Paris · 1904 -1940 · oliemaleri
Paris Skole: 100 væsentlige malerier
Modigliani, Soutine, Valadon, Utrillo, Pascin, Kisling, Gris, Delaunay, Matisse, Derain, Léger og Picabia fortæller historien om en hovedstad, hvor eksil, venskab og avantgarderne skiftede maleri.
Et fællesskab, aldrig en unik stil
Hvad hedder Paris-skolen?
Parisskolen har hverken et fælles manifest, et officielt værksted eller en obligatorisk æstetik. Udtrykket betegner konstellationen af franske og udenlandske kunstnere, der gjorde Paris til deres vigtigste arbejdssted i begyndelsen af det 20. århundrede. Kritikeren André Warnod populariserede det i 1925 for at nævne et allerede meget virkeligt miljø: malere fra Italien, Rusland, Litauen, Spanien eller Centraleuropa delte de samme caféer, de samme modeller, de samme købmænd og ofte de samme vanskeligheder.
Montmartre forbliver territoriet for de hvide gader i Utrillo og kabaret souvenirs. Montparnasse tager derefter over med sine dårlige værksteder, La Ruche, de frie akademier og caféerne i Vavin korsvejen. Modigliani opfinder sine strakte ansigter der; Soutine får kødet og landskaberne til at vibrere; Kisling giver modellerne en tavs klarhed. Valadon, mere uafhængig af denne geografi af eksil, pålægger et maleri af kroppe befriet fra akademiske konventioner.
Omkring denne figurative kerne fungerer Paris også som et laboratorium. Matisse og Derain frigør farve, Gris bestiller kubisme, Delaunay gør lys til en cirkulær bevægelse, Léger oversætter kraften i den mekaniske verden, Picabia nægter at fiksere i et sprog. Udtrykket "Skole" må derfor ikke slette forskelle: dens rigdom kommer netop fra sameksistensen af uforenelige baner, samlet af byen.
Skolen i Paris er mindre en måde at male på end en måde at bebo moderniteten sammen på, i en by, der er blevet et værksted for verden.
Modeller, venner og lånere udgør den menneskelige hukommelse i Montparnasse, mellem følelsesmæssig nærhed og formel opfindelse.
Gader i Montmartre, caféer og facader bliver billedstrukturer lige så udtryksfulde som figurerne.
Fauvisme og orfisme frigiver tonerne af efterligning for at gøre lys til et byggeelement.
Fra de kridhvide i Utrillo til impastos i Soutine bevarer overfladen rytmen af gestus og tid.
Hundrede olier til at krydse avantgardernes Paris
Redaktionelt udvalgDen stiftende konstellation
De tyve ikoner af School of Paris
Amedeo Modigliani
Nøgen løgn
Denne nøgen tilhører serien malet i 1917 for købmanden Léopold Zborowski. Præsenteret på Berthe Weill galleri, disse malerier provokerede indgriben fra politiet, mindre for deres positur end for en nøgenhed anses for at være for direkte. Modigliani konstruerer ikke desto mindre billedet med en lang rolig kurve, arving til Titian og Ingres så meget som til Montparnasse.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Den flåede okse
I 1925 tog Soutine motivet af Rembrandts Flayed Ox op. Han hænger et kadaver i sit værksted og genopliver sin farve med frisk blod, til stor fortvivlelse i nabolaget. Denne spektakulære forberedelse er ikke en umotiveret anekdote: de røde, blå og hvide forvandler kødet til et billedlandskab, både brutalt og overdådigt.
Se maleriet →
Suzanne Valadon
Det Blå Rum
I 1923 malede Valadon en kvinde, der lå i stribede bukser, cigaret på hendes læber, omgivet af stoffer og bøger. Modellen spiller hverken den føjelige muse eller den tilbudte odalisk: han indtager rummet med stille suverænitet. Den tidligere model, der blev maler, vælter således konventionerne om den nøgne og kvindelige hvile.
Se maleriet →
Henri Matisse
Kvinde i hat
På Salon d'Automne i 1905 chokerede portrættet af Amélie Matisse med sine grønne, lyserøde og appelsiner befriet fra naturlige farver. I rummet snart tilnavnet "bur af vilde dyr", blev dette ansigt en af de ufrivillige manifester af fauvisme. Steinerne købte det, hvilket gav Matisse afgørende støtte.
