18. - 20. århundrede · oliemalerier
De 100 malerier i pastelfarver
Hundrede malerier, hvor pudderpink, lyseblå, farvede hvide og lysende lillaer fortæller historien om intimitet, udendørslivet og moderne opfindelse.
Et lys før det er en stil
En mildhed, der forstår at bygge
En pastelpalet betyder ikke et genert maleri. I Morisot, Cassatt og Renoir bringer roser, blå og hvide figurerne sammen uden at omslutte dem. I Monet, Sisley, Sorolla eller Turner gør de luften, sneen, tågen og refleksionerne mere mobile end nogen kontur.
Denne historie begynder længe før ordet "pastel" betød klog dekoration. Fragonard og Bouchers rokoko bruger allerede lette akkorder til at fremvise begær, kultur og magt. I det 19. århundrede skubbede Ingres til satin blå til det punkt, hvor det var uvirkeligt, så bragte impressionisterne disse farver ind i det moderne liv, fra togstationer til strande.
Kromatisk blødhed eliminerer ikke kontrast: den flytter den mod fine forskelle i temperatur, lys og materiale.
Den forbinder hudtoner, stoffer og lys, mens den undgår mætning af en fed rød.
Blandet med hvid eller grå, bevæger den sig væk fra fly og giver luft til himlen, vandet eller skyggerne.
Halvvejs mellem blå og gul blødgør den vegetationen og opfrisker hudtonerne.
Den farver sne, skygger og hvide uden at tynge dem ned med en neutral grå.
100 malerier, hvor blødhed bliver struktur
Redaktionel rangeringBilleder, der er blevet universelle
Pastelpalet ikoner
Berthe Morisot
The Cradle
Berthe Morisot malede sin søster Edma, der vågede over sin datter Blanche i 1872. Vuggens slør forlænger vinduesgardinet og tegner en skrøbelig beskyttende indhegning omkring barnet. Præsenteret på den første impressionistiske udstilling fra 1874 gjorde værket et familieinteriør til et moderne emne, med observeret ømhed frem for moderskab omdannet til et lykønskningskort.
Se maleriet →
Claude Monet
Magpie
Monet malede La Pie i Étretat i løbet af vinteren 1868-1869. Salonen fra 1869 nægtede lærredet, hvis blå og lilla skygger modsagde den akademiske idé om simpelthen hvid sne. Placeret på en barriere giver magpien skala og rytmen i dette tavse landskab: en lille fugl er nok til at annoncere impressionistisk forskning et par år før deres officielle dåb.
Se maleriet →
Mary Cassatt
Barnets Bad
Cassatt observerer en daglig gestus: en kvinde holder barnet fast, mens hun vasker hans fødder. Den dykkende indramning, tæppemønstre og forenklede konturer skylder meget til de japanske print, hun beundrede. Malet i 1893 forvandler Le Bain de l'enfant en hjemlig scene til en monumental komposition uden at få behandlingen til at miste sin konkrete blødhed.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Mandeltræ i blomst
Van Gogh malede dette mandeltræ i Saint-Rémy for at fejre fødslen af sin nevø Vincent Willem. Grenene set meget tæt skiller sig ud mod en turkis himmel, ifølge en indramning inspireret af japanske print. Tilbydes til Theo og Jo, den canvas forbinder forårets første blomstrende træ med et løfte om at starte igen, der blev så meget desto mere bevægende et par måneder før malerens død.
Se maleriet →
Claude Monet
Print, opgående sol
Monet malede havnen i Le Havre i 1872 og præsenterede derefter maleriet for Nadar under udstillingen i 1874. Kritikeren Louis Leroy latterliggjorde sin titel og opfandt trods sig selv ordet "impressionist". Mellem blå tåge, orange sol og boat Silhouettes, Impression, Rising Sun beviser, at en meget lille udsigt kan udløse en betydeligt større kunsthistorie.
Se maleriet →
John Singer Sargent
Nellike, Lilje, Lilje, Rose
Sargent maler to små piger, der tænder lanterner i en engelsk have, kun i de få minutter, hvor tusmørkelyset når den ønskede balance. Han tager lærredet igen aften efter aften i to somre og bevæger sig endda blomster i potter. Denne tålmodighed giver hvide, lilla og roser en lysstyrke, der virker spontan, hvilket er en lille sejr for organisationen over vejret.
Se maleriet →
Mary Cassatt
Lille Pige i en blå lænestol
Cassatt viser et barn, der er faldet sammen i en stor blå lænestol, langt fra de høflige stillinger, der forventes i et borgerligt portræt. Sæderne skåret af rammen og den lille sovende hund giver rummet en skrå rytme. Afvist af juryen amerikansk af verdensudstillingen i 1878, lærredet fremstår i dag lækkert udisciplineret i moderniteten.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Pink og blå
Renoir maler Alice og Élisabeth Cahen fra Antwerpen i to chiffonkjoler, den ene lyserød og den anden blå. Dette dobbeltportræt fra 1881 er bestilt af deres far, bankmanden Louis Cahen fra Antwerpen, og kontrasterer farver, mens det forener søstrene ved installation og lys. Stoffernes lethed skjuler en meget nøje tilpasset sammensætning.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Hestebadet
På El Cabañal stranden guider en dreng en hvid hest i vandet efter fiskernes arbejde. Sorolla malede Hestebadet i 1909 med et lys, der næsten opløser grænsen mellem hud, våd kjole og refleksion. Scenen dagligdagen får en monumental skala, mens hesten krydser Middelhavet med den professionelle ro fra en, der allerede kender programmet.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Unge piger ved klaveret
Unge Piger ved Klaveret blev født fra en offentlig kommission i 1892 beregnet til Luxembourg Museum, et tegn på, at Renoir derefter blev fuldt anerkendt. To unge kvinder læner sig over et partitur, bragt sammen af kurverne af kjoler, hår og møbler. Renoir malede flere versioner, før han valgte den statslige; selv stille scener kan derfor opleve en generalprøve.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Den lyserøde badekåbe
Den lyserøde badekåbe hører til de store strandscener malet af Sorolla i Valencia i 1916. To kvinder skifter under et badehus; det lyserøde stof filtrerer lyset og forvandler en almindelig gestus til farverig arkitektur. Havet optræder nederst i små åbninger, som om maleren havde installeret et midlertidigt værksted direkte i brisen.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
De to søstre, på terrassen
På terrassen på Maison Fournaise i Chatou placerer Renoir to modeller foran Seinen og en kurv med kugler af uld. Trods titlen var de sandsynligvis ikke søstre. Den røde af hatten, den blå af tøjet og blomsterne blødgør landskabet uden at slette det; scenen bevarer animationen af en eftermiddag i vandkanten.
