16. -20. århundrede · oliemalerier
De 100 mest berømte orange malerier
Hundrede malerier, hvor appelsin bliver til sol, kød, frugt, ild, efterår eller moderne energi, fra Turner og Monet til Van Gogh, Munch, Matisse, Klimt og Rothko.
Mellem rød, gul og lys
Orange nøjes aldrig med birolle
I en havn i Monet holder appelsinen i en lillebitte sol; ved Munch invaderer den himlen; ved Van Gogh opvarmer den en mark, en frugt, et rum eller en facade. Farve kan signalere daggry, høst, begær, fare og endda en natlig by set bag et cafévindue.
Denne rute følger dens funktionsændringer frem for et simpelt farvekort. Turner bruger den til at sige farvel til et skib, Klimt til at sætte liv op mod døden, Matisse til at sætte fem kroppe i bevægelse, og Rothko til at bygge stilhed. Orange fanger øjet, så finder hvert maleri en anden historie at fortælle.
Orange beskriver ikke kun ild eller solen: den bringer former sammen, aktiverer kontraster og giver lærredet sin temperatur.
Jordnær og dyb forbinder den lys med gulv, vægge og ansigter uden at bryde brune menneskers enhed.
Varm og intens, den rykker frem mod øjet og giver stoffer, blomster eller himlen en umiddelbar tilstedeværelse.
Uigennemsigtig og mættet, den understøtter moderne solide farver og bevarer sin glans i kontakt med blå og lilla.
Mørkere og gennemsigtige, de omdanner farve til refleksion, opvarmet metal eller tusmørkelys.
100 malerier, hvor orange konstruerer billedet
Redaktionel rangeringTyve billeder, der er blevet universelle
De absolutte ikoner af orange
Claude Monet
Print, opgående sol
Monet malede havnen i Le Havre ved solopgang i 1872, i en tåge hvor kranerne og masterne næsten blev til silhuetter. Den orange skive og dens refleksion er nok til at organisere hele den blå overflade. Når maleriet er blotlagt i 1874 inspirerede dens titel kritikeren Louis Leroy til at bruge ordet "impressionister", først lanceret som en hån og hurtigt adopteret.
Se maleriet →
Edvard Munch
Grædet
Munch siger, at han mærkede "et stort, uendeligt råb passere gennem naturen" under en gåtur over Oslo. I den malede version fra 1893 bølger den orange himmel med fjorden og ansigtet, indtil det gør landskabet til en sensation fysisk. De to vandrere fortsætter deres vej, en næsten komisk detalje, da universet bag dem ser ud til at have mistet al tilbageholdenhed.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Solsikker
Van Gogh forberedte en serie af Solsikker i 1888 til at dekorere Gauguins værelse i det gule hus i Arles. Blomsterne skifter fra citrongul til brun orange, der viser flere aldre i samme buket. Dette malede gæstfrihed vil overleve bedre end samlivet mellem de to kunstnere, som ikke ligefrem vil forblive berømt for sin hjemlige ro.
Se maleriet →
Frederic Leighton
Flaming June
Leighton wraps en sovende kvinde i en orange kjole, hvis folder følger kroppen som en flamme. Den giftige oleander placeret over hende introducerer en bekymring i denne perfekte hvile. Glemt i det 20. århundrede derefter fundet igen, maleriet blev det sene ikon for victoriansk klassicisme og bevis på, at en lur kan føre til en strålende anden karriere.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Den røde vinstok i Arles
Van Gogh malede drueplukkerne nær Arles under en lav sol, som forvandlede vinstokkene til røde og orange vidder. Præsenteret i Bruxelles i 1890, betragtes værket traditionelt som det eneste maleri, han solgte med det vished i hans levetid. Landskabet bearbejdes som en gløde, mens figurerne fortsætter deres dag midt i denne perfekt landbrugsbrand.
Se maleriet →
Ivan Aivazovsky
Den niende bølge
Aivazovsky malede overlevende hængende fra en mast efter en storm i 1850. Den niende bølge, der er kendt for at være den farligste, nærmer sig under en orange himmel, hvis varme gør håb muligt uden at formindske havets kraft. Vraget danner næsten et kors, mens daggry forvandler en maritim katastrofe til en scene for kollektiv modstand.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Van Goghs værelse i Arles
Van Gogh malede sit værelse på House gul i oktober 1888 efter en periode med udmattelse. Han forenkler former og bruger flade farver til at udtrykke hvile, selvom perspektivet læner sig fra flere sider. Den orange seng og rød dominerer dette nu berømte interiør: et værelse, der er lovet at være stille, men bygget af et blik, der ikke er i stand til at forblive stille.
Se maleriet →
Henri Matisse
Dance I
Matisse skabte denne første version for at forberede det store panel bestilt af samleren Sergei Shchukin. Fem orange kroppe står ved hånden på grøn grund under en blå himmel, med næsten brutal enkelhed. DEN circle åbner sig lidt mellem to dansere: al spændingen i maleriet ligger i denne hånd, som stadig leder efter sin nabo.
Se maleriet →
Henri Matisse
Glæden ved at leve
Matisse samler badegæster, musikere, par og dansere i et landskab, der nægter naturlige farver. De orange og lyserøde figurer er fordelt som noter mellem de gule træer og den varme himmel. Præsenteret i 1906, lærredet chokerer nogle samtidige og annoncerer allerede kredsen om La Danse, som om lykken omhyggeligt havde forberedt sin koreografi.
Se maleriet →
Paul Gauguin
Den gule Kristus
I Pont-Aven i 1889 omsatte Gauguin et polykromt krucifiks fra Trémalo kapellet til et efterårsbretonsk landskab. Kristi gule legeme skiller sig ud mellem de hvide hovedbeklædninger og de orange felter. Denne sammenslutning af det hellige, af lokalt landskab og syntetistiske flade områder bryder med naturalismen; selv sæsonen deltager nu i den religiøse historie.