Se maleriet →
Juan Grey
Portræt af Pablo Picasso
Gris udstillede dette portræt på Salon des Indépendants i 1912. Han repræsenterede Picasso som en allerede etableret mester, mens han demonstrerede sin egen version af kubismen: klare planer, bevarede farver og inskription af navnet på billedet. Hyldesten ligner derfor også en uafhængighedserklæring mellem naboer til Montmartre.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Byen Paris
Påbegyndt omkring 1910 og udstillet på Salon des Indépendants i 1912, samler denne enorme sammensætning Eiffeltårnet, de tre nådegaver og den moderne by. Delaunay fragmenterer Paris uden at give afkald på dets læsbarhed. Hovedstaden bliver samtidig et gammelt minde, en nutidig byggeplads og et laboratorium af farver.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Den adrætte kanin, Montmartre
Lapin Agile kabaret var et af centrene i Montmartre bohemia frekventeres af malere, digtere og sangere. Utrillo malede det i sin berømte hvide periode, da gips, zink og lim gav facaderne en kridtagtig tekstur. Feststedet fremstår næsten øde, som om det var bevaret i hukommelsen snarere end fanget på stedet.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Den lille konditor
Mellem 1922 og 1923 malede Soutine flere unge hotel- og restaurantansatte i deres uniformer. Konditorkokken, isoleret foran en glødebaggrund, opnår værdigheden af et ceremonielt portræt. Ærmerne, der er for lange, og den ustabile hat fortæller ikke desto mindre historien om modellens sociale skrøbelighed lige så meget som malerens virtuositet.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Jeanne Hébuterne i den store hat
Jeanne Hébuterne mødte Modigliani i 1917 og blev hans følgesvend samt en af hans mest konsekvente modeller. Den store hat her giver bredde til en figur konstrueret af et par kurver. Bag elegancen forbliver den tragiske historie om parret, der døde med to dages mellemrum i januar 1920.
Se maleriet →
Henri Matisse
Lykken ved at leve
Malet i 1905 -1906, dette store landskab samler badende, musikere og dansere i et bevidst uvirkeligt rum. Leo og Gertrude Stein erhvervede det efter sin stormfulde modtagelse på Salon des Indépendants. Cirklen på bagsiden annoncerer direkte Dance, mens de flade farver åbner en stor vej til moderne maleri.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Portræt af Madeleine Castaing
Madeleine Castaing og hendes mand støttede Soutine fra slutningen af 1920'erne og bød hende ofte velkommen i deres hus i Lèves. I dette portræt fra 1929 fremstår den kommende dekoratør både verdslig og rastløs. Ansigtets og lænestolens drejninger forhindrer elegance i at blive en simpel social positur.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Rue du Mont-Cénis
Utrillo kender hver skråning af Montmartre, men han arbejder også fra postkort. Omkring 1910 tillod rue du Mont-Cenis ham at kontrastere dybden af vejen med de hvidkalkede vægge i hans hvide periode. Fraværet af folkemængder forvandlede et arbejderkvarter til en arkitektur af stilhed.
Se maleriet →
Fernand Léger
Kontraster af former
I 1913 skubbede Léger kubismen mod en række cylindre, kurver og farvede volumener næsten uden et genkendeligt emne. Disse Contrasts of Forms er blandt de første ærligt abstrakte franske malerier. Oplevelsen vil blive afbrudt af krigen, som varigt vil ændre sit forhold til maskiner og kroppe.
Se maleriet →
André Derain
Bjerge i Collioure
I løbet af sommeren 1905 sluttede Derain sig til Matisse i Collioure. Sammen malede de havnen og bjergene med rene farver påført i separate detaljer. Malerierne bragt tilbage til Paris gav næring til skandalen i Salon d'Automne og gav fauvismen sit grundlæggende landskab.