Se maleriet →
Jean-Honoré Fragonard
Escarpolettes glade chancer
En ung mand skjult i roser ser sin elskerinde skynde sig ind på en gynge skubbet af en selvtilfreds ægtemand eller præst. Fragonard forvandler denne libertinske orden til en hvirvelvind af løv, lyserød satin og lys. Skoen, der flyver væk, og Amoren, der beder om stilhed, opsummerer rokokoånden med relativ diskretion.
Se maleriet →
Alexandre Cabanel
Venus' fødsel
Alexandre Cabanel udstillede Venus' fødsel på Salonen i 1863, hvor Napoleon III straks købte den. Liggende på havet i stedet for at stå på en skal tilbyder gudinden officielt at smage en glat nøgenhed begrundet i antikken. Perlekød, turkisblåt vand og amoriner gør maleriet til et emblem på akademisme, der snart bliver angrebet af avantgarderne.
Se maleriet →
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Prinsesse de Broglie
Pauline de Broglie poserer i en blå satinkjole, hvor Ingres følger hver refleksion med næsten uvirkelig præcision. Smykkerne, blonderne og den gyldne lænestol hævder sin rang, men det reserverede blik introducerer en afstand melankolsk. Færdiggjort i 1853 blev portrættet et af toppene af malerens verdslige elegance.
Se maleriet →
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Madame Moitessier
Ingres arbejdede i tolv år på portrættet af Marie-Clotilde-Inès Moitessier og opgav undervejs tanken om at inkludere sin datter. Håndens gestus mod templet stammer fra et gammelt maleri af Herculaneum, mens spejlet gentager det profil. Blomsterkjolen, den lyserøde damask og smykkerne skaber omhyggelig luksus omkring et ansigt, der forbliver overraskende roligt.
Se maleriet →
François Boucher
Markisen de Pompadour
Boucher repræsenterer Jeanne-Antoinette de Pompadour omgivet af bøger, partiturer og raffinerede genstande, ikke som en simpel favorit men som en kvinde med kultur og magt. Den havgrønne kjole udfolder sig blandt roser og blues af indretningen.Malet i 1756, portrættet forvandlet rokoko smag til en sand politisk program af elegance.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Symfoni i hvid nr. 1: Pigen i hvidt
Jo Hiffernan poserer i en hvid kjole foran et hvidt gardin, men Whistler multiplicerer forskellene i materiale mellem muslin, pels, tæppe og baggrund. Afvist af Royal Academy derefter af Salonen, blev værket vist på Salon des Refusés 1863. Hans musiktitel understreger tonernes overensstemmelse snarere end en historie, som offentligheden stædigt søgte at påtvinge ham.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Symfoni i hvid nr. 2: Den lille hvide pige
Jo Hiffernan står foran en pejs, hans ansigt reflekteret i spejlet og en japansk fan i hånden. Whistler kontrasterer den hvide kjole med lyserøde blomster, lyst træ og orientalske accenter uden at fortælle om en bestemt scene. Udsat i 1865 inspirerede lærredet vers i Swinburne, som derefter blev trykt på dets ramme, et smukt tilfælde af maleri, der havde modtaget sin legende bagefter.
Se maleriet →
Berthe Morisot
Sommerdag
I Sommerdag, malet i 1879, to kvinder sidder i en båd på søen Bois de Boulogne. Morisot skærer bådene og tilstødende silhuetter som en bevægende blik ville, så forlader strejf af blå, hvid og grøn blander sig med vandoverfladen. Den sociale vandring bliver en oplevelse af nærhed og bevægelse.
Se maleriet →Figurer og intime rum
Pulverroser, let kød og interiør
JMW Turner
The Fighting Temeraire trak til sin sidste kaj for at blive brudt op, 1838
Turner viser i 1839 det gamle krigsskib Temeraire bugseret til værftet, hvor det vil blive demonteret. Den blege båd, helten fra Trafalgar, glider bag en mørk slæbebåd under en næsten uvirkelig solnedgang. Mellem hukommelsen national og industriel revolution gør maleriet et teknisk farvel til en elegi; selv berømte skibe møder til sidst logistik.
Se maleriet →
Henri de Toulouse-Lautrec
Sengen
Toulouse-Lautrec malede omkring 1892 to kvinder, der sov i en uredt seng, sandsynligvis mødt på de bordeller, han frekventerede som observatør og ven. Den stramme indramning, de lyserøde lagner og de nære ansigter undgår alt fremstillet show. Sengen viser en rolig og daglig intimitet, meget langt fra det moraliserende blik, som motivet ofte tiltrak.
Se maleriet →
Georges Seurat
Cirkus
Seurat udstillede Le Cirque på Salon des Indépendants i 1891 få dage før sin død, hvilket efterlod visse områder ufærdige. Den gule bane, rytteren, klovnen og tribunerne adlyder beregnede kurver, som accelererer showet. Maleren anvender sin optiske teori til populær underholdning og afslører bag de lyse farver festens næsten mekaniske disciplin.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Gåtur ved havet
Sorolla malede sin kone Clotilde og deres datter Maria gående på Valencia stranden i 1909. Vinden svulmer sejlene, de hvide kjoler og parasollerne mens havet er reduceret til et par blå skår. Gå ved havet forener familieportræt og monumental udendørs; mode forhandler modigt med en brise, der ikke har underskrevet nogen kontrakt.