Se maleriet →
Jackson Pollock
Efterårsrytme (Nummer 30)
Pollock skabte Autumn Rhythm i 1950 ved at støbe og projicere maling på et lærred placeret på jorden. De sorte, hvide, brune og orange linjer registrerer hans bevægelser uden at danne et eneste center. Titlen tildeles efter udførelsen: efteråret er ikke repræsenteret af træer, men af en tæthed og et tempo, som øjet skal rejse igennem som maleren.
Se maleriet →
Edward Hopper
Nighthawks
Hopper malede en nattelivsrestaurant inspireret af Greenwich Village kort efter, at USA gik ind i Anden Verdenskrig. Det gul-orange lys fra disken skærer de fire karakterer ud bag et kæmpe vindue, uden dør synlig fra gaden. Scenen er blevet det moderne billede af urban ensomhed; cafeen forbliver åben, men samtalen ser ud til at være lukket tidligere.
Se maleriet →
Edvard Munch
The Sun
Munch designede Solen til aulaen på Universitetet i Oslo mellem 1911 og 1916. Stjernen kommer frem over Kragerø fjorden og projicerer lange orange, gule og blå stråler mod beskueren. Efter hans ungdoms ængstelige interiører, dette monumentale maleri forvandler lys til offentlig kraft; universitetet opnår således en permanent solopgang uden varmeudgifter.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Sammensætning VII
Efter måneders studier malede Kandinsky denne enorme komposition på få dage i München i 1913. Minder om oversvømmelse, opstandelse og sidste dom opløstes i røde, appelsiner, blå og hvide. Lyscentret suger former som en hvirvelvind: abstraktion undertrykker ikke drama, den fjerner simpelthen sine genkendelige kostumer.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Kysset
På højden af sin gyldne periode låser Klimt et par i en kappe af guld, sorte rektangler og orange cirkler. Kroppene skelnes knap fra indretningen, undtagen af kvindens hænder, fødder og skrå ansigt. Erhvervet af den østrigske stat fra 1908, maleriet blev et kærligt ikon, hvis virkelige bedrift var at gøre et tæppe af blomster helt højtideligt.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Liv og Død
Klimt sætter en stram menneskelig gruppe i farverige stoffer mod en ensom Død dækket med kors. Han omarbejdede baggrunden efter 1915 og erstattede det oprindelige guld med en mørkere blå, som forstærkede adskillelsen. Appelsiner og roser tilhører den levende verden, som sover, elsker og vokser uden tilsyneladende at bemærke, at dens nabo til venstre i høj grad mangler tålmodighed.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Sædemanden ved solnedgang
Van Gogh tager op Millets Sower men placerer bag figuren en overdreven orange sol. Den lilla mark, træet skåret af rammen og den gentagne gestus forvandler landbrugsarbejde til et billede af cyklus og håb. Malet kl Arles i 1888 viser værket, at hyldest kan være tro mod en idé, mens den ændrer absolut alle dens farver.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Høsten i La Crau
I Arles malede Van Gogh La Crau-sletten i juni 1888 med dens møllesten, vogne og spredte arbejdere. På dette landskab ser han en sydlig ækvivalent til de japanske tryk, han beundrer. De gule går over til orange i varmen, men rummet forbliver klart organiseret: selv den provencalske sol skal respektere et minimum af sammensætning.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Det Gule Hus i Arles
Van Gogh repræsenterer huset på Place Lamartine hvor han lejer fire værelser og drømmer om at oprette et kunstneratelier. Facadens gul-orange står i kontrast til den blå gade og den klare himmel. Gauguin bliver der et par uger før deres pause; den mest optimistiske arkitektur i Arles husede derfor et kollektivt projekt, hvis menneskelige fundament var mindre solidt end murene.
Se maleriet →
Paul Cezanne
Æbler og appelsiner
Cézanne malede Apples et oranges omkring 1899, reorganisering frugter, draperi, tallerkener og kander i lang tid. Bordet vipper lidt og flere synspunkter sameksisterer, men appelsinerne opretholde sammensætningen gennem deres egne gentagelser. Maleriet på Musée d'Orsay forvandler et stilleben til et laboratorium for moderne maleri; intet er tilfældigt der, undtagen måske indtrykket af, at alt kunne falde.
Se maleriet →Krop, stof og varme
Orange stoffer, brændende figurer og interiør
Georges Seurat
Cirkus
Seurat arbejdede på Cirkus i 1890 -1891 og efterlod maleriet ufærdigt ved sin død. Væbneren, akrobaten og klovnen er organiseret af gentagne kurver, mens appelsinerne og de gule bevidst vækker opfattelsen. DE spectacle virker hurtig, men hvert farvepunkt minder os om, at denne hastighed blev bygget med næsten urimelig tålmodighed.
Se maleriet →
Henri Rousseau
Den sovende bøhmer
Rousseau forestiller sig en kvinde, der sover i ørkenen, mens en løve snuser til hende uden at angribe hende. Månen oplyser den stribede kjole, mandolinen og det okker-orange gulv med uvirkelig præcision. Nægtet af byen Laval, hvortil den maler ville sælge det, værket blev et af hans store mysterier; løven gav diplomatisk aldrig sin version.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Broadway Boogie Woogie
Med base i New York erstatter Mondrian de lange sorte linjer i sine europæiske kompositioner med et netværk af små gule, røde, blå og orange firkanter. Gitteret fremkalder gaderne på Manhattan lige så meget som rytmen i boogie-woogie, som han opdager. Byen bliver et lysende partitur, hvor selv trafikpropper synes at have en følelse af tempo.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Gul-rød-blå
På Bauhaus sammenligner Kandinsky geometriske former og friere tegn i et lærred domineret af tre primære farver. Gul strækker sig til venstre, blå koncentrater til højre og appelsiner giver flere overgange. Værket ligner en demonstration, men de mulige linjer og ansigter forhindrer teorien i at sidde stille på forreste række.
