra 1800. Generalen, der faktisk gik videre på et muldyr, dukkede op på en skridende hest og udpegede toppen, nær navnene Hannibal og Karl den Store. Diagonalen heroic dokumenterer ikke rejsen: den konstruerer legenden med en meget sikker følelse af reklamevejr.
Se maleriet →
John Singer Sargent
Fru
Sargent maler Virginie Gautreau i profil, i en sort kjole med en rem, der oprindeligt faldt på hendes skulder. Præsenteret på Salonen i 1884 udløste denne frækhed en skandale; maleren malede remmen om og forlod snart Paris. Der lodret silhuet forbliver frygtindgydende elegant, som om det verdslige ry havde besluttet at stå helt lige under beskydning fra kritikere.
Se maleriet →
Frida Kahlo
Selvportræt med halskæde af torne og kolibri
Frida Kahlo repræsenterer sig selv foran beskueren i 1940, omgivet af en halskæde af torne, en kolibri, en abe og en sort kat. Symbolerne blander fysisk smerte, mexicanske traditioner og personlige bånd uden at blive reduceret til kun én forklaring. Ansigtet forbliver ubevægeligt i midten, mens alt omkring synes at forberede sig på en meget mindre stille samtale.
Se maleriet →
Francisco de Goya
Saturn fortærer et af sine børn
Goya maler værker i dag kaldet Black Paintings direkte på væggene i sit hus. Saturn, der frygter at blive detroniseret, fortærer en krop i en næsten tom nat; brede øjne erstatter al mytologisk storhed. Overført til lærred i det 19. århundrede, er billedet stadig en af de mest brutale visioner om magt omdannet til panik.
Se maleriet →
Artemisia Gentileschi
Judith halshugger Holofernes
Artemisia Gentileschi maler Judith og hendes tjener, der mestrer Holofernes med fysisk vold, der sjældent tildeles emnet. Armene, sværdet og arkene danner en handlingsknude i højden af lærredet. Heltinden er hverken dekorativ heller ikke tøvende: den bibelske historie bliver til vanskeligt arbejde, udført med en koncentration, som generalen burde have taget mere alvorligt.
Se maleriet →
Albrecht Durer
Selvportræt med pels
Dürer skildrede sig selv i 1500 frontalt, i en alder af otteogtyve, i en positur, der minder om billeder af Kristus. Pelsen, håret og hånden er malet med spektakulær præcision, men inskriptionen understreger også handlingen af skabelse. Kunstneren hævder således en høj intellektuel status; hans blik søger ikke godkendelse, han synes allerede at have opnået den.
Se maleriet →
Johannes Vermeer
Mælkepigen
Vermeer viser en tjener hælde mælk i et stille køkken. Brødet, kurven og væggen bærer et minuts lys, mens gestus suspenderer tiden. Malet omkring 1658 -1660, scenen hæver husligt arbejde almindelig uden at gøre det teatralsk; mælketricklen gør al handlingen og spilder ikke engang en dråbe.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Portræt af Doktor Gachet
I Auvers-sur-Oise malede Van Gogh Doktor Gachet lænet på hånden nær en rævehandske, en plante knyttet til hans medicinske aktivitet. Maleren genkender i denne melankoli en stemning tæt på hans egen. Lavet et par uger før hans død giver portrættet lægen et træt ansigt, som om omsorg og bekymring delte den samme stol.
Se maleriet →
Thomas Lawrence
Pinkie
Lawrence malede Sarah Goodin Barrett Moulton, omkring elleve år gammel, kort efter ankomsten til England fra Jamaica. Vinden svulmer hendes lyserøde kjole op og giver portrættet skalaen af et genfærd. Tilnavnet Pinkie længe efter hende skabelse, maleriet blev i USA den populære pendant til The Blue Boy, hængende i samme samling.
Se maleriet →
John Singer Sargent
Portræt af Lady Agnew af Lochnaw
Sargent placerer Gertrude Agnew i en kinesisk silkelænestol, let skråtstillet mod beskueren. Den hvide kjole modtager de lilla refleksioner af væggen og bæltet, mens det direkte blik undgår enhver automatisk høflighed. Portrættet blev udstillet på Royal Academy i 1893 og lancerede modellens berømmelse og bekræftede malerens.
Se maleriet →
Thomas Gainsborough
Den blå dreng
Gainsborough malede Jonathan Buttall omkring 1770 i et satinblåt jakkesæt inspireret af det 17. århundrede. Portrættet reagerede på debatten om blås evne til at dominere en komposition, i lyset af teorier tilskrevet Reynolds. Erhvervet senere af Henry Huntington kombinerer The Blue Boy aristokratisk bravaderi og tekstilvirtuositet; modellen lader tydeligt satinen tale først.
Se maleriet →Kroppen som mål for rammen
Portrætter i fuld længde, figurer og lodrette tilstedeværelser
Artemisia Gentileschi
Selvportræt i allegori over maleriet
Artemisia skildrer sig selv maleri og samtidig vedtager de feminine attributter allegorien om Maleri. En mandlig kunstner kunne ikke så bogstaveligt talt have fusioneret sit selvportræt med denne personificering. Kroppen lænet og arm hævet viser værket i aktion: kunstnerisk herlighed kommer her med oprullede ærmer.