Se maleriet →
Moses Kisling
Kiki de Montparnasse
Alice Prin, kendt som Kiki, var en sanger, model, skuespillerinde og ægte offentlig person i Montparnasse. Kisling malede det i 1924 med sin glatte modellering og store mørke øjne. Portrættet bevarer mindre af en præcis aften end forsikringen om en kvinde, der er blevet emblemet for et kosmopolitisk kunstnerisk miljø.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Portræt af Chaïm Soutine
Modigliani og Soutine deler fattigdom, caféer og støtte fra købmanden Zborowski. I 1916 gav Modigliani et anspændt, næsten bulet billede af sin ven, hvor kostumet ikke formår at disciplinere tilstedeværelsen. Maleriet er også et sjældent dokument om Montparnasses solidaritet.
Se maleriet →
Suzanne Valadon
Lanceringen af nettet
Præsenteret på Salon des Indépendants i 1914, viser denne store triptykon den mandlige krop i fuld indsats. Valadon bruger André Utter som model og hævder for en kvindelig maler et emne, der hidtil er forbeholdt mandlige akademier. Gentagelsen af gestus omdanner fysisk træning til en monumental rytme.
Se maleriet →
Francis Picabia
Udnie
Picabia udviklede Udnie efter sin tur til New York i 1913, hvor han opdagede energien fra Armory Show og observerede en danser om bord. Den gådefulde titel ledsager en sammensætning af spiraler og indlejrede skud. Bevægelse, hukommelse og begær bliver en farverig mekanisme, der er svær at immobilisere.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Paul Guillaume, Novo Pilota
Den unge købmand Paul Guillaume støtter Modigliani og organiserer muligheder for sit arbejde. I dette portræt fra 1915 fejrer den latinske inskription "Novo Pilota", den nye pilot, sin rolle som spejder af moderne kunst. Den frontale positur giver modellen autoritet som kaptajn på det nye maleri.
Se maleriet →
Jules Pascin
Portræt af Lucy Krohg
Lucy Krohg tilhører Montparnasse-cirklen, som Pascin frekventerer mellem værksteder, caféer og ture. Malet i begyndelsen af 1920'erne er dens figur konstrueret af mælkeagtige toner og et smidigt design, der nægter verdslig glans. Pascin fanger modellens intimitet uden at omdanne den til en teatralsk bekendelse.
Se maleriet →Ansigter af et fællesskab
Montparnasse: portrætter, modeller og værksteder
Juan Grey
Pjerrot i klyngen
Efter første verdenskrig vendte Gris ofte tilbage til Pierrot, en teaterfigur, der var blevet en melankolsk følgesvend af kubismen. I 1919 bevarede klyngen, kostumet og de farvede planer forbindelsen med stilleben. Den menneskelige figur tillader imidlertid maleren at give sin geometri en ny tyngdekraft.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Portræt af Paul Guillaume
I dette andet billede af Paul Guillaume, malet i 1916, forenkler Modigliani yderligere ansigtet og silhuetten. Købmanden er ikke længere bare en genkendelig ven: han bliver en moderne, elegant og fokuseret fyr. Den implicitte dedikation minder om vigtigheden af gallerinetværk i overlevelsen af udenlandske kunstnere i Paris.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Beatrice Hastings foran en dør
Den britiske journalist Beatrice Hastings delte Modiglianis liv mellem 1914 og 1916. Foran døren udgør hans slanke figur og hat et nervøst nærvær frem for et verdsligt portræt. Deres tumultariske forhold hører til de år, hvor kunstneren fikserede sit sprog med aflange linjer.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Jeanne Hébuterne
I 1919 var Jeanne Hébuterne hovedmodellen for Modigliani og mor til deres datter. Maleren reducerer indretningen, så det blege ansigt, hårgrænsen og den lange hals bærer hele billedet. Denne enkelhed giver den unge kvinde en behersket tilstedeværelse, langt fra den tragiske legende, der blev tilføjet efter hendes død.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Portræt af Lunia Czechowska i hvid bluse
Lunia Czechowska, ven af Léopold Zborowski, poserede regelmæssigt for Modigliani i løbet af sine sidste år. I 1917 udvidede den hvide bluse silhuetten, mens ansigtet strammede sig til en næsten skulptureret oval. Forenklede øjne undertrykker ikke individet: de flytter opmærksomheden mod holdning og tillidsforholdet til maleren.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Kvinde med blå øjne