Se maleriet →
Claude Monet
Twilight i Venedig
Under sit ophold i Venedig i 1908 observerede Monet San Giorgio Maggiore fra lagunens anden bred. Klokketårnet og kuplen opløses i et orange, lilla og blåt tusmørke, derefter tages lærredet op i Givernys værksted. Venedig bliver mindre af en by end en lys time, hvilket heldigvis forhindrer maleren i at styre cirkulationen af gondoler.
Se maleriet →
Jasper francis cropsey
Efterår på Hudson River
Cropsey maler fra London et idealiseret panorama af Hudson Valley på toppen af efteråret. For at overbevise den britiske offentlighed om intensiteten af amerikanske farver ville han have udstillet blade fra USA. Appelsintræer fylder dalen som en patriotisk demonstration ledet af et særligt motiveret hold af løvtræer.
Se maleriet →
Frederic Edwin Kirke
Efterår i Nordamerika
Church maler nordamerikanske fald med panoramapræcisionen forbundet med Hudson River School. Orange og rødt løv indrammer vandet og bjergene, og forvandler sæsonen til et geografisk skue lige så meget som en undersøgelse af lys. Landskabet fejrer enorm natur, men hvert træ synes at have modtaget bemærkelsesværdigt detaljerede kromatiske instruktioner.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Cirkulære former. Sol, Måne
Delaunay udvikler Cirkulære Former. Sol, Måne omkring 1912 -1913 fra sin forskning om samtidige kontraster. De orange, røde, grønne og blå buer roterer uden at fortælle en scene, som om de to stjerner havde været oversat til rytme. Maleriet bidrager til orfisme, en abstraktion, som foretrækker at få farve til at synge frem for at bede den om at stå stille i et objekt.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Guldfisk
Klimt maler Guldfisk efter angreb på hans tegn til universitetet i Wien. Den kvindelige figur vender sig mod beskueren i en masse vand, hår og orange skæl; den oprindelige titel ville have adresseret et langt mindre høfligt svar på hans kritikpunkter. Værket bevarer denne uforskammethed, selv under sit zoologiske navn, som er blevet mere præsentabelt.
Se maleriet →
Paul Gauguin
Stilleben med mango
På Tahiti placerer Gauguin mango i store orange og gule volumener på et bord, hvis plads forbliver bevidst ustabil. Frugterne giver os mulighed for at forbinde et dagligt motiv med den syntetistiske palet udviklet på Pont-Aven. Eksotisme hører mindre til anekdoter end farver; mangoer udfører meget seriøst deres førende mission.
Se maleriet →
John william waterhouse
Den magiske cirkel
Waterhouse præsenterede The Magic Circle på Royal Academy i 1886. En tryllekunstner trækker en skudlinje omkring sig, mens røg, krager og kedel opstiller en præcis rituel scene. Flammernes orange adskiller de almindelig verden af den beskyttede cirkel, fremragende sikkerhedsforanstaltning, når du arbejder med usamarbejdsvillige ingredienser.
Se maleriet →
Camille Pissarro
De røde tage, landsbyhjørne, vintereffekt
Pissarro malede husene i Côte des Bœufs i Pontoise i 1877 og udstillede lærredet under den tredje impressionistiske udstilling. De orange og røde tage vises mellem stramme stammer, under sne, som afkøler hele området palet. Landsbyen er ikke en fjern indstilling: du skal bogstaveligt talt se gennem træerne for at nå det.
Se maleriet →
Egon Schiele
Selvportræt i gul vest
Schiele skildrede sig selv i 1914 i en gul-orange vest, kroppen tynd og ansigtet vendt trodsigt. Nervøse konturer og områder, der er tilbage bare, forhindrer den lyse beklædningsgenstand i at blive elegant i verdslig forstand. Kunstneren gør sit egen silhuet en næsten skærende figur, på et tidspunkt, hvor hele Europa forbereder sig på at miste meget mere end sine gode manerer.
Se maleriet →
Henri de Toulouse-Lautrec
Dans på Moulin Rouge
Toulouse-Lautrec maler Moulin-Rouge dansen fra kanten af gulvet, blandt de stamgæster han kender godt. Danserens orange kjole og mørke silhuetter skærer rummet ud under den kunstige belysning. Kabareten er ikke idealiseret: stjerner, klienter og iagttagere deler den samme sociale scene, hvor alle ser lige så meget på, som de bliver set.
Se maleriet →
Pablo Picasso
Stilleben på kommoden
Picasso konstruerede dette stilleben ved at overlejre kommode, farverige genstande og planer frem for at respektere et enkelt synspunkt. Appelsiner og brune bringer fragmenterne sammen uden at genoprette en klassisk dybde. Objektet hjemlig bliver et maleproblem i sig selv; kommoden bevarer sine skuffer, men bestemt mere forsikringen om at blive set forfra.
Se arbejdet på museet →
Paul Klee
Sunset
Klee behandler solnedgangen som en organisering af farverige tegn og felter frem for en trofast atmosfærisk udsigt. Den orange skive lander i et rum, hvor linjer, mulige huse og mørke planer opretholder logikken af deling. Dagen slutter derfor metodisk, hvilket for Klee aldrig forhindrer nogle former i at bevare deres del af hemmeligholdelsen.
Se maleriet →
Mark Rothko
Nr 10
Rothko malede nr. 10 i 1950, da dens store rektangulære områder blev hans hovedsprog. Orange, gule, hvide og mørke bånd flyder foran hinanden uden en klar kontur. Lærredet kræver vision langsom og tæt: farve beskriver intet, men det ændrer gradvist afstanden, balancen og endda stemningen hos beskueren.