Se maleriet →
Artemisia Gentileschi
Suzanne og de gamle mænd
Malet som sytten, nægter denne Suzanne den selvtilfredse tone, der ofte gives til det bibelske emne. Kroppen vender sig fysisk væk fra de to mænd, der læner sig over væggen, og uro organiserer hele den lodrette sammensætning. Artemisia placerer oplevelsen af den truede kvinde i centrum af historien, hvor andre versioner foretrak at beundre hendes bad.
Se maleriet →
Frans Hals
Den grinende rytter
Denne rigt klædte unge mand er nok ikke en rytter og griner ikke højt, men kælenavnet sidder fast. Hals animerer overskæg, krave, broderi og ærme med et hurtigt touch, der giver portrættet øjeblikkelig selvtillid. Dateret fra 1624 forvandlede han en social positur til et livligt møde; modellen synes at have hørt en fremragende bemærkning uden for rammen.
Se maleriet →
Édouard Manet
Emile Zola
Manet takker Zola for at forsvare sit maleri ved at skildre det i et studie fyldt med billeder. Et japansk tryk, en gengivelse af Olympia og et portræt af Velazquez komponerer et manifest omkring forfatteren visuelt. Zola læser seriøst; bag ham diskuterer værkerne allerede moderniteten meget frit.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Judith I
Klimt malede Judith omkring 1901 og blandede den bibelske heltinde med wiener erotik. Holofernes hoved optræder kun delvist i underkanten, mens ansigt, halskæde og guld dominerer. Judith ligner ikke et frelst offer af pligt: hun påtager sig sin sejr med en forsikring, der bekymrede sig nok om, at hun nogle gange forveksles med Salomé.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Røde Eiffeltårn
Delaunay maler Eiffeltårnet rødt og skifter det mellem bygninger, skyer og byfragmenter. Bygget til verdensudstillingen i 1889 blev strukturen under hans pensel det mobile symbol på et moderne Paris. DEN lodret format udvider sin opstigning, men kubistiske planer nægter at lade det stå som et simpelt arkitektonisk fotografi.
Se maleriet →
John william waterhouse
Den magiske cirkel
Waterhouse udstillede The Magic Circle på Royal Academy i 1886. En tryllekunstner trækker en skudlinje omkring hende, mens røg, krager og kedel installerer en præcis rite. Det lodrette format følger hans krop og den hævede pind; fremragende sikkerhedsforanstaltning ved arbejde med usamarbejdsvillige ingredienser.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Solsikker
Van Gogh malede flere vaser med solsikker i Arles i 1888 beregnet til at dekorere Gauguins værelse. Blomsterne viser forskellige aldre, fra knop til visnet hoved, i et næsten helt gult område. Denne gæstfrihed malet vil overleve bedre end samlivet mellem de to kunstnere, som ikke ligefrem vil forblive berømt for sin hjemlige ro.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Caféterrasse om aftenen
Van Gogh malede den oplyste terrasse på en Arles café i 1888 under en stjernehimmel. Gassens gule står i kontrast til det dybblå uden at bruge sort for natten. Perspektiv trækker øjet ind på gaden, mens gæsterne bliver lille; byen virker imødekommende, selvom hver stol synes at være blevet placeret af en meget bestemt diagonal.
Se maleriet →
Paul Gauguin
Den gule Kristus
I Pont-Aven i 1889 omsatte Gauguin et polykromt krucifiks fra Trémalo kapellet til et bretonsk landskab. Kristi gule legeme skiller sig ud mellem de hvide hovedbeklædninger og efterårsmarkerne. Hellig, lokalt liv og flade syntetister kom sammen: selv sæsonen deltager nu i den religiøse historie.
Se maleriet →
Franz Marc
Blå hest I
Franz Marc malede Blue Horse I i 1911, hvilket gav dyret en åndelig snarere end naturalistisk farve. Den buede krop er indskrevet i bakkerne som én levende form blandt andre. Hesten optager næsten hele højden, rolig og monumental; blå udtrykker en indre aspiration for Marc, ikke et særligt sjældent veterinært problem.
Se maleriet →
Georges Seurat
Cirkus
Seurat arbejdede på Cirkus i 1890 -1891 og efterlod maleriet ufærdigt ved sin død. Væbneren, akrobaten og klovnen er organiseret af gentagne kurver, mens de gule bevidst vækker opfattelsen. Showet dukker op hurtigt, men hvert farvepunkt minder os om, at denne hastighed blev bygget med næsten urimelig tålmodighed.
Se maleriet →
Henri Matisse
Guldfisk
Matisse malede Guldfisken i 1912 efter sin rejse til Marokko, hvor han observerede fornøjelsen ved at betragte bassinerne i lang tid. Krukken, bordet, balkonen og planterne nægter et enkelt synspunkt. Fiskene bliver til faste punkter i dette mobile rum, lille ansvar for fire dyr, der sandsynligvis kun havde bedt om lidt vand.