Se maleriet →
Henri Matisse
Luksus, ro og vellystighed
Titlen kommer fra Baudelaires Invitation til at rejse. Matisse malede Luksus, Ro og Voluptuousness i 1904 efter et ophold i Saint-Tropez med Signac, stadig ved hjælp af et opdelt touch. Roser, gule og blå kopierer det ikke lys: de bygger et moderne paradis, der varsler fauvismen og dens beslutning om at lade farve lede samtalen.
Se maleriet →
Frédéric Bazille
Den lyserøde kjole
Bazille maler sin fætter Thérèse des Hours bagfra, siddende på Mérics familieterrasse foran landsbyen Castelnau. Den lyserøde og grå kjole indtager skyggen, mens Languedoc-landskabet åbner sig i et klart lys. Fra 1864, denne modsætning mellem en nærliggende figur og det fri bebuder impressionistisk forskning, som Bazilles tidlige død vil give en brutal afslutning på.
Se maleriet →
John william waterhouse
The Lady of Shalott
Waterhouse illustrerer Tennysons digt, da Lady of Shalott forlader sin ø for at slutte sig til Camelot og hendes skæbne. Kæden bliver fri, to stearinlys er allerede slukket, og gobelinet glider ind i båden. De blege toner af ansigt, siv og himmel gør efteråret attraktivt, men hver detalje meddeler, at rejsen bliver relativt lille rundtur.
Se maleriet →
Pierre Puvis de Chavannes
Unge Piger ved havet
Puvis de Chavannes malede tre isolerede unge kvinder i 1879 på en næsten tom kyst. Hver vedtager en anden holdning: søvn, dagdrøm eller vente, uden en eksplicit historie, der bringer dem sammen. Pulveragtige roser, blå grå og rolig linje af havet giver Young Girls by the Sea udseendet af en gammel fresko fundet i en moderne drøm.
Se maleriet →
Claude Monet
Kvinde med paraply vendt mod højre
Monet malede to kvindefigurer i paraplyen på engene i Giverny i 1886, hvor Suzanne Hoschedé blev brugt som model. Her vipper vinden græsset og sløret, mens himlen optager næsten hele lærredet. Portrættet forsvinder ved fornemmelsen af et lyst øjeblik, fanget hurtigt nok til, at skyerne ikke har tid til at ændre mening.
Se maleriet →
Alfred Sisley
Oversvømmelsen i Port Marly
Sisley malede Seinens oversvømmelse ved Port-Marly i 1876, da vand invaderede hovedgaden og tvang beboerne til at rejse med båd. De stabile facader reflekteres i en bevægelig overflade under en mælkeagtig himmel. Oversvømmelsen kl Port-Marly forvandler ikke katastrofen til melodrama: Den måler netop den måde, hvorpå et velkendt landskab pludselig bliver sejlbart.
Se maleriet →
Pablo Picasso
Portræt af Olga i en lænestol
Picasso giftede sig med danseren Olga Khokhlova i 1918 og malede hende kort efter i en lænestol, i begyndelsen af hendes neoklassiske periode. Det præcise design af ansigt og hænder står i kontrast til den ufærdige baggrund og den blødt farvede kjole. Dette elegant tilbageholdenhed markerer en afvigelse fra kubismen, men lænestolen selv bevarer nok vinkler til ikke helt at glemme familien.
Se arbejdet på museet →
Edgar Degas
Danseklassen
Degas malede denne klasse omkring 1873-1876 i det tidligere øvelokale i Operaen på rue Le Peletier. Balletmester Jules Perrot leder elever, der strækker, venter eller retter deres outfits. Danseklassen viser mindre showet end dets forberedelse: disciplin, træthed og ambitioner vises under tutus og bånds ømme hvide, lyserøde og grønne farver.
Se maleriet →
William Bouguereau
Venus' fødsel
Bouguereau udstillede Venus' fødsel på Salonen i 1879 og indsatte en komposition inspireret af Raphael og gammel tradition. Gudinden står på en skal omgivet af nymfer, salamander og amoriner. Perlekød og milky blues viser al malerens akademiske virtuositet, som tydeligvis ikke havde planlagt en beskeden velkomstkomité.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Dans i byen
Renoir præsenterede Danse à la ville i 1883 med Danse à la campagne, to paneler designet som sociale variationer. Suzanne Valadon poserer med Paul Lhôte i et verdsligt interiør, hvid kjole og perfekt holdte handsker. Dansen synes kontrolleret, næsten lydløs, det modsatte af landet version; parret kender klart trin og regler i stuen.
Se maleriet →
Berthe Morisot
Ung kvinde i balkjole
Morisot malede omkring 1879 en ung kvinde, der var optaget af forberedelserne til en aften, indhyllet i hvide, roser og blomster. Den hurtige berøring opløser tøjet i luften uden at få ansigtet til at forsvinde. Ung kvinde i bals brudgom mindre interesseret i festens skuespil end i det øjeblik, hvor modellen bliver et billede, lige før man træder ind i andres øjne.
Se maleriet →
Claude Monet
Regattaer i Argenteuil
I Argenteuil malede Monet bassinets sejlbåde i 1872 hvor pariserne kom for at tilbringe deres fritid. Skrogene og husene gentages i vandet i brudte berøringer, mens den klare himmel lysner hele scenen. Regattaer kl Argenteuil hører til det øjeblik, hvor de moderne forstæder, jernbanen og søndagen bliver emner, der er helt værdige til et stort maleri.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Symfoni i gråt og grønt: havet
Whistler malede denne flåde ved Valparaiso i 1866, under den spansk-sydamerikanske konflikt, men eliminerede næsten enhver militær anekdote. Havet, fjerne både og himlen bliver en aftale af grå, grøn og blå. Titlen musical siger, at forholdet mellem toner betyder lige så meget som placering, gode nyheder for havet, endelig befriet fra forpligtelsen til at fortælle en kamp.