Se arbejdet på museet →
Henri Matisse
Gul Odalisque
I Nice-årene installerede Matisse sine modeller blandt ophæng, skærme og stoffer for at bygge interiør helt styret af farve. Den gule odalisk modtager orange refleksioner, som forbinder kroppen med indretningen. Dette visuel opfindelse skal også læses med afstand til den orientalistiske fantasi: Det franske værksted fremstiller sit eget andetsteds her.
Se maleriet →
Henri Matisse
Kvinde på en rød sofa
Matisse placerer kvinden og den røde sofa i samme netværk af kurver, mønstre og varme toner. Møblet er ikke længere en simpel støtte: det bidrager lige så meget som modellen til balancen i overfladen. Appelsiner forhindrer rød fra luk rummet og giv dette interiør en meget aktiv varme, på trods af den perfekt still installation.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Mand siddende på orange baggrund
Modigliani installerer sin model siddende foran en næsten dybdeløs orange baggrund. Det aflange ansigt, forenklede øjne og rolige hænder koncentrerer tilstedeværelsen uden at fortælle om en præcis social status. Den varme farve forvandler sig ikke ikke manden i en venlig skikkelse: Tværtimod fremhæver den den tavse tyngdekraft, som kendetegner malerens sene portrætter.
Se maleriet →Objektets varme fokus
Appelsiner, kobber, blomster og stilleben
Egon Schiele
Nøgen stående med orange drapering
Schiele tegner den stående nøgen ved vinkler, spændinger og papirreserver, og bruger derefter den orange drapering som modvægt til den blege krop. Stillingen virker ustabil, men hver albue og hver fold bevarer sammensætningen. I Wien ekspressionistisk klæder tøj ikke rigtig figuren: det gør dens sårbarhed mere synlig ved at give den en meget mere støjende nabo.
Se maleriet →
John william waterhouse
Cleopatra
Waterhouse præsenterer Cleopatra i 1888, siddende frontalt på et udsmykket sæde, hendes blik rettet mod beskueren. Orange stoffer, leopardskind og arkitektur rekonstruerer et Egypten i henhold til den victorianske fantasi. Dronningen ikke vist i hans legendariske død, men i magtudøvelsen, med en forsikring, der gør ethvert teatertilbehør helt sekundært.
Se maleriet →
John william waterhouse
Circe
Waterhouse skildrer Circe, mens hun afleverer koppen beregnet til Odysseus. Spejlet bag hende reflekterer skibet og udvider scenen ud over tronen, mens løverne genkalder hendes kræfter. Guld og appelsiner gør det attraktivt forslag; kendskab til Odysseen råder ikke desto mindre til ikke at drikke noget uden at læse kompositionen meget omhyggeligt.
Se maleriet →
John william waterhouse
Et romersk offer
I Et romersk offer forestiller Waterhouse sig den ceremonielle gestus gennem stenen, de varme stoffer og de genstande, der er placeret foran alteret. Figuren er mindre et portræt end et relæ mellem tilskueren og en gammel ritual genopbygget. Orange giver scenen sin materielle varme og forhindrer arkæologi i at ligne et marmorventerum.
Se maleriet →
John william waterhouse
Et orientalsk interiør med en pige siddende
Waterhouse placerer en ung kvinde siddende i et orientalsk interiør bestående af tæpper, træværk og orange stoffer. Opmærksomheden på overfladerne afslører den victorianske smag for andre steder, der stort set er rekonstrueret i værkstedet. Figuren forbliver tavs midt i denne meget sigende ramme; i dag kan værket læses lige så meget for dets virtuositet som for den koloniale fantasi, som det vidner om.
Se maleriet →
John Singer Sargent
Grå Rav Røg
Sargent malede Ambergris Smoke efter sin tur til Tanger i 1880. En kvinde klædt i hvidt løfter sit slør over en røgelsebrænder, mens det orange tæppe og lertøj strukturerer rummet. Ambra fremkaldt af titlen var en kostbar parfume; lærredet lykkes med at synliggøre sit ritual uden at foregive at bringe lugten ud af rammen.
Se maleriet →
Henri Matisse
Lorette med turban, gul jakke
Matisse malede Laurette adskillige gange under Første Verdenskrig. Her gør turbanen og den gul-orange jakke tøjet til en arkitektur omkring det mørke ansigt, langt fra det verdslige portræt. Den italienske model beholder en direkte tilstedeværelse på trods af mønstrene; farve organiserer sessionen uden at slette den person, der bærer den.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Ung kvinde i gul kjole (Renée Modot)
Modigliani malede Renée Modot under sit ophold i Sydfrankrig, hvor hendes palet blev lysere. Den gule og orange kjole indrammer et langt ansigt med rolige øjne, placeret foran en bar baggrund. Den unge kvinde er ikke beskrevet af biografisk tilbehør: dens identitet skyldes kropsholdning, rytmen i nakken og den meget afmålte balance af farver.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Jeanne Hébuterne i den gule sweater
Jeanne Hébuterne, Modiglianis ledsager og kunstner selv, optræder i en gul-orange sweater, der varmer det stramme rum. Det skrå ansigt og de pupilløse øjne giver portrættet en melankolsk afstand. Kend dem tragisk slutning ændrer uundgåeligt læsningen, men lærredet bevarer først den opmærksomme tilstedeværelse af en ung kvinde foran en maler, der kender hende indgående.
Se maleriet →
Henri Matisse
Pigen med grønne øjne
Matisse bygger Pigen med grønne øjne omkring kontrasten mellem udseendet, huden og en varm baggrund. Farver former ikke ansigtet efter naturligt lys; de fordeler kræfter på tværs af lærredet. Øjnene giver en ingen standsning af denne orange og røde cirkulation, som to tegn, der er fast besluttet på at opretholde orden midt i fauvismen.