Malet i 1918 viser denne figur, at Modigliani ikke altid sletter eleverne af sine modeller. Den meget nuværende blå af blikket reagerer på tøjet og bryder med de jordiske baggrunde af talrige portrætter. Denne undtagelse gør mødet mere direkte, samtidig med at den karakteristiske forlængelse af kunstneren bevares.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Jeanne Hébuterne på Collier
Halskæden gav Modigliani en diskret akse til at organisere busten af Jeanne Hébuterne i 1917. Smykket indikerer ikke verdslig rigdom: det præger en silhuet konstrueret af nakke, skuldre og hårmasse. Modellens intimitet kan læses i denne økonomi af tegn.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Jeanne Hébuterne siddende
I 1918 opholdt Modigliani og Jeanne Hébuterne sig i Syden for at undslippe Paris' vanskeligheder i krig. Den siddende positur fremstår stabil, men arme, torso og hals danner en række let forskudte kurver. Portrættet bevarer således modellens ro uden at fryse den.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Portræt af Moses Kisling
Kisling tilhører Modiglianis nære kreds i Montparnasse og vil hjælpe ham igen på tidspunktet for hans begravelse. Dette portræt fra 1915 kombinerer anerkendelsen af en ven med en næsten ikonisk forenkling. Det smalle ansigt og det mørke kostume bringer blikets intensitet frem.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Portræt af Jeanne Hébuterne
Denne 1918 version hører til den lange serie af portrætter, hvor Modigliani observerer Jeanne Hébuterne uden at gentage nøjagtig den samme formel. Frisuren, bustens hældning og forholdet til baggrunden ændrer hver gang sin karakter. Serien fungerer som en visuel dagbog over deres sidste fælles år.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Portræt af Pablo Picasso
Modigliani malede Picasso i 1915, da de to kunstnere krydsede veje i cirklerne Montmartre og Montparnasse uden at tilhøre den samme æstetiske lejr. Det massive hoved og frontalitet anerkender dens autoritet. Indskriften og forenklingen af ansigtet giver imidlertid portrættet en meget modigliansk uafhængighed.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Nøgen siddende
Denne nøgen fra 1916 går forud for den store serie bestilt af Zborowski året efter. Den lodrette positur tvinger Modigliani til at holde kroppen i et stramt format, uden fortællende dekoration. Den kontinuerlige linje forbinder skuldre, talje og ben, og omdanner studiet af modellen til en monumental konstruktion.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Portræt af Diego Rivera
Diego Rivera blev i Paris, før han blev den store mexicanske muralist. Modigliani malede det i 1916 med et bredt hoved og en kompakt krop, som stod i kontrast til dets normalt tilspidsede silhuetter. Maleriet minder om, hvordan Montparnasse derefter samlede kunstnere, der blev kaldt til at følge meget forskellige baner.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Selvportræt
Malet i 1919, kort før hans død, er dette selvportræt det eneste, som Modigliani færdiggjorde i olie. Det tynde ansigt, den lukkede frakke og blikket væk undgår enhver heroisk iscenesættelse. Lærredets tilbageholdenhed står i skarp kontrast til den støjende legende, der snart vil omgive kunstneren.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Den lille bonde
Malet i syd i 1918, Le Petit Paysan tilhører portrætter af børn og unge mødtes langt fra den parisiske sociale cirkel. Den blå jakke og de hænder, der er placeret, giver modellen en ubetonet tyngdekraft. Modigliani tilpasser sit aflange sprog til en mere jordisk og tavs tilstedeværelse.
Se maleriet →
Suzanne Valadon
Portræt af Erik Satie
Valadon mødte Erik Satie i Montmartre og havde en kort affære med ham i 1893. Komponisten forelskede sig længe i hende, mens hun malede dette frontalportræt i dæmpede farver. Værket er både et intimt minde og et tidligt vidnesbyrd om hendes overgang fra modelstatus til kunstnerstatus.
Se maleriet →
Suzanne Valadon
Nøgen med rødt lagen
I 1920 kontrasterede Valadon modellens lette kød med et rødt ark, som strukturerede næsten hele rummet. Hendes erfaring som gammel model giver hende mulighed for at undgå alt for venlige positurer: kroppen hviler med sin reelle vægt. Den varme farve forvandler ikke scenen til et skue, den bekræfter dens materialitet.