Se maleriet →
John william waterhouse
Dagdrømme
Waterhouse viser en ung kvinde, der afbryder sin læsning nær et åbent vindue. Blomsterne, det lette tøj og middelhavslandskabet giver Daytime Dreams atmosfæren af suspenderet tid. I stedet for at illustrere en episode dramatisk observerer den prærafaelitiske maler det øjeblik, hvor sindet forlader siden; bogen forbliver åben, men den har tydeligvis tabt konkurrencen.
Se maleriet →
Edvard Munch
Kvinde i blå kjole
Munch placerer en kvinde klædt i blåt i et rum, hvor indretningen og kroppen synes at dele den samme stemning. Kjolen absorberer lys og sender den derefter tilbage mod ansigtet, mens konturerne forbliver smidige. Dette portræt viser, hvordan norsk maler kunne gengive en psykologisk tilstedeværelse med en rolig palet, uden straks at tilkalde råbet, broen og al deres følelsesmæssige sikkerhedstjeneste.
Se maleriet →
Henri de Toulouse-Lautrec
Portræt af hr. Paul Sescau (Portræt af hr. Paul Sescau)
Paul Sescau var fotograf og ven af Toulouse-Lautrec, som også designede en berømt plakat for ham. I dette portræt fremkalder den mørke silhuet, det blege ansigt og de lave toner den kunstige belysning af Montmartre caféer. DE model behandles ikke som en højtidelig bemærkelsesværdig: han tilhører det levende netværk af kunstnere, trykkere og fotografer, der former billedet af fin de siècle Paris.
Se maleriet →Luft, sne og afstand
Bleg blues, lilla og farvede grå
Joaquin Sorolla
Instant
I Instantané vedtager Sorolla en brat indramning inspireret af fotografering og repræsenterer Clotilde, der holder et lille Kodak-kamera på stranden i Biarritz. Lærredet blev malet i 1906 og gør det til at se på sit sande emne. DE hvide, lilla og marine blues installerer et bevægeligt lys; maleren observerer her en fotograf, der meget rimeligt vender tilbage.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Før badet
Før badet fanger det øjeblik, hvor kroppe, stoffer og sand stadig venter på kontakt med vand. Sorolla fordeler de hvide og roser i et kystlys, som sletter konturerne uden at miste gestus. Scenen søger ikke ikke en fantastisk historie: det får dig til at mærke varmen, forberedelsen og det sekund af ro, før stranden igen bliver støjende.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
At komme ud af badet
Sorolla maler udgangen fra badet som en overgang mellem havets glans og stoffernes læ. En kvinde hjælper en anden figur til at dække sig selv, en praktisk gestus, som lyset forvandler til en ballet af hvide og roser. Våde stoffer behold virkelighedens vægt; scenens elegance kommer mindre fra posituren end fra den præcision, hvormed maleren følger hver refleksion.
Se maleriet →
John william waterhouse
Dame på en balkon, Capri
I Capri installerer Waterhouse en kvinde på en balkon badet i lys, mellem lyse vægge, hav og vegetation. Det italienske ophold nærer i ham en smag for middelhavsarkitektur, som går forud for hans store litterære scener. Der blød palet gør altanen til en tærskel mellem interiør og landskab; modellen er mindre tøvende med at gå ud end at efterlade et meget godt lys.
Se maleriet →
John william waterhouse
Sankt Eulalia
Waterhouse udstillede Saint Eulalia i 1885 og valgte at vise den unge martyr efter hendes tortur, liggende på Mérida forum. Ifølge legenden dækker mirakuløs sne hans nøgenhed. Maleren kontrasterer bleg kød og hvidt sengetøj og arkitekturens lyserøde toner, der giver scenen en kold skønhed, der gør dens vold endnu mere foruroligende.
Se maleriet →
John william waterhouse
Flora
Waterhouse maler Flora som en forårsfigur omgivet af blomster, løv og lette stoffer. Den romerske gudinde er ikke engageret i spektakulær handling: hendes tilstedeværelse er nok til at organisere sæsonen omkring hende. Roserne og de fortyndede greens minder os om, hvor meget maleren vidste, hvordan man gør et mytologisk emne til en næsten taktil scene, parfume ikke inkluderet, men stærkt foreslået.
Se maleriet →
John william waterhouse
Miranda, første version
Miranda kommer fra Shakespeares The Tempest. I denne første version viser Waterhouse hende vendt mod havet, og observerer skibet, der er brudt af Prosperos magi. Den blege himmel og de ophidsede stoffer etablerer ventetiden før dramaet, mens lad figuren forblive lillebitte foran elementerne. Værket annoncerer malerens varige interesse for heltinder placeret på kanten af en upraktisk skæbne.
Se maleriet →
John william waterhouse
Den hvide fjerklædte vifte
En ung kvinde holder en bred vifte af hvide fjer i et interiør i creme, lyserøde og brune toner. Waterhouse bruger tilbehøret til at formere teksturer og indramme ansigtet uden at tynge stillingen. Den fjerklædte fan blanches hører til hans æstetiske portrætter, hvor samtidens mode får en nærmest mytologisk tyngdekraft uden behov for et orakel i det næste rum.
Se maleriet →
John william waterhouse
I hvile
I hvile suspenderer al fortælling omkring en siddende figur, absorberet i en stille pause. Waterhouse blødgør konturerne og lader tonerne af hud, stof og væg reagere på hinanden. Denne økonomi afslører en mindre teatralsk side fra hendes arbejde: modellen spiller ikke hverken en tryllekunstner eller en dømt heltinde, en væsentlig fordel for en person, der blot ønskede at sætte sig ned.