Se maleriet →
Henri Matisse
Odalisque Green Frisure
I denne odalisk reagerer den grønne frisure på baggrundens appelsiner og beklædningsgenstanden. Matisse organiserer figuren og interiøret som en enkelt dekorativ overflade, uden at tillade mønstrene at blive enkle tilbehør. Modellens ro kontrast til farveaktivitet; Nice-værkstedet fungerer meget, selv når dets beboer ikke ser ud til at have planlagt noget for dagen.
Se maleriet →
Henri Matisse
Renée, Green Harmony
Renée, Green Harmony hører til portrætter, hvor Matisse giver en dominerende farve rollen som at konstruere hele rummet. Orange accenter forhindrer grøn i at standardisere ansigt og indretning. Navnet på modellen forbliver til stede, men den resemblance deler nu rampelyset med et kromatisk forhold, en særlig krævende partner, der ikke går glip af nogen gentagelse.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Sigøjneren Pepilla og hendes datter
Sorolla repræsenterer sigøjneren Pepilla og hendes datter i kostumer, hvis lys fanger appelsiner, guld og sorte. Han undgår helt at opløse figurerne i sin lysende glans: båndet mellem de to mennesker forbliver scenens centrum. Maleriet vidner også om tidens spanske syn på sigøjneridentitet, mellem portræt og malerisk konstruktion.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Maria Guerrero som Den Dumme Dame
Sorolla maler skuespillerinden Maria Guerrero i en teaterrolle inspireret af Lope de Vegas komedie. Det orange kostume, positur og udtryk beskriver ikke kun kvinden, men en karakter i fuld repræsentation. Lærredet forvandler skuespillerportrættet til en forlængelse af scenen; gardinet mangler, men ingen er i tvivl om, at stjernen er ankommet.
Se maleriet →
John william waterhouse
Juliet
Waterhouse forestiller sig Juliette ved vinduet eller balkonen, ophængt mellem det varme interiør og omverdenen. Appelsinerne af arkitektur og tøj etablerer ventetiden, allerede før kærlighedshistorien er anerkendt. Shakespeare giver historien; maleren vælger det stille øjeblik, hvor heltinden stadig ser ud til at have et par sekunder, før tragedien genoptager sin tjeneste.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Orange sælger
Renoir malede Den orange købmand under sin rejse til Algeriet i 1881. De orange frugter præger et gadebillede, hvor tøj, løv og lys behandles med bløde berøringer. Værket tilhører det europæiske blik, der derefter tages på Nordafrika, men sælgeren og hendes konkrete aktivitet modstår det simple eksotiske postkort.
Se maleriet →
John william waterhouse
Sankt Eulalia
Waterhouse udstillede Saint Eulalia i 1885 og valgte eftervirkningerne af martyrdøden frem for dens spektakulære handling. Den unge helgens krop hviler i sneen, under duer og nær en fjern skare; stoffernes orange koncentrerer den se. Kompositionens kolde skønhed gør volden mere foruroligende, uden at man behøver at tilføje den mindste bøddel til forgrunden.
Se maleriet →
Henri Matisse
Stilleben med appelsiner - II
Matisse vender tilbage til appelsiner flere gange for at opleve forholdet mellem runde frugter, bord og dekorativ baggrund. I dette andet stilleben fordeles orange toner mod koldere farver for at stabilisere en bevidst mobilt perspektiv. Frugterne ser enkle ud; deres virkelige opgave er at holde hele rummet fra at glide ud af brættet.
Se maleriet →
Henri Matisse
Første orange stilleben
Det første orange stilleben hører til Matisses begyndelse, da han yderligere assimilerede Cézanne, inden han yderligere frigjorde sin palet. Frugt, service og stof er konstrueret af masser frem for små detaljer. Orange bliver et anker: beskedent i emnet, men allerede autoritært nok til at omorganisere hele bordet.
Se maleriet →
Henri Matisse
Stilleben med appelsiner
I Still Life med appelsiner behandler Matisse frugter som farvecentre, omkring hvilke konturer og mønstre reguleres. Bordet nægter en stille dybde, men appelsinerne opretholder en regelmæssig rytme. Dette mønster daily spænder over hele sin karriere, fordi han samler volumen, farve og lys i et objekt, der accepterer at posere uden at bede om en pause.
Se maleriet →Farven på en transformation
Efterårsløv og appelsinhøst
Chaïm Soutine
Appelsiner på grøn baggrund
Soutine placerer appelsinerne foran en grøn baggrund, som skubber deres farve til intensitet. Konturerne vrider sig, bordet virker ustabilt, og billedmaterialet forvandler frugterne til næsten nervøse tilstedeværelser. Stilleben er ikke ikke længere en øvelse i ro: ingen er virkelig bevæger sig, men alt synes at have modtaget presserende nyheder et par sekunder før vores ankomst.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Appelsiner og dekoreret plade
Før hans abstrakte gitter maler Mondrian stadig liv opmærksom på genstande og tonale forhold. Appelsinerne og den dekorerede plade viser hans interesse for strukturen af et bord set tæt på. Mønsteret giver dig mulighed for at følge passage mellem observation og organisation: den fremtidige lige linjeteoretiker begynder her med resolut runde frugter.
Se maleriet →
Eugene Delacroix
Orange købmand i Marokko
Delacroix bragte tilbage fra sin rejse til Marokko i 1832 notesbøger, souvenirs og scener, som længe ville nære hans maleri. Den orange sælger kombinerer daglig aktivitet med en varm palet uden at omdanne den til en stor officiel historie. Frugterne bliver lyspunkter på gaden, mens malerens europæiske blik forbliver en væsentlig del af konteksten.