Se maleriet →
Suzanne Valadon
Nøgen siddende på en sofa
Omkring 1920 vendte Valadon tilbage til den siddende nøgen med en ærlighed, der adskilte hans arbejde fra akademisme. Sofaen, puderne og mørke konturer forhindrer kroppen i at svæve i et abstrakt rum. Modellen ser ud til at bebo posituren i stedet for at spille den for beskueren.
Se maleriet →
Suzanne Valadon
Damen med den lille hund
Malet i 1912 tager denne kvinde ledsaget af en lille hund et velkendt motiv fra det verdslige portræt. Valadon flytter imidlertid interessen mod positurens soliditet, tøjets lod og det næsten lige forhold mellem dyret og dets elskerinde. Elegance forbliver til stede, men fri for smiger.
Se maleriet →
Moses Kisling
Nøgen siddende
Kisling malede denne nøgen i 1917, da dens præcise design og glatte overflader fandt deres balance. Modellen er isoleret mod en baggrund, der næsten intet fortæller. Denne ædruelighed fokuserer øjet på stillingen og på den rolige spænding, som konturerne frembringer.
Se maleriet →Byen og dens flugtninger
Montmartre, Céret og beboede landskaber
Amedeo Modigliani
Jødinden
Jødinden, malet i 1908, hører til Modiglianis parisiske begyndelse, før den fulde fiksering af hans aflange stil. Titlen afspejler datidens udstillingskategorier mere end en identitet kendt med sikkerhed. Det mørke materiale og stadig modellerede ansigt viser kunstneren, der forlader ekspressionismen fra sine tidlige år.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Clignancourt kirke
Omkring 1910 malede Utrillo Notre-Dame de Clignancourt kirken i hjertet af et stadig populært og perifert distrikt. Den lyse facade står bag en næsten tom gade. Bygningen behandles ikke som et turistmonument, men som det faste punkt i den daglige geografi.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Rue Norvins i Montmartre
Rue Norvins krydser gamle Montmartre nær Place du Tertre. Utrillo repræsenterer det i sin hvide periode, hvor kridtagtige vægge og fugtige veje bliver dets vigtigste udtryksmiddel. Hældningen er nok til at give bevægelse til et næsten øde rum.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Place du Tertre
Længe før terrasserne og staffeli beregnet til besøgende, forbliver Place du Tertre for Utrillo et sæt facader og hjørner. Omkring 1910 dæmpede han dens animation for at bringe arkitekturen frem. Maleriet bevarer således en levet Montmartre, mindre malerisk end melankolsk.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
The Impasse Cottin
Impasse Cottin tilbyder Utrillo et lukket motiv, næsten uden flugt, i netværket af Montmartre gader. De hvidkalkede vægge og uregelmæssig jord absorberer de sjældne tegn på liv. Omkring 1910 blev denne sekundære vej en øvelse i dybde og urban isolation.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Rue Lepic, Galette-møllen
Rue Lepic fører til Galette-møllen, et sted, der allerede er berømt for Renoir, Van Gogh og Toulouse-Lautrec. Utrillo overtog stedet omkring 1910 uden at lede efter en fest. Bygningerne, stigningen og silhuetten af møllen fortæller snarere historien om varigheden af et distrikt i transformation.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Vor Frue
Utrillo begrænser ikke sit Paris til Montmartre: Notre-Dame giver ham mulighed for at konfrontere katedralens historiske masse med kajerne og husene. Udsigten forbliver bygget med samme ædruelighed som dets nabolagsgader. Monumentet fremstår integreret i hverdagsbyen snarere end isoleret i prestigefyldte billeder.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Sacré-Cœur de Montmartre og Château des Brouillards
Sacré-Cœur, der stadig er nyere i det parisiske landskab, dominerer Château des Brouillards her, en bolig knyttet til det gamle Montmartre. Utrillo samler således to epoker af distriktet. Basilikaens hvide og facaderne forener denne topografi lavet af personlige minder.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Rue Custine i Montmartre