Se maleriet →
Édouard Manet
Fifre
Manet malede en ung musiker fra den kejserlige garde i 1866 mod en næsten tom baggrund. Den skarpe silhuet, røde bukser og mangel på dybde minder om japanske og Velazquez-tryk. Afvist af Salonen blev Le Fifre et manifest af moderne maleri; drengen spiller måske musik, men frem for alt sætter maleriet tonen.
Se maleriet →
Élisabeth Vigée Le Brun
Selvportræt med stråhat
Vigée Le Brun malede dette selvportræt i 1782 efter at have beundret Rubens' portræt af Susanna Lunden. Stråhatten, blomsterne og det naturlige lys hævder både elegance og billedlig beherskelse. Hun viser sig med det palet og pensler, anerkendt kunstner snarere end simpel charmerende dame; smilet ledsager erhvervet i stedet for at erstatte det.
Se maleriet →
John Singer Sargent
Carmencita
Sargent skildrer den spanske danser Carmencita omkring 1890 i en let broderet kjole, som forstærker hendes scenetilstedeværelse. Den lodrette krop, arme og blik afspejler en performer, der er vant til at kommandere rummet. Portrættet var nogle gange betragtes som provokerende; Carmencita virker ikke ked af det, og har tydeligvis andre tilskuere at erobre.
Se maleriet →
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Madame Moitessier
Ingres malede Madame Moitessier siddende i 1856, efter mange års arbejde og en første stående version. Spejlet gentager sin profil, mens blomsterkjolen optager en stor del af overfladen. Verdslig elegance bliver mønsterarkitektur; stillingen fremstår kun naturlig, fordi maleren tog sig tid nok til at skjule enhver indsats.
Se maleriet →
Paul Cezanne
Drengen i den røde vest
Cézanne malede den unge Michelangelo di Rosa i flere positurer mellem 1888 og 1890. Den røde vest kontrasterer sin varme masse med de blå og grønne, mens den skæve krop giver portrættet en stille spænding. Planerne bygger figuren frem for at udjævne den; drengen poserer, men hver farve ser ud til at udføre sin egen refleksion.
Se maleriet →
Henri Matisse
Den grønne stråle
Ved Salon d'Automne i 1905 blev portrættet af Amélie Matisse et af fauvismens emblemer. Det grønne bånd deler ansigtet uden at beskrive en naturlig skygge: det balancerer de tilstødende røde, lyserøde og blå. Matisse forvandler sin hustru i kromatisk manifest med en økonomi af midler, som fik besøgende til at tale meget.
Se maleriet →
Egon Schiele
Selvportræt i gul vest
Schiele skildrer sig selv i 1914 i en gul vest, kroppen tynd og ansigtet vendt trodsigt. Nervøse konturer og områder, der er tilbage bare, forhindrer den livlige beklædningsgenstand i at blive verdslig. Kunstneren gør sin silhuet til en figur næsten skæring, på et tidspunkt, hvor Europa forbereder sig på at miste meget mere end sine gode manerer.
Se maleriet →Løft fortællingen
Hellige historier, myter og dramaer fra oven
Paul Gauguin
Den smukke Angela
Gauguin malede Marie-Angélique Satre i 1889, efter at hun kritiserede ham for et lidet flatterende første portræt. Ansigtet vises i en cirkel, ved siden af en statuette og en titel indskrevet som i et populært billede. La Belle Angèle samler virkelig person, bretonsk identitet og symbolistisk enhed; modellen, siges det, var stadig ikke helt overbevist.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Harmoni i grå og grøn: Miss Cicely Alexander
Whistler maler unge Cicely Alexander stående i profil i en harmoni af grå og grønne. Hatten, kjolen og tæppet behandles som farverige aftaler såvel som sociale tegn. De talrige sessioner trætte ham model; den perfekte tilbageholdenhed af resultatet skjuler derfor en investering af tålmodighed, som musiktitlen høfligt udelader.
Se maleriet →
Raphael
Portræt af en kardinal
Raphael malede denne kardinal i Rom omkring 1510 -1511, uden at hans identitet er sikret i dag. Den røde af tøjet, den mørke baggrund og det let drejede ansigt giver figuren en behersket autoritet. Intet tilbehør fortæller denne historie funktion i detaljer: skæringen af blikket og økonomien i sammensætningen er nok til at installere strøm.
Se maleriet →
Titian
Karl V til hest i Mühlberg
Titian mindes Karl V's sejr ved Mühlberg i 1548. Kejseren rykker frem til hest, bevæbnet med et spyd, men aftenlandskabet erstatter slagets tumult. Portrættet kombinerer nærmest militær kommando og majestæt hellig; hesten bidrager i høj grad til visuelt diplomati ved at opretholde en roligere holdning end europæisk historie.