Se maleriet →
John william waterhouse
Appelsinplukkerne
Waterhouse placerer sine orange plukkere i en idealiseret middelhavshave. De høstende gestus, kjoler og frugter fordelt i løvet giver en narrativ struktur til farven. Scenen tilhører victoriansk smag for drømmen Italien: landbrugsarbejde, bestemt, men med en kostumeservice og et lys, der tydeligt fik behagelige midler.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Fritillaries kejserkrone i en kobbervase
I Paris i 1887 malede Van Gogh de orange fritillarer i en kobbervase på en intens blå baggrund. Den komplementære kontrast forstærker blomsterne og viser hans hurtige assimilering af neo-impressionistisk forskning. Buketten er ikke ikke kun botanisk: det er et farveeksperiment, hvor hver klokke ser ud til at være valgt til meget præcist at modsige væggen.
Se maleriet →
Henri Matisse
Solsikkevase
Matisse tager vasen med solsikker efter Van Gogh, mens han integrerer den i sit eget dekorative rum. De orange og gule blomster interagerer med bordet og baggrunden i stedet for at skille sig ud som et isoleret studie. Hyldesten kopierer ikke berøringen af mesteren af Arles; han tjekker, hvad den samme buket kan blive, når han skifter rytme og stykke.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Orange Lilla
Kandinsky kontrasterer orange og lilla, komplementære farver, i en sammensætning, hvor former og linjer synes at reagere på hinanden på afstand. Farve illustrerer ikke noget specifikt objekt: det producerer spænding, vægt og bevægelse. Titlen er glad for at nævne de to hovedpersoner, som en duelplakat; lærredet sørger så for at vise, at ingen af dem har til hensigt at opgive centret.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Vindue med orange gardiner
Delaunay forvandler vinduet og dets orange gardiner til en tærskel mellem interiør og moderne by. De farverige planer fragmenterer udsigten og udvider den samtidige forskning, der udføres omkring Eiffeltårnet. Gardinet skjuler det ikke verden: han deltager i dens genopbygning, et bevis på, at et hjemligt element meget vel kan få en stor rolle i avantgarden.
Se maleriet →
Jackson Pollock
Flamme
Pollock malede Flame før de store dryp, der ville gøre ham berømt. Vi kan stadig se mulige figurer, mexicanske og surrealistiske påvirkninger, taget i hvirvlende røde og appelsiner. Værket viser en kunstner i overgang: flammen er samtidig subjekt, energi og påskud for gradvist at få formerne til at miste deres forpligtelse til at forblive genkendelige.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Lady by the Fire (Lady am Kamin)
Denne dame ved ilden tilhører Klimts ungdommelige sociale portrætter, før den gyldne periode. Den orange belysning af pejsen giver ansigtet og tøjet en intim varme, mens stillingen bevarer en officiel elegance. Værket minder os om, at den fremtidige dekoratør af glitrende overflader allerede vidste, hvordan man bruger en betonlyskilde uden at bede ham om at dække hele væggen.
Se maleriet →
Henri Matisse
Gule roser med parakitbur
Matisse placerer gule roser i nærheden af et parakitbur og omdanner interiøret til en udveksling mellem blomster, fugle, barer og flade farvede områder. Appelsiner forbinder kronbladene til indretningen uden at isolere et enkelt center. Buret introducerer en streng geometri, men fugle og blomster gør alt for at minde os om, at farve foretrækker at flyde frit.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Gule krysantemum i en ingefærpotte
Mondrian maler krysantemum længe før han reducerer sit ordforråd til primære linjer og farver. Ingefærpotten, gul-orange blomster og neutral baggrund afslører patientobservation af volumener. Fremtiden abstraktion er endnu ikke synlig som et system, men søgen efter balance er der allerede, diskret og perfekt vågen bag buketten.
Se maleriet →
Henri Matisse
Læser ved det gule bord
Matisse viser en absorberet læser nær et gul-orange bord, omgivet af et interiør, der nægter at blive i baggrunden. Bogen bremser figuren, mens mønstrene accelererer overfladen. Den hjemlige scene bliver en forhandling mellem koncentration og dekoration; læseren bevarer heldigvis fordelen, da han har valgt den eneste aktivitet, der officielt tillader at ignorere stykket.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Salg af meloner
Sorolla observerer et salg af meloner under det spanske lys og distribuerer frugter, kurve og figurer i henhold til markedets bevægelse. De gule og appelsiner giver varerne en næsten sol tilstedeværelse uden at slette arbejdet. Der scenen forbliver social, før den er dekorativ: hver melon har en strålende farve, men også en vægt, som nogen faktisk bliver nødt til at bære.
Se maleriet →
Paul Cezanne
Gardin-, kande- og kompotmager
Cézanne malede Gardin, kande og kompotmager omkring 1893 -1894 ved at glide genstandene ind i et bevidst diskontinuerligt perspektiv. Orange frugter punkterer folderne på det hvide gardin og den mørke masse af kanden. Balance vises prekær men holder med bemærkelsesværdig autoritet; stilleben bliver således en arkitektur, hvis æbler tjener som både beboere og hjørnesten.
Se maleriet →
Henri Matisse
Guldfisk
Matisse malede Guldfisken i 1912 efter sin rejse til Marokko, hvor han observerede fornøjelsen ved at betragte bassinerne i lang tid. Krukken, bordet, balkonen og planterne deler ikke et eneste synspunkt. Appelsinfisk bliv fikspunkterne for dette mobile rum, et lille ansvar for fire dyr, der sandsynligvis kun havde bedt om lidt vand.
Se maleriet →
Piet Mondrian
To træer med orange løv mod den blå himmel
Mondrian maler to træer med orange løv på et stadie, hvor landskabet begynder at blive enklere i et netværk af grene og farver. Den blå himmel forvandler efteråret til en meget klar komplementær kontrast. Træerne forbliver genkendelig, men deres struktur annoncerer allerede den fremtidige reduktion: naturen leverer gitteret her, før maleren gør det helt autonomt.