Custine Street går ned til foden af højen og giver Utrillo et perspektiv af successive facader. Omkring 1910 brugte han dæmpede toner til at gøre hældningen og kulden af væggene følt. Et par silhuetter er nok til at måle skalaen uden at omdanne gaden til en livlig scene.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Atelier Theatre, Place Dancourt
Den nuværende Théâtre de l'Atelier, derefter Montmartre teater, lukker perspektivet af Place Dancourt. Utrillo husker hovedsageligt facaden og layoutet af korsvejen. Livet af et show forbliver off-kamera: maleri fokuserer på den måde, hvorpå et kulturelt sted passer ind i stoffet i kvarteret.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Den Røde Mur, Boulevard de la Chapelle
Den røde af væggen giver denne udsigt over Boulevard de la Chapelle en usædvanlig intensitet i Utrillos ofte hvide palet. Farven fungerer som et vartegn midt i gadens mineralske toner. Maleren viser således, at et simpelt facadeafsnit kan organisere et helt bylandskab.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Landskab af Céret
Soutine arbejdede i Céret mellem 1919 og 1922, støttet af Zborowski. Husene og bakkerne synes båret væk af et fælles fremstød, som om topografien åndede. Disse sydlige landskaber placerer deformationen og tykkelsen af nøglen i centrum af hans sprog.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Huse i et landskab
Omkring 1921 malede Soutine husene i Céret uden at respektere arkitekturens forventede stabilitet. Tage, træer og stier vipper i samme bevægelse. Landsbyen er ikke en trofast undersøgelse: den registrerer det fysiske indtryk af stejlt terræn.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Le Mas Passe-Temps, Céret
Mas Passe-Temps er et af de steder, som Soutine malede under sit catalanske ophold fra 1920 til 1921. Bygningen synes fanget i bevægende vegetation og jord. Stedets fredelige navn står i kontrast til lærredets spænding, hvor ingen linje synes at ville forblive lige.
Se maleriet →
André Derain
Big Ben
Ambroise Vollard sendte Derain til London i 1906 for at forny, på fauvist-manér, byen malet af Monet. Big Ben og parlamentet bliver orange og blå masser krydset med refleksioner. Derain kopierer ikke London-atmosfæren: han rekonstruerer den gennem modstand fra farver.
Se maleriet →
André Derain
Westminsterbroen
I London-serien bestilt af Vollard giver Westminster Bridge Derain en lang vandret struktur. Bådene og kysten er fordelt i livlige detaljer, som forenkler dybden. Themsen bliver mindre en tåge end et felt af aktive farver.
Se maleriet →
André Derain
Både i Collioure
I Collioure i løbet af sommeren 1905 tilbød bådene Derain enkle former, der allerede var skåret af vandet og kajerne. Det fremhæver deres skrog med rene toner og farverige skygger. Havnescenen bidrager direkte til fauvismens fødsel.
Se maleriet →
André Derain
Havnen i Collioure
Derain malede havnen i Collioure ved siden af Matisse i 1905. Husene, masterne og bakkerne er adskilt af berøringer, som nogle gange lader lærredet ånde. Topografisk troskab viger for varmen og rytmen på Middelhavsområdet.
Se maleriet →
André Derain
Hyde Park
Hyde Park hører til udsigten over London taget for Vollard. Derain behandler parken som et grønt modspil og åben for seriens broer og kajer. Rytterne, stierne og træerne forenkles, så farven organiserer selve gåturen.
Se maleriet →
André Derain
Faubourg de Collioure
I forstaden Collioure flytter Derain lidt væk fra havnen for at se på huse, stier og relieffer. Farverne følger ikke lydigt naturligt lys. De fordeler masserne og giver landsbyen en klarhed, der er mere konstrueret end beskrivende.
Se maleriet →Paris som laboratorium
Kubisme, fauvisme og orfisme
André Derain
London-bassinet
Denne udsigt over London-bassinet hører til kampagnen finansieret af Vollard i 1906. Skibene og dokkerne giver Derain mulighed for at kontrastere vandets agitation med byens blokke. De røde og blå ændrer et industrielt rum til en vild oplevelse.
Se maleriet →
Henri Matisse
Dansen
Den russiske samler Sergei Shchukin bestiller La Danse til trappen i hans Moskva-palads. Matisse tager runden op, der er skitseret i Le Bonheur de vivre, og reducerer den til fem røde kroppe på blå og grøn. I 1910 gav denne radikale økonomi bevægelsen en næsten rituel magt.