Se maleriet →
Diego Velazquez
Gaspar de Guzman, grev-hertug af Olivares, til hest
Velazquez maler grev-hertugen af Olivares på en skridende hest, vendt mod slagmarken. Favorit af Philip IV, ministeren opnår et billede, der normalt er forbeholdt suverænen. Diagonalen af pinden og hesten animerer højden af lærredet; den politiske magt rykker frem her i galop, inden dens formue pludselig bremses.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Den lyserøde bluse
Modigliani malede Den lyserøde bluse i 1919, i løbet af de sidste år af sit liv. Beklædningen blødgjort af okker stabiliserer busten under et aflangt ansigt, mens baggrunden forbliver næsten bar. Modellen bevarer en rolig tilstedeværelse, uden dekoration verdslig eller anekdote; farven er nok til at give portrættet dets beherskede varme.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Ung kvinde i gul kjole (Renée Modot)
Modigliani repræsenterer Renée Modot i det sydlige Frankrig, hvor hendes palet lysner. Den gule kjole indrammer et langt ansigt med rolige øjne foran en bar baggrund. Identiteten skyldes halsens kropsholdning og rytme frem for tilbehør; det lodrette format udvider denne skrøbelige elegance uden at overdrive den.
Se maleriet →
Max Beckmann
Quappi i blå
Max Beckmann maler Quappi, hans anden kone Mathilde, i en blå kjole og en positur, der er både verdslig og fjern. De tykke konturer og det trange rum afviser blødheden i stueportrættet. Det velkendte kælenavn tager intet fra modellens autoritet; hun synes at kende præcis stedet for hvert blik og ikke at opgive en tomme af det.
Se maleriet →
Édouard Manet
The Balcony
Manet samler Berthe Morisot, Fanny Claus og Antoine Guillemet på en balkon, adskilt fra beskueren af en grøn balustrade. Scenen blev præsenteret i 1869 og er fascineret af fraværet af handling og afstanden mellem figurerne. Balkonen åbner ud til det ydre, men alle synes låst i deres egen tænkning; smuk arkitektur, mere usikker kommunikation.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Paraplyer
Renoir arbejdede på Les Parapluies over flere år, modificere tøj som mode ændret. Den parisiske folkemængde klemmer sig i en næsten usynlig regn, mellem kvinden i kurven og børnene. Den lodrette format accentuerer stabling af kroppe og tilbehør; ingen bliver våde, men alle forhandler indædt om et par centimeter fortov.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Dans i Bougival
Renoir malede Suzanne Valadon dansende med Paul Lhote i Bougival i 1883. Den røde kjole vender sig mod træerne og boldbordene, mens ansigterne forbliver tæt. Scenen kombinerer portræt, bevægelse og moderne fritid; dans virker spontant, men sammensætningen ved præcis, hvor man skal tage hvert trin.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Landdans
I Dancing in the Country poserer Renoir Aline Charigot med Paul Lhote. Den faldne hat, dugen og de varme farver giver parret en glædelig nærhed. Designet med versionerne af byen og Bougival sammenligner værket flere sociale verdener ved samme gestus; valsen tjener her som et fremragende efterforskningsredskab.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Dans i byen
Dancing in the City viser Paul Lhote og Suzanne Valadon i en koldere elegance end de andre danse fra 1883. Den hvide kjole tegner en lang lodret og reducerer indretningen til et par verdslige tegn. Bevægelsen forbliver indeholdt af etiketten; vi danser bestemt, men med den meget klare bevidsthed, som stuen observerer.
Se maleriet →
El Greco
Treenigheden
El Greco maler Treenigheden til altertavlen af Santo Domingo el Antiguo i Toledo. Gud støtter Kristi legeme under duen, omgivet af engle, hvis farver stiger i et smalt rum. Det lodrette format forvandler nedstigningen af krop i åndelig ophøjelse; smerte og herlighed deler nøjagtig den samme akse.
Se maleriet →
Raphael
The Pearl
Raphael komponerer Perlen omkring Jomfruen, Barnet, Sankt Johannes og Sankt Elizabeth. Tilnavnet kommer fra Filip IV, som betragtede det som perlen i sin samling. Gestus cirkulerer i en pyramideformet arkitektur meget stabil; selv børn, selvom de har travlt med et vigtigt bibelsk møde, respekterer beundringsværdigt geometrien.
Se maleriet →
Leonardo da Vinci
The Virgin of the Rocks
Leonardo maler en hule, hvor Jomfruen, de to børn og englen er forbundet med fagter og udseende. To versioner forbliver, i Louvre og London, med forskelle i attributter og behandling. Den lodrette sammensætning overlejrer figurer, klipper og vand uden at adskille natur og helligt; geologi får næsten lige så meget opmærksomhed som teologi.
Se maleriet →
Caravaggio
Ecce Homo
Caravaggio viser Kristus præsenteret for mængden efter hans piskning, omgivet af figurer, der er grebet i skyggerne. Lyset skærer kroppen ud og koncentrerer volden om gestusene snarere end på en stor indstilling. Formatet bringer det tættere på fange tilskuer; umuligt at fare vild i arkitekturen, når uretfærdigheden allerede er i centrum.