Se maleriet →
John william waterhouse
I Capri
Waterhouse maler figurer og arkitektur observeret under hans italienske rejser i Capri. Her forener det klare lys terrasse, tøj og hav uden at opløse volumenerne. I Capri hører til denne middelhavsåre, hvor antikken forbliver i baggrunden, og hvor nutidigt liv er tilstrækkeligt. Indretningen har allerede alt, hvad den har brug for; at tilføje en myte ville næsten have virket uhøfligt.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Min kone og mine børn
Sorolla samler Clotilde og deres tre børn i et familieportræt malet med meget klart lys. Det hvide tøj og de lyserøde strejf samler figurerne uden at fryse dem i en ceremoniel positur. Min kone og min børn viser, at strandmaleren også vidste, hvordan man organiserer en intim gruppe; alle holder deres tilstedeværelse, selv når faderen officielt holder penslen og derfor det sidste ord.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Maria i La Granja
I La Granja maler Sorolla sin datter Maria i de kongelige haver, omgivet af et køligere lys end de valencianske strande. Den lyse farve skiller sig ud mod parkens grønne og lillaer. Portrættet kombinerer gang og sundhed familieopdagelse og observation; den unge kvinde er ikke et tilbehør til landskabet, men det punkt, hvor luften får sin farve.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Joaquin Sorolla Garcia i hvid
Sorolla repræsenterer sin søn Joaquin klædt i hvidt, med en ædruelighed, der lader lyset forme kroppen. Det lette kostume og den let belastede baggrund undgår den officielle positur og giver portrætfamilien nærhed. Det gør maleren ikke forsøg ikke at gøre barnet til lidt bemærkelsesværdigt; hvid bevarer modellens spontanitet, mens den meget bekvemt giver en legeplads for hver refleksion.
Se maleriet →
Henri Matisse
Renée, Green Harmony
Matisse malede Renée i Nice-årene, hvor stoffer, lænestole og vægge blev lige så aktive som modellen. Det grønne sortiment blødgøres af pink og hvide som forhindrer indretningen i at lukke. Renée, Green Harmony viser et portræt konstrueret af farvede akkorder: personen forbliver til stede, men hele rummet deltager diskret i samtalen.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Harmoni i blåt og sølv: Trouville
Whistler malede Trouville i 1865 og placerede på stranden en silhuet, der ofte identificeres med Gustave Courbet, derefter hans ledsager. Havet, sandet og himlen er reduceret til lange blå og grå bånd. Titlen på Harmony i blå og sølv forvandler landskabet til tonal overensstemmelse; menneskefiguren bruges hovedsageligt til at måle, hvor rolig horisonten kan være.
Se maleriet →
Claude Monet
Gondoler i Venedig
Monet opholdt sig i Venedig i 1908 og malede gondolerne fra Palazzo Barbaro. Derefter omarbejdede han malerierne i sit atelier, inden han udstillede dem i Paris i 1912. Bådene blev til sorte silhuetter på lyserødt vand, blå og lilla; byen er mindre beskrevet end opløst i sin refleksion, hvilket forhindrer den i trafikproblemer.
Se maleriet →
Claude Monet
Parlamentet, solnedgang
Mellem 1899 og 1904 malede Monet Londons parlament fra et vindue på St. Thomas Hospital, stadig på samme tid, men under skiftende atmosfærer. Ved solnedgang forsvinder stenen ind i den lilla tåge og den orange refleksioner. Det politiske monument bliver et mål for luften; Big Ben kan pålægge tiden, men bestemt ikke farven.
Se maleriet →
Caspar david friedrich
Munken ved havet
En lillebitte munk står foran et mørkt hav og en enorm himmel, uden båd, træ eller arkitektur til at berolige øjet. Friedrich forenkler landskabet radikalt og placerer horisonten meget lavt. Udstillet i Berlin i 1810, er lærredet købt af kronprinsen af Preussen og bliver et af de grundlæggende billeder af det romantiske sublime.
Se maleriet →
Caspar david friedrich
Ishavet
Friedrich færdiggjorde Ishavet i 1823-1824 uden at have set Arktis repræsenteret. Det er baseret på studier af den frosne Elben nær Dresden og på beretninger om polarekspeditioner; et skibs agterstavn fremstår næsten nedsænket. Lidt forstået i løbet af hans levetid forvandler værket menneskelig fiasko til isarkitektur og stilhed til en reel katastrofe.
Se maleriet →
Alfred Sisley
Sneeffekt i Louveciennes
Sisley malede Snow Effect i Louveciennes i 1874, i løbet af en af vintrene, da regionen blev hans laboratorium for lys. Stien, huse og træer opløses i blålige hvide under en lav himmel. Sne er ikke en tom: den afspejler hver nuance og tvinger landskabet til at tale blødt, hvilket det gør med bemærkelsesværdig præcision.
Se maleriet →Malingsdiffunderet lys
Haver, strande og mælkeagtige landskaber
Alfred Sisley
Place du Chenil i Marly, sneeffekt
I Marly-le-Roi observerer Sisley en firkant dækket af sne og nogle bittesmå figurer fanget i kulden. Facaderne og gulvet er forbundet af farverige gråtoner, som gør luften næsten håndgribelig. Malet i 1874, La Place du Chenil viser, at impressionismen ikke afhænger af skarpt solskin; en bleg himmel kan holde hele kompositionen perfekt uden at hæve stemmen.
Se maleriet →
Edvard Munch
Kvinde i blåt foran blåt vand
Munch malede en kvinde i blåt i 1931 foran en vandmasse, der næsten fik farven på hendes kjole. Figuren og landskabet synes at tilhøre den samme indre tilstand, kun adskilt af nogle få konturer. Det sene arbejde bevarer malerens psykologiske spænding med en beroliget palet; selv rolig, i Munch, holder en dør på klem for at bekymre sig.
Se maleriet →
JMW Turner
Charbonniers i måneskin
Turner udsatte Les Charbonniers for måneskin i 1835. På Tyne overførte arbejderne kul til skibe under en måne, der forvandlede røg, vand og sejl til sølvmateriale. Industrielt arbejde bliver natligt lysende snarere end et simpelt dokument. Scenen minder os om, at maritim poesi også afhænger af folk, der har travlt med at flytte last, mens offentligheden beundrer refleksionen.