Se maleriet →
Edvard Munch
Efterårslandskab
Munch behandler dette efterårslandskab med nervøse stier og farverige masser, der forhindrer sæsonen i at blive simpelthen malerisk. Appelsiner bevæger sig mellem grønt og blåt som varme forsvinder. Landskabet bevarer en lokal virkelighed, men frem for alt registrerer den en indre tilstand; i Munch synes selv døde blade at tænke lidt for længe.
Se maleriet →
Edvard Munch
Efterårsfarver
I Autumn Colors lader Munch de røde og appelsinerne brede sig ud i store områder omkring et landområde. Årstiden beskrives ikke blad for blad: det bliver en generel forvandling af luften og jorden. Billedet virker lysere end hans ængstelige scener, uden at opgive denne spænding af linjerne, hvilket betyder, at en simpel vej kan synes at vide, hvad der sker næste gang.
Se maleriet →
Edvard Munch
Efterår i skoven
Munch maler efterårsskoven som et sæt stammer, hulrum og orange løv, der komprimerer dybden. Blikket passerer ikke let gennem træerne; han rykker frem med mellemrum. Denne modstand giver landskabet sin lyd fysisk karakter: skoven er ikke en venlig kulisse, men et opholdsrum, der selv bestemmer, hvor langt den besøgende kan komme ind.
Se maleriet →Landskabets orange time
Solnedgange, flammer og ravgule lys
Edvard Munch
Autumn
I efteråret bruger Munch sæsonen som en passage snarere end en botanisk opgørelse. Appelsiner og brune krydser terrænet, mens linjerne bevarer angsten, der er specifik for dets landskab. Arbejdet viser, at forandring naturlig kan være rolig i udseende og alligevel fyldt med forventning; bladene falder, men de giver ingen officiel forklaring.
Se maleriet →
Edvard Munch
Kvinder i høsten
Munch repræsenterer kvinder i høsten i et landskab, hvor kollektivt arbejde præger de orange og gule felter. Kroppene er ikke detaljerede som portrætter: deres bevægelser forbinder dem med årstiden og terrænet. Scenen udvider sig hans arbejde i landdistrikterne, mens han bibeholder denne måde at få folk til at føle, at hver daglig aktivitet tilhører en større cyklus.
Se maleriet →
Egon Schiele
Efterårstræ i den hakkende luft (vintertræ)
Schiele malede et isoleret efterårstræ i 1912 i en urolig luft, og dets tynde grene bærer stadig nogle få orange blade. Landskabet bliver næsten et selvportræt: skrøbelighed, modstand og ensomhed er koncentreret i stammen. Træet spiller ikke rollen som en ramme; han indtager scenen med nervøsiteten hos en karakter, der har glemt sin tekst, men ikke sine følelser.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Autumn
Før abstraktionen malede Kandinsky efteråret omkring Murnau med tykke farver og stadig mere forenklede former. Orange træer, bakker og huse holder op med at adlyde naturligt lys. Sæsonen byder ham et ideelt terræn: Naturen selv er allerede skiftende farver, hvilket elegant letter overgangen til mere selvstændig maleri.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Efterår i Bayern
Kandinsky maler bayersk efterår som en konstruktion af veje, huse og træer, hvis appelsiner står i kontrast til de blå. Murnaus motiv forbliver identificerbart, men farven forskyder volumen og fremskynder landskabet. Værket hører til det øjeblik, hvor det ikke længere er nok at se en landsby: Vi skal også vise den energi, som dens former mødes med.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Birkeskov
Klimt malede Birkeskoven omkring 1903 i et kvadratisk format, der forvandlede underskoven til en næsten dekorativ overflade. De lodrette stammer krydser et tæppe af orange blade, uden spektakulære horisonter eller menneskefigurer. Akkumulation skaber en langsom dybde; skoven går frem ved gentagelse, med en disciplin, som bladene på jorden kompenserer for med deres glædelige lidelse.
Se maleriet →
Theodor Rousseau
Solnedgang i Barbizon
Théodore Rousseau observerer omgivelserne i Barbizon ved solnedgang og giver træerne en næsten monumental tyngdekraft. Orange vises mellem mørke masser snarere end at dække hele himlen. Grundlægger af Barbizon skolen, det gør landskabet til et selvstændigt emne; lys ankommer ikke for at dekorere skoven, men for at afsløre dens struktur før natten falder på.
Se maleriet →
Theodor Rousseau
Solnedgang nær Arbonne
I nærheden af Arbonne maler Rousseau den lave sol gennem et landskab, der stadig er præget af landlige skikke. Appelsiner koncentrerer sig om horisonten og bringer de første mørke skud frem. Scenen nægter det lette spektakulære: dagen falder færdig langsomt, og maleriet giver træerne tid til at blive silhuetter uden at omdanne dem til romantiske tilbehør.
Se maleriet →
Theodor Rousseau
Solnedgang i Apremont
I Apremont kender Rousseau intimt Fontainebleau-skovens klipper, ege og lysninger. Den orange solnedgang krydser dette rum observeret på det mønster, der derefter blev taget op i værkstedet. Lyset giver stedet en historisk bredde uden at gøre det uvirkeligt; landskabet virker gammelt, men maleren studerer det med en krævende nabos præcision.
Se maleriet →
Claude Monet
Parlamentet, solnedgang
Monet observerede parlamentet i London fra et vindue på St. Thomas Hospital mellem 1899 og 1904. Ved solnedgang forsvandt stenen i de lilla tåger og orange refleksioner. Det politiske monument bliver et instrument af atmosfærisk måling: Big Ben kan indstille tiden for byen, men farven forbliver helt under tågens autoritet.