Se maleriet →
Caravaggio
David og Goliat
Caravaggio maler David, der holder Goliaths hoved og giver det halshuggede ansigt sine egne træk. Den unge vinder triumferer ikke: hans udtryk blander medfølelse og træthed. Realiseret i slutningen af malerens liv var billedet ofte læses som en anmodning om tilgivelse; sjældent har et selvportræt valgt et så ærligt ubehageligt sted.
Se maleriet →
Bronzino
Allegori over Venus' triumf
Bronzino samler Venus, Amor, Tid og flere allegoriske figurer i et bevidst tvetydigt rum. Kroppene snor sig lodret, mens masker, frugter og fagter komplicerer enhver simpel moralsk læsning. Tilbydes til Frans I, arbejdet var at blænde så meget som at instruere; flere århundreder senere fortsætter det frem for alt med at bevise, at kærlighed kan kræve en meget detaljeret legende.
Se maleriet →
Gustave Moreau
Orfeus
Moreau maler Orfeus, der samler digterens hoved på sin lyre efter hans mord af Maenaderne. Den unge kvinde, det stenede landskab og det hellige objekt udgør en symbolistisk meditation snarere end en blodig scene. Hovedet fortsætter med at syng efter myten; betydelig narrativ fordel, selvom situationen fortsat er svær at anbefale til en musiker.
Se maleriet →Et autonomt kraftfelt
Den moderne vertikal: farve, rytme og abstraktion
Edward Burne-Jones
Lykkehjulet
Burne-Jones viser figurer drevet af et kæmpe hjul under blik af Fortune. Konge, slave og digter deler den samme bevægelse, en påmindelse om, at skæbnen ikke respekterer titler. Det lodrette format får dem til at gå op og ned krop i ubønhørlig mekanik; Fortune forbliver stille, hvilket altid er enklere, når du holder håndsvinget.
Se maleriet →
William Bouguereau
Venus' fødsel
Bouguereau udstillede Venus' fødsel på Salonen i 1879 i en komposition inspireret af Rafael og Antikken. Gudinden står på en skal omgivet af nymfer, salamander og amoriner. Højden fremhæver dens udseende og alt muligt malerens akademiske virtuositet, som tydeligvis ikke havde planlagt en beskeden velkomstkomité.
Se maleriet →
John william waterhouse
Circe Invidiosa
Waterhouse maler Circe hælde gift i vandet for at omdanne Scylla, hendes rival. Den stående figur optager næsten hele højden, omgivet af blå og grønne, der gør magien så flydende som den er truende. Vasen vipper med det nåde; mytologien minder os ikke desto mindre om, at en elegant gestus ikke nødvendigvis forbedrer ens intentioner.
Se maleriet →
John william waterhouse
Ophélie ved kanten af dammen
Waterhouse vender flere gange tilbage til Ophelia, Shakespeares heltinde forbundet med blomster og vand. Her nærmer hun sig dammen før katastrofen, stadig stående i et lysende landskab. Træernes vertikalitet og kroppen forsinker tilskuerens kendte fald; maleriet giver det et par ekstra minutter, hvilket allerede er mere generøst end værket.
Se maleriet →
John william waterhouse
Sankt Eulalia
Waterhouse udstillede Saint Eulalia i 1885 og valgte eftervirkningerne af martyrdøden frem for dens spektakulære handling. Den unge helgens krop hviler i sneen, under duer og nær en fjern skare. Den lodrette sammensætning følger krop og gaden, hvilket gør volden mere foruroligende uden at skulle tilføje nogen bøddel i forgrunden.
Se maleriet →
John william waterhouse
Psyke åbner den gyldne æske
Psyche åbner den forbudte kasse bragt tilbage fra Helvede og frigiver den søvn, der overvinder hende. Waterhouse vælger nysgerrighedens øjeblik før konsekvensen, i et omhyggeligt konstrueret gammelt interiør. Den skæve figur og kassen dorée organiserer højden; myten bekræfter en gammel regel: mystisk emballage fortjener nogle gange at forblive lukket.
Se maleriet →
John william waterhouse
Lady of Shalott ser på Lancelot
Waterhouse skildrer Lady of Shalott, mens hun ser på Lancelot og udløser den forbandelse, der varsles af Tennysons digt. Figuren står op nær vinduet og væven, ophængt mellem kunst og den virkelige verden. DEN lodret format forstærker dette udseende; et par sekunders blik er nok til at vende et bemærkelsesværdigt velorganiseret liv på hovedet.
Se maleriet →
Giovanni Battista Tiepolo
Den ubesmittede undfangelse
Tiepolo malede den ubesmittede undfangelse for kirken Aranjuez omkring 1767 -1769. Jomfruen rejser sig over halvmånen, slangen og englene i en opadgående bevægelse. Det lange alterformat forvandler doktrin til skue lysende; slangen, placeret helt i bunden, opnår den mindst misundelsesværdige, men klareste rolle i kompositionen.