Se maleriet →
Pierre Puvis de Chavannes
Den fattige fisker
Puvis de Chavannes præsenterede Le Pauvre Pêcheur på Salonen i 1881, hvor dens alvorlige enkelhed forvirrede. En mand venter i en båd, mens en kvinde og et barn indtager den bare kyst. Grå roser, kedelige grønne og blege himmel afslå det maleriske. Maleriet fik efterhånden en betydelig indflydelse på Seurat, Gauguin og symbolisterne.
Se maleriet →
Claude Monet
Saint-lazare Station
Monet opnåede autorisation til at arbejde i Saint-Lazare station i 1877 og viede en hel serie til sine glastag, lokomotiver og dampfaner. Her absorberer røgens blå og lyserøde arkitekturen uden at fjerne den togbevægelse. Det moderne landskab er nu interiør, støjende og punktlig kun når jernbaneselskabet tillader det.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Seascape i nærheden af Saintes-Maries-de-la-Mer
Van Gogh tog til Saintes-Maries-de-la-Mer i juni 1888 og malede bådene direkte på stranden. Han observerer Middelhavets farver, noterer bølgernes hurtige bevægelser og forstærker konturerne som i printene japansk. Havlandskab nær Saintes-Maries giver blå, grøn og sand en næsten emaljeret klarhed, meget forskellig fra den nordlige himmel.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Sierra Nevada om vinteren
Sorolla opdagede Sierra Nevada under sine ophold i Granada og malede sneen i tørt lys, langt fra Valencias fugtige virkninger. Bjergenes lillaer og de lyserøde hvide former relieffet uden at tynge det ned. Landskabet vinteren bliver et studie af atmosfære; bjerget forbliver stille, men farven ændrer sig hurtigt nok til at give al den nødvendige bevægelse.
Se maleriet →
Claude Monet
Argenteuil-broen
Monet malede Le Pont d'Argenteuil i 1874, på et tidspunkt hvor den nye bro, sejlbåde og vandrere opsummerer moderniteten i de parisiske forstæder. Bunkerne strukturerer lærredet, mens deres refleksioner bryder i det klare vand. Engineering og fritid deler fredeligt det samme landskab uden at bede impressionismen om at vælge side.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
De tre sejl
Tre kvinder, der bærer kurve, rykker frem på stranden foran tre skrå sejl. Sorolla gentager formerne for at forene menneskeligt arbejde, vind og rytme af kystlinjen. De hvide, lyserøde og blå forbliver lette på trods af indsatsen fra forskydning. De Tre Slør giver således en arbejdsscene kadencen af et middelhavsoptog, ledet af en meget sikker brise.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Forestående storm, Valencia
I Valencia viser Sorolla både trukket på sandet under en lilla-grå himmel, der varsler stormen. De mørke skrog og linjen af skum erstatter agitationen med kraftig ventetid. Forestående storm holder øjeblikket før drikkepenge: Fiskere forudså faren, mens skyer virkede lidt kede af at være blevet overgået.
Se maleriet →
Jean-Baptiste Camille Corot
Narni-broen
Corot opdagede Narni under sit første italienske ophold i 1826. Den ruinerede romerske bro og dal tillod ham at studere klart lys før de mere poetiske landskaber i hans modenhed. Malet på motivet, The Bridge of Narni bevarer friskheden af en undersøgelse, mens den præcist organiserer flod, arkitektur og afstand; rejser her bliver en metode til at se.
Se maleriet →
Jean-Baptiste Camille Corot
Chartres katedral
Corot malede Chartres-katedralen i 1830 efter at have taget et studie op, der blev påbegyndt under en tidligere tur. To jordhøje, nyligt fældede træer og et par figurer giver det gotiske monument et meget miljø dagligt. Lysstenen knuser ikke landskabet: den sætter sig der med samme lysende beskedenhed som stierne og himlen.
Se maleriet →
Camille Pissarro
Hvid gelé
Pissarro malede White Jelly i 1873 nær Pontoise og præsenterede det året efter på den første impressionistiske udstilling. Kritikeren Louis Leroy håner sine tykke furer og sit knivgribebræt, men dette materiale oversætter præcist vægten af den frosne jord og bondeanstrengelsen. Maleriet hører derfor lige så meget til bevægelsens historie som til en vintermorgens.
Se maleriet →
Arthur Streeton
'Den lilla middags gennemsigtige magt'
Streeton låner sin titel fra et vers af Shelley og giver Hawkesbury River en næsten kosmisk skala. Varmen blues afstandene, strømmen snor sig mellem bakkerne og et mørkt træ holder forgrunden. Malet i 1896, Den lilla middags gennemsigtige kan få dig til at føle det blændende og den time, hvor selv cikaderne ser ud til at have øget volumen.
Se maleriet →
Arthur Streeton
I nærheden af Heidelberg
Nær Heidelberg indsnævrer landskabet omkring en sti, hegn og vegetation falmet af solen. Streeton bygger dybde gennem hullerne mellem varm okker og fjern blues, uden at forvandle landskabet til en indstilling heroisk. Denne motivets beskedenhed er dens styrke: det moderne Australien optræder i et almindeligt plot, set længe nok til at blive mindeværdigt.
Se maleriet →
Charles Conder
Ricketts Point
Ved Ricketts Point strækker Charles Conder kystlinjen på et tyndt panel, som om kysten nægter at passe ind i et konventionelt format. Sten, vand og fjerne silhuetter er angivet med en livlighed, der favoriserer indtrykket af rummet. Landskabet forbliver læsbart, men får en dekorativ lethed; bugten synes at have poseret lige længe nok, før den genoptog sin bevægelse.