Se maleriet →
Edvard Munch
Sunset, Nordstrand
Munch maler en solnedgang ved Nordstrand efter vandreoplevelsen, der skal fodre Le Cri. Den orange himmel og kystens kurve ophører allerede med at være en simpel indstilling til at blive et betydeligt pres. I disse landskaber i fjorden fra Oslo forbereder naturen følelser, før den berømte figur dukker op; råbet gentager sig så at sige stadig uden for scenen.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Oostzijdse mølle med panorama solnedgang, mølle i centrum
Mondrian maler Oostzijdse-møllen ved solnedgang før dens endelige overgang til indvinding. Den orange skive, vandet og møllens silhuet forenkler landskabet til lodrette og vandrette relationer. Bygningen bevarer sin vinger, men det begynder allerede at fungere som en geometrisk struktur; det hollandske landskab giver tålmodigt malerens fremtidige ordforråd.
Se maleriet →
JMW Turner
Den kæmpende Temeraire trak til sin sidste kaj for at blive brudt op, 1838
Turner viser i 1839 det gamle krigsskib Temeraire bugseret til værftet, hvor det vil blive demonteret. Den blege båd glider bag en mørk slæbebåd under en orange og guld solnedgang. Mellem national hukommelse og revolution industrielt gør maleriet en teknisk operation til en elegi; selv Trafalgars helte støder til sidst på logistik.
Se maleriet →
Jean-Baptiste Camille Corot
Hukommelse af Ville-d'Avray, solnedgang
Corot vender jævnligt tilbage til Ville-d'Avray, hvor hans familie ejer et hus, og hvor dammene tilbyder ham et laboratorium af lys. I denne hukommelse af den nedgående sol forbliver appelsinen filtreret af træernes og vandets sølvgrå. Ordet "hukommelse" taler tydeligt om dets sene metode: det observerede sted bliver en atmosfære rekonstrueret i et værksted, mere tro mod hukommelsen end mod matriklen.
Se maleriet →
Frederick McCubbin
Lost
McCubbin malede Lost i 1886 baseret på historierne om børn, der er gået tabt i den australske bush. En lille pige står blandt stammerne og orange græs, en lille figur absorberet af et enormt rum. Scenen bidrager til mytologien nationalbusk samtidig med at dens virkelige fare mærkes; landskabet er ikke tomt, det er simpelthen meget større end dets besøgende.
Se maleriet →
Frederick McCubbin
Pioneren
Pioneren er en triptykon fra 1904, der fortæller om bosættelsen af en familie i bushen, derefter tidens gang og byen. De orange lande forbinder de tre paneler, når karaktererne ældes eller forsvinder. Værket hylder den banebrydende australske fortælling, nu også genlæst gennem det, der blev sagt om indfødte fradrivelse.
Se maleriet →
Tom Roberts
Slumrende hav, Mentone
Tom Roberts maler det døsige hav i Mentone med en formøkonomi, der overlader det meste af historien til himlen og lyset. De orange toner fra kysten og solnedgangen varmer en næsten stille overflade. Værket tilhører australsk impressionisme, opmærksom på lokale effekter frem for store fortællemaskiner; her synes selv havet at have accepteret en pause.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Mølle i sollys
Mondrian maler møllen i et orange lys, der reducerer vandet, himlen og arkitekturen til et par store relationer. Motivet forbliver lokalt og genkendeligt, men farven bevæger sig væk fra naturalismen. Den lodrette bygning og horisonten forbered akserne i hans abstrakte værker; møllen arbejder derfor her for, udover vind, at producere en god del af fremtidens neoplasticisme.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
La Méridienne, kendt som La Sieste
I Saint-Rémy i 1890 kopierede Van Gogh en gravering af Millet, der viser to bønder, der hviler i nærheden af en møllesten. Han forvandler modellens grå til intense gule og appelsiner, med blå skygger. Nap er ikke en servile efterligning: hun oversætter et beundret billede til sit eget sprog, hvor selv middagshvilen vibrerer i varmen.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Solnedgang i Montmajour
Van Gogh malede den stenede maquis nær Montmajour Abbey under en orange sol i juli 1888. Længe holdt på et loft og derefter bedømt som uægte, blev lærredet endelig genkendt i 2013 takket være bogstaver og materialer og herkomsten. Dens moderne historie vil derfor have taget meget længere tid end selve solnedgangen.
Se maleriet →Farvestof
Fem historiske ruter til orange
Malere har længe opnået deres appelsiner ved at samle eller blande gule og røde jordarter. Denne løsning giver stabile, naturlige og modulære toner, fra abrikos til mursten. Andre gamle materialer, som f.eks realgar, tilbød en lys orange, men viste sig giftig og følsom over for lys. Deres historie minder os om, at farven på et maleri afhænger lige så meget af kemi som af udseendet.
Det 19. århundrede bragte chromorange derefter cadmiums, mere uigennemsigtige og mere mættede. Disse farver ledsager udendørs maleri, kontrast med blå og den progressive frigørelse af farve. Organiske pigmenter moderns udvider derefter sortimentet mod transparente eller meget lyse appelsiner. I olie kan appelsinen således blive til ravglasur, solpasta, metallisk refleksion eller næsten elektrisk flad.
Gul og rød okker producerer et solidt udvalg af naturlige appelsiner, fra terracotta til høstlys.
Gammelt mineralpigment af en lysende appelsin, historisk værdifuld, men giftig og sårbar over for transformation.
Den vises i det 19. århundrede og tilbyder en dækkende og varm farve, hvis stabilitet varierer afhængigt af formuleringen.
Tæt, uigennemsigtig og mættet giver det moderne malere mulighed for at konstruere store lysende overflader.
Moderne organiske pigmenter tilbyder gennemsigtige eller intense toner, fra koral til mandarin.
Fra pigment til atmosfære
Hvorfor orange forbliver i hukommelsen
Farve betyder noget her, når det faktisk organiserer billedet: solskive, tøj, frugt, løv eller stort abstrakt felt. De store værker åbner klassifikationen; følgende udvider historien gennem mere intime anvendelser, uden at forvandle hver solnedgang til en automatisk kandidat.
0 kommentarer