Se maleriet →
Eugene Delacroix
Scener fra Scio massakrerne
I 1824 udstillede Delacroix de græske familier i Chios, der ventede på død eller slaveri efter den osmanniske massakre. Grupperne klatrer ind i lærredet, mens landskabet afslører volden i det fjerne. Arbejdet chokerer med fraværet af sejrrig helt; det lodrette format akkumulerer kroppe uden at tilbyde dem det behagelige resultat af en patriotisk konklusion.
Se maleriet →
Francisco de Goya
Judith og Holofernes
Goya maler Judith hæve sit sværd foran Holofernes i en af de sorte malerier i hendes hus. Den bibelske historie er reduceret til to figurer, et hårdt lys og en næsten stedløs baggrund. Judith fejres ikke med heroisk indretning; handlingen fokuserer i højden, mellem det beslutsomme ansigt og offeret, der allerede er kastet i skyggerne.
Se maleriet →
Correggio
Hyrdernes tilbedelse, kendt som Natten
Correggio maler Hyrdernes Tilbedelse omkring et lys, som synes at udgå fra Barnet. Figurerne læner sig, træder tilbage eller beskytter deres øjne, mens englene åbner den øverste del. Maleriet, med tilnavnet Natten, forvandler en fødsel til en lysende oplevelse; guddommelig belysning nyder godt af en iscenesættelse, som intet stearinlys kunne have forhandlet alene.
Se maleriet →
Georges de La Tour
Madeleinen med den rygende flamme
Georges de La Tour viser Madeleine meditere foran en flamme, hvis røg knap stiger. Kraniet, spejlet og lampen minder om tidens skrøbelighed, men stilhed dominerer hvert symbol. Højden følger ansigtet, hænderne og den lys; scenen kræver ingen bevægelse, kun tålmodigheden til at se et stearinlys udføre et betydeligt filosofisk arbejde.
Se maleriet →
Henri Matisse
Vinduet åbent, Collioure
Malet i Collioure i løbet af sommeren 1905, er dette lille vindue et af fauvismens grundlæggende værker. Havnen er reduceret til master og blændende berøringer, mens rammen forbinder rummet med det udvendige lys. Matisse kopier ikke stedets farver: han øger dem, indtil han bringer Middelhavet ind uden at spørge om lov.
Se maleriet →
Alexej von Jawlensky
Mystisk kvindehoved på rød baggrund
Jawlensky forenkler gradvist ansigtet, indtil det bliver et moderne ikon. Dette mystiske hoved er konstrueret af et par mørke linjer og røde felter, som erstatter den traditionelle modellering. Det lodrette format forstærker frontalitet; social identitet forsvinder til fordel for en meditativ tilstedeværelse, som om portrættet havde lukket døren for snak.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Sammensætning nr. VI (Blå facade)
Mondrian maler denne blå facade på et stadie, hvor arkitekturen bliver et netværk af linjer, vinduer og farverige planer. Bygningen forbliver mærkbar, men mister gradvist sin dybde. Facadens reelle vertikalitet giver maler en næsten abstrakt struktur; byen gør derfor en del af arbejdet, før Mondrian fjerner de sidste detaljer.
Se maleriet →
Jackson Pollock
Flimrende stof
Pollock malede Shimmering Substance i 1946, før de store dryp, med en tæt overflade af gule, hvide og brune berøringer. Skiltene overlapper uden et klart identificerbart centralt mønster. Det lodrette format samler dette materie som en lysende væg; stoffet funkler, men nægter konsekvent at angive, hvad det skal forestille.
Se maleriet →
Jackson Pollock
Påske og Totem
Påsken og Totemet, malet i 1953, hører til sene værker, hvor Pollock genindfører næsten figurative former. Et lodret totem skiller sig ud blandt linjer, farver og sorte tegn. Titlen kombinerer kristen og imaginær ritual antropologisk på en meget personlig måde; lærredet ligner mindre en forklaring end en ceremoni, hvis program ville være blevet bevidst malplaceret.
Se maleriet →
Jackson Pollock
Full Fathom Five
Full Fathom Five var en af de første store dryp udstillet af Pollock i 1947. Under drypene er søm, dele, knapper og andre små genstande fanget i materialet. Titlen lånt fra Shakespeare fremkalder dybde marine; den lodrette overflade ligner en bund hævet med alt, hvad han havde nægtet at vende tilbage.
Se maleriet →
Edvard Munch
Selvportræt. Mellem uret og sengen
Munch malede sig selv mellem et ur uden hænder og en seng i de sidste år af sit liv. Den stående krop fremstår tynd i ansigtet på de to genstande, som symbolsk måler tid og dens afslutning. Værkstedet er fyldt med malerier, men den lodret format strammer balancen omkring mennesket; selv uret valgte ikke at fortælle tiden.
Se maleriet →
Paul Gauguin
Den hvide hest
Gauguin malede en hvid hest, der gik ned mod en Tahiti-flod i 1898. Farverne og formerne forvandler det observerede landskab, mens rytterne i baggrunden forlænger bevægelsen. Hesten krydser højden som en udseende, men værket hører også til den koloniale fantasi bygget af Gauguin omkring øen og dens indbyggere.