Se maleriet →
Tom Roberts
Slumrende hav, Mentone
I Mentone virker havet døsigt men Tom Roberts holder overfladen i bevægelse med små variationer af blå, grå og sand. Små vandrere giver skala, mens kystlinjen skærer sammensætningen med en næsten japansk enkelhed. Slumbering Sea viser maleren gøre meget med meget lidt: et par figurer, en stribe vand og nok luft til at nulstille dagen.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Damer på stranden
Sorolla samler flere kvinder på en strand, hvor paraplyer, lette kjoler og sand filtrerer lyset. Damer på stranden beskriver ikke kun mode ved havet: Arrangementet af silhuetter forvandler kysten til en scene social. Lyserøde og hvide toner bevarer solens varme uden hærdende ansigter, et bevis på, at en gåtur kan kræve lige så meget organisation som et kollektivt portræt.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Damevandring på Biarritz strand
I Biarritz følger Sorolla en gruppe elegante kvinder, der rykker frem nær vandet under en køligere himmel end Valencias. Lilla, blå grå og lette stoffer reflekterer det atlantiske lys. Gåturen forbliver verdslig, men vinden forstyrrer silhuetterne lige nok til at minde os om, at stranden ikke anerkender nogen beklædningsbestemmelser.
Se maleriet →
Alfred Sisley
Kirken Moret efter regnen
I 1894 malede Sisley en serie af Notre-Dame de Moret kirken under forskellige lys. Efter regnen bevarer facaden himlens fugtighed og stenene reflekterer subtile gule, lyserøde og grå. Det arkitektoniske motiv bliver lige så foranderlig som en sky; kirken forbliver på plads, men dens farve nægter enhver administrativ varighed.
Se maleriet →Farven frigivet fra mønsteret
Moderne mildhed: divisionisme og abstraktion
Charles-Francois Daubigny
The Harvest
Daubigny maler høsten med opmærksomhed fra en anlægsgartner, der kender markernes arbejde lige så meget som deres lyseffekter. De blege skiver og den klare himmel udvider rummet omkring figurerne. I stedet for at dramatisere indsatsen på landet lader han rytmen af fagter og møllesten strukturere scenen og bane vejen for naturalisme og udendørs malere.
Se maleriet →
Charles-Francois Daubigny
Oises bredder
På bredden af Oise arbejder Daubigny ofte fra sin værkstedsbåd, Botin, for direkte at følge himlens refleksioner og forandringer. Blues, greens og pinks blander sig i et fugtigt lys. Landskabet virker fredelig, men denne ro er resultatet af et bevægende blik, installeret på en båd, som sandsynligvis skulle forhandle med hver hvirvel.
Se maleriet →
Alfred Sisley
Udsigt over landsbyen
Sisley placerer landsbyen ud over en sti og marker, som gradvist fører mod husene. De blege toner af jorden, himlen og tagene bygger afstanden uden spektakulær effekt. Udsigt over landsbyen hører til dette nærhedsmaling, hvor et almindeligt sted bliver nøjagtigt af vejr, tid og blikretning; intet klokketårn behøver at føre kampagne for at blive bemærket.
Se maleriet →
Alfred Sisley
Sletten Veneux-Nadon
I Veneux-Nadon, nær Moret-sur-Loing, observerer Sisley en åben slette, hvor stier, træer og himmel deler lærredet næsten ligeligt. Malet i 1881 favoriserer værket blødt lys og dybde uden monumenter. Det beskedne motiv afslører sin troskab mod det fri: Landskabet venter ikke på en begivenhed, det skal bare have tid.
Se maleriet →
Jean-Baptiste Camille Corot
Bådfiskeri nær piletræer
Corot sætter en lille båd op under pilene og lader grenene filtrere et sølvlys. Scenen hører til dens modenhed, når minder om observerede steder blander sig med friere poesi. Fiskeri bliver et påskud at balancere vand, løv og himmel; fisken, hvis den eksisterer, accepterer filosofisk ikke at være hovedemnet.
Se maleriet →
Charles-Francois Daubigny
Pramene
Daubigny maler Oises pramme i et klart område, hvor vandet og himlen optager mere plads end bådene. Fra sin værkstedsbåd kan han følge flodtrafikken uden at anlægge en fast udsigt fra kysten. DE arbejdsbåde giver landskabet dets moderne skala og forhindrer floden i at blive et simpelt bukolisk tilflugtssted.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Børn på stranden
Sorolla observerer nøgne børn, der leger ved vandkanten i Valencia og forvandler deres våde kroppe til lysoverflader. Det lyserøde sand, lilla skygger og lavvandede blå af havet undgår eventuelle stive konturer. Børn på stranden fanger spillets frihed uden at stille figurerne; Middelhavet giver rammerne, spejlet og ret omtrentlig overvågning.
Se maleriet →
Alfred Sisley
Mantes-vejen
Route de Mantes krydser et åbent landskab, som Sisley malede i 1874, året for den første impressionistiske udstilling. Den blege sti fører mod horisonten mellem marker og træer, under en himmel, som regulerer hele dybden. Ingen monument holder ikke øje: cirkulationen af luft og lys på jorden bliver lærredets virkelige begivenheder.
Se maleriet →
Alfred Sisley
Regattaerne i Molesey
Sisley opholdt sig i England i 1874 takket være støtte fra samler Jean-Baptiste Faure og malede Moleseys regattaer på Themsen. Flagene, sejlene og deres farverige refleksioner animerer en meget klar komposition. Værket bringer britisk fritid tættere på sine franske landskaber; på vandet tæller nationaliteter mindre end vindens retning.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Valencia strand i morgenlyset
På Valencia strand afkøler morgenlyset skyggerne og giver sejlene, sandet og tøjet en særlig blødhed. Sorolla vælger det tidspunkt, hvor arbejdet begynder før det varme vejr. Scenen forbliver aktiv, men dens bleg palet sænker blikket og afslører enhver overgang mellem vand, jord og luft.