Se maleriet →Overlap dybden
Vinduer, haver, gader og landskaber opført
Odilon Redon
Apollo Tanken
Redon gør Apollos vogn til en hvirvelvind af heste og lys frem for en klog arkæologisk illustration. Solguden stiger op i et rum, hvor farven synes fri for vægt. Det lodrette format giver opstigningen sit fulde potentiale fart; heste udretter det umulige med en energi, som almindelig transport ikke kunne have garanteret.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Akhtyrka, rød kirke
Kandinsky malede den røde kirke Akhtyrka i de år, hvor landskabet i Murnau skiftede mod abstraktion. Klokketårnet, træerne og vejen er forenklet til stærkt kontrasterende farvede masser. Bygningens vertikalitet fungerer som pivot; landsbyen forbliver genkendelig, men farven begynder allerede at hævde sin administrative uafhængighed.
Se maleriet →
Edgar Degas
Danseklassen
Degas viser en dansetime frem for en triumf på scenen. Eleverne venter, øver eller justerer deres outfit omkring mesteren Jules Perrot, mens spejlet forlænger rummet. Maleriet bygger ynde fra arbejdet og kedsomhed; før hver berømt arabesk, var der meget tid brugt på at lytte til rettelserne.
Se maleriet →
Edgar Degas
På en café, sagde L'Absinthe
Degas maler en kvinde og en mand, der sidder på en parisisk café, isoleret på trods af deres nærhed. Absinten, off-center indramning og tomme borde giver scenen en næsten fotografisk afstand. Den kvindelige model var skuespillerinden Ellen Andrée; maleriet blev beskyldt for moralsk forfald, som om en stillestående drik kunne opsummere en hel by.
Se maleriet →
Edgar Degas
Stjernen /Danseren på scenen
Degas placerer hoveddanseren under scenelyset, set fra en høj boks. Buketten, tutuen og den lodrette bevægelse står i kontrast til de andre kunstneres afskårne silhuetter. Stjernen optræder alene i midten af succes, men en mand i sort venter bag kulisserne; den offentlige nåde bevarer således en meget konkret social skygge.
Se maleriet →
Johannes Vermeer
Kunsten at male
Vermeer maler en kunstner bagfra foran sin model klædt som Clio, muse of History. Kortet over Holland, lysekronen og gardinet forvandler værkstedet til en refleksion over maleri og hukommelse. Bevares af maleren indtil hans dødt bekræfter værket lydløst professionens ambition; modellen poserer, men historien overvåger allerede resultatet.
Se maleriet →
Johannes Vermeer
Koncerten
Koncerten viser tre musikere i et roligt interiør, nær malerier, der tilføjer andre historier til scenen. Stjålet fra Isabella Stewart Gardner Museum i 1990, forbliver værket usporligt. Dette fravær forstærkede hans berømmelse uden forbedre dens tilgængelighed; den malede musik fortsætter derfor i et rum, som ingen ved, hvordan man lokaliserer.
Se maleriet →
Johannes Vermeer
Pigen med Vinglasset
Vermeer placerer en ung kvinde, der holder et glas i nærheden af en mand og et halvt åbent vindue. Glasmosaikvinduet, dugen og ansigterne antyder en scene af forførelse, hvis udfald forbliver uafklaret. Det lodrette format bringer karaktererne sammen, men løser intet; vin cirkulerer lettere end intentioner.
Se maleriet →
Claude Monet
Kvinder i haven
Monet malede fire kvinder udendørs i haven i Ville-d'Avray i 1866 -1867, ved at bruge Camille som model for flere figurer. Det monumentale lærred sænkes ned i en rende for at give ham mulighed for at arbejde i højden. DEN lodret format forvandler haven til en scene i naturlig størrelse; impressionisme her kræver lige så meget jordarbejde som lys.
Se maleriet →
Claude Monet
Rue Montorgueil, i Paris. Festival af 30. juni 1878
Monet malede rue Montorgueil dekoreret med flag den 30. juni 1878, dagen for en national helligdag arrangeret under Verdensudstillingen. Set fra en balkon bliver strømmen af flag en vibration af rød, blå og hvid over mængden. Der hauteur fordyber beskueren i byen uden at fortælle en officiel tale; Paris forvandles til en kollektiv bevægelse.
Se maleriet →
Claude Monet
Kvinde med paraply vendt mod højre
Monet malede Suzanne Hoschedé i 1886 på Givernys enge, set fra en lav vinkel under en paraply. Vinden vipper græsset og sløret, mens himlen optager næsten hele lærredet. Portrættet falmer før fornemmelsen af en lyst øjeblik, fanget hurtigt nok til, at skyerne ikke havde tid til at ændre mening.
Se maleriet →
Claude Monet
Kvinde med paraply drejet til venstre
Denne anden Kvinde med en Paraply drejer modellen til venstre og genkomponerer helt vinden, skyerne og lyset. Monet designer de to malerier som variationer frem for psykologiske portrætter. Formatet lodret giver himlen en monumental plads; en simpel orientering er nok til at vise, at vejret aldrig ligefrem gentager sin positur.
Se maleriet →
Claude Monet
Camille Monet (1847-1879) i Argentieu-haven
Monet repræsenterer Camille i Argenteuil haven, blandt blomster og filtreret lys. Den lodrette figur integrerer i haven uden at miste sin familie tilstedeværelse. Malet før Camilles tidlige død i 1879, værket bærer i dag en retrospektiv intimitet, som lys farve sandsynligvis endnu ikke søgte at annoncere.
Se maleriet →
Caspar david friedrich
Kridtklinter på øen Rügen
Friedrich malede et par omkring 1818 og overvejede Rügens kridtklipper gennem buede træer. Det centrale tomrum åbner sig ud mod havet, mens figurerne klamrer sig, knæler eller ser ud. Det sublime landskab er ikke et simpelt panorama; selv de naturlige omgivelser synes at minde besøgende om, at et sidetrin ville være en meget dårlig idé.
Se maleriet →
Caspar david friedrich
Kvinde ved et vindue
Friedrich viser en kvinde bagfra, der ser på masterne på Elben fra hendes Dresden studie. Fælgen, skodderne og kjolen organiserer en stille ventetid mellem indre og ydre verden. Det lodrette format følger figuren og den vindue; der sker meget lidt, men hele billedet er baseret på ønsket om at se videre.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Kirken Auvers-sur-Oise, set fra apsis
Van Gogh malede kirken Auvers i juni 1890, et par uger før hans død. De buede linjer bølger bygningen over divergerende stier, under en intens blå himmel. Den monumentale kirke fremstår hverken stabil eller beskyttende; to små veje passerer rundt om den, som om landskabet var tøvende med hensyn til, hvilken retning man skulle tage.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Nocturne i blåt og guld - den gamle bro i Battersea
Whistler maler den gamle Battersea Bridge som en mørk silhuet foran blå og guld lys og refleksioner. Inspireret af japanske print, han favoriserer farverige accord over topografisk beskrivelse. Broen krydser højden med en næsten abstrakt enkelhed; London bliver en natlig musik, hvor detaljer har fået lov til at vende tilbage tidligt.
Se maleriet →
Alfred Sisley
Kirken Moret efter regnen
Sisley vender ofte tilbage til kirken Moret-sur-Loing og observerer, hvordan dens facade ændrer sig i regn, sol eller frost. Efter regnskyllet reflekterer den fugtige sten koldt lys, mens gaden styrer øjet. Vertikaliteten af klokketårn stabiliserer den bevægende atmosfære; arkitekturen udgør en lang, mærkbar fordel i forhold til impressionistiske skyer.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Maria i La Granja
Sorolla maler Maria i La Granjas haver, blandt træerne, stierne og refleksionerne. Familieportrættet deler sit emne med stedets lys, som fragmenterer kjole og løv. Den unge kvinde opretholder en klar tilstedeværelse uden at være isoleret fra haven; hjemme hos Sorolla lærer familien selv at posere med solen.
Se maleriet →
John william waterhouse
Appelsinplukkerne
Waterhouse placerer appelsinplukkere i en idealiseret middelhavshave. De høstbevægelser, kjoler og frugter, der er fordelt i løvet, giver en narrativ struktur til farven. Scenen tilhører victoriansk smag for en drøm Italien: landbrugsarbejde, bestemt, men med en kostumeservice og et lys med komfortable midler.
Se maleriet →Anatomi af et format
Fem måder at bebo vertikalen på
Det lodrette format kan understøtte en meget stabil centralakse, men de stærkeste kompositioner undgår monotoni. En arm, en arkitektonisk diagonal, et gardin eller en forsvindingslinje afbryder stigningen. Mellemrum laterale spiller også en afgørende rolle: De isolerer silhuetten, giver luft til mønsteret eller gør trykket af rammen følt.
Andelen ændrer også effekten. En moderat lodret forbliver tæt på vinduet og er velegnet til Vermeer interiør. Et meget slankt format bringer figuren tættere på kolonnen, som med Waterhouse eller Klimt. Mellem de to, landskabsmalere og moderne kunstnere udnytter flyenes superposition: jord, motiv, horisont og himmel bliver til fire slag af samme læsning.
En figur eller arkitektur giver billedet dets stabilitet og gør det muligt at måle højden med det samme.
Det afskærer det opadgående momentum, skaber bevægelse og forhindrer sammensætningen i at blive symmetrisk eller fast.
Forgrund, center og øvre del organiserer en narrativ, rumlig eller lysende progression.
Stilheden omkring mønsteret forstærker dets tilstedeværelse og giver rammen et mærkbart tryk.
Berøring, farve og tegn fører øjet opad, selv når ingen figur strukturerer billedet.
Portræt, krop, arkitektur, himmel
Når kompositionen står op
Hvert maleri blev valgt, fordi dets høje format virkelig bidrager til dets effekt: det udvider en silhuet, organiserer en opstigning eller strammer scenen omkring et ansigt. Berømmelse og historisk betydning adskiller derefter de forreste rækker.
0 kommentarer