Se maleriet →
Rupert Bunny
Havidyl
Sea Idyll installerer kvindefigurer på kanten af et roligt hav, i en atmosfære hvor Rupert Bunny blander klassicisme, sensualitet og fin de siècle drømmeri. Kroppene danner en smidig frise foran horisonten og den dæmpede palet bevæger sig væk scenen for det enkle strandbad. Maleriet minder os om, at en australsk maler kunne se mod Puvis de Chavannes og Middelhavet frem for mod bushen.
Se maleriet →
August Macke
Have ved bredden af Thun-søen
Macke malede haverne omkring Thun-søen, Schweiz, i 1913, hvor han boede hos sin familie. Træerne, stierne og vandet er forenklet til farverige planer, men lyset bevarer en sommerlig blødhed. Have ved søen Thun annoncerer den forskning, der blev udført året efter i Tunesien; rejsen begynder her uden at forlade det kølige alpine.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Garden of Maison Sorolla i 1920
I haven til sit Madrid-hus malede Sorolla i 1920 et rum, som han selv designede af andalusiske og italienske souvenirs. Væggene, dammene og løvet filtrerer et mere intimt lys end strandenes. Haven bliver et figurløst selvportræt: hver plante kender sin plads, selvom solen fortsætter med at ændre planen.
Se maleriet →
Jean-Baptiste Camille Corot
Avignon, udsigt over Villeneuve-lès-Avignon
Corot malede Avignon set fra Villeneuve-lès-Avignon under sit ophold i Syden i 1836. Byen og pavernes palads fremstår ud over Rhône, indrammet af træer og en meget enkel forgrund. Det klare lys organiserer dem masser uden overdrevne detaljer; monumentet bliver en fjern tilstedeværelse snarere end et tidligt postkort.
Se maleriet →
Paul Signac
Havnen i Saint-Tropez
Signac flyttede til Saint-Tropez i 1892 og hjalp med at gøre havnen til et arnested for neo-impressionisme. I denne 1901-visning genkomponerer de separate strejf af pink, blå og gul middelhavslyset på afstand. Masterne strukturere overfladen, mens vandet multiplicerer farverne; havnen arbejder, men malingen synes allerede at være på ferie.
Se maleriet →
Paul Signac
Château des Papes i Avignon
Signac maler Pavernes Palads fra Rhônes anden bred og forvandler den gotiske masse til en lysende mosaik. De små lyserøde, lilla og blå berøringer opløser stenen uden at få arkitekturen til at forsvinde. Monumentet middelalderen går således ind i en moderne farveteori; efter flere århundreders tyngdekraft opnår den endelig en tilstrækkelig glædelig refleksion.
Se maleriet →
Claude Monet
Kvinde med paraply drejet til venstre
Monet malede en anden Kvinde med en Paraply drejet til venstre i 1886, stadig med Suzanne Hoschedé som model. Kroppens hældning, sløret og græsset afspejler det samme vindstød som den hurtige himmel. Designet som modstykke til den version vendt mod højre viser lærredet, at en orienteringsændring er nok til fuldstændig at omkomponere lys og bevægelse.
Se maleriet →
Alex Katz
Lita
Alex Katz malede Lita i 1964 med de skarpe flade områder og tætte indramninger, der adskiller hans portrætter. Ansigtet og den lyseblå baggrund er fri for enhver overflødig modellering, som et reklamebillede, der blev bremset til stilhed. Dette økonomi giver modellen en umiddelbar tilstedeværelse; pastel er ikke længere atmosfære, men rolig og resolut moderne overflade.
Se arbejdet på museet →
Georges Seurat
Poseuserne
Seurat malede Les Poseuses mellem 1886 og 1888 som svar på kritik, der anså figurerne af La Grande Jatte for stive. Tre på hinanden følgende stillinger af samme model optager værkstedet foran en del af hans store maleri. Tonerne roser og blå viser, at divisionisme kan forme kroppen; optisk teori består en akademisk tegneeksamen her.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Himmelblå
I 1940 befolkede Kandinsky i Neuilly-sur-Seine en blå baggrund med små biomorfe former inspireret af zoologi og den mikroskopiske verden. Krig gjorde derefter hans materielle situation vanskelig, men Bleu de ciel byggede et univers svævende og legende. Væsner ser ud til at svømme, danse eller chatte; ingen anså det for nødvendigt at give instruktioner.
Se maleriet →Stof og lys
Hvordan laver malere en pastelfarve?
I olie består lysningen ikke altid i mekanisk at tilføje hvid. Maleren kan overlejre en gennemsigtig glasur på et klart præparat, sidestille små komplementære berøringer eller folde en farve ned med en jord. Hver af disse metoder ændrer dybden: blanding med hvid gør skyggen mere uigennemsigtig; glasuren bevarer indre lys; den opdelte berøring får farven til at vibrere i øjet.
Det 19. århundrede udnyttede især disse muligheder. Skygger ophører med at være brune eller sorte og bliver blå, lyserøde eller lilla. Impressionisterne observerede disse huller i sne, kjoler og refleksioner; Whistler dem organiserer i harmonier; moderne malere udvider dem til hele overfladen. Pastelpaletten fortæller således en historie om lys lige så meget som en æstetisk præference.
Historisk, dækkende og lidt varm; det giver krop til gamle hudtoner og lys.
Koldere og mere gennemsigtig, den er velegnet til sejl, subtile blandinger og sarte lys.
Gennemsigtige producerer de lysende roser, når de placeres på eller blandes med en let base.
Oversøisk ændrer kobolt eller ceruleum temperatur og dybde afhængigt af det hvide, der ledsager dem.
Et strejf af okker, jord eller komplementær reducerer det grønne uden at fjerne al dets friskhed.
En farve i bevægelse
Hvorfor disse farver forbliver i hukommelsen
Klarhed kan blødgøre en overgang, isolere en silhuet eller få en hel himmel til at vibrere. Hvert maleri, der følger, bruger dette område af en bestemt grund: at fortælle en scene, at måle et lys eller at give stilhed en farve for sig selv.
0 kommentarer