Se maleriet →
Henri Matisse
Luksus, ro og vellystighed
Titlen kommer fra Baudelaires Invitation til at rejse. Malet i 1904 efter et ophold i Saint-Tropez med Signac, bruger værket stadig neo-impressionismens delte strejf, men dets farver annoncerer allerede fauvisme. Matisse forvandler moderne fritid til et paradis bygget af farver.
Se maleriet →
Henri Matisse
Music
Shchukin kommanderer Musik som modstykke til Dans. De fem figurer, arrangeret uden dybde, synger eller spiller i et landskab reduceret til to farvede bands. Nøjsomheden i 1910 er overraskende: hvor Dans roterer, Musik stopper tiden og distribuerer lyd i rummet.
Se maleriet →
Henri Matisse
Det Røde Værksted
Matisse malede sit atelier i Issy-les-Moulineaux i 1911 for Shchukin, som i sidste ende nægtede lærredet. En kontinuerlig rød dækker vægge og gulv, mens møbler og malerier vises ved reservation. Længe misforstået, blev værket en stor reference for efterkrigstidens amerikanske malere.
Se maleriet →
Henri Matisse
Blå nøgen (hukommelse af Biskra)
Efter en nøgen skulptur brød i hans atelier, Matisse genoptog maleriet i 1907. Den blå krop, bevidst kantet, forvirrede offentligheden og endda forårsagede sin symbolske brænding under en amerikansk udstilling. Mindet om Algeriet bliver frem for alt en udfordring for klassisk anatomi.
Se maleriet →
Henri Matisse
Den røde vogn
Idriftsat som et dekorativt panel til Shchukin i 1908, var lærredet oprindeligt beregnet til at være blåt. Matisse dækker i sidste ende næsten hele overfladen med en ornamental rød, hvor bord og væg smelter sammen. Vinduet bevarer et ydre, men arabesken invaderer allerede det hjemlige rum.
Se maleriet →
Henri Matisse
Guldfisk
Matisse observerede krukker med guldfisk under sine rejser i Marokko og tog dette motiv op i 1912. Krukkens cirkel stabiliserer en komposition, hvor bordet synes at vippe. Det beskedne emne bliver en meditation over det rolige blik, farven og værkstedets rum.
Se maleriet →
Henri Matisse
Fransk vindue i Collioure
Malet i 1914 åbner dette franske vindue på et sort bånd, hvis radikalitet forbliver enestående for Matisse. Balkonen og skodderne indrammer et ydre, der er blevet næsten abstrakt. På tærsklen til krigen suspenderer værket passagen mellem indre og landskab.
Se maleriet →
Juan Grey
Pjerrot på guitar
I 1919 associerede Gris Pierrot med guitaren, et instrument, der er kendt for kubismen. Karakteren forbliver læsbar på trods af de sammenlåsende skud af kostumet og baggrunden. Efter krigsårene introducerede denne teaterfigur menneskelig melankoli i sin meget kontrollerede konstruktion.
Se maleriet →
Juan Grey
Violin
Malet i 1913, denne violin hører til den periode, hvor Gris klarlagt analytisk kubisme med skarpere former. Kurverne af instrumentet tjene som reference i midten af planerne. Objektet er ikke ødelagt ved analyse: det er rekonstrueret til at blive anerkendt anderledes.
Se maleriet →
Juan Grey
Harlekin på violin
Gris vendte tilbage til Harlekin i 1919 og betroede ham en violin, som for at samle teater og musik i samme figur. Skakbrættet af kostumet reagerer på de kubistiske opdelinger af rummet. Karakteren bevarer dog en tyngdekraft, der går ud over dekorativt spil.
Se maleriet →
Juan Grey
Harlekin på guitar
I dette maleri fra 1917 tilbyder Harlekin og guitaren Gris et netværk af diamanter, buede og lodrette. Figuren synes samlet med de samme midler som et stilleben. Den teatralske maske giver maleren mulighed for at indføre en menneskelig tilstedeværelse uden at opgive kubistisk stringens.
Se maleriet →
Juan Grey
Harlekin
Harlekinen fra 1918 vises efter krigens afsavn og forskydninger. Gris tager diamantkostumet op, et ideelt motiv til at artikulere kroppen i farverige skud. Bag kompositionens klarhed holder karakteren en skuespillers afstand mellem to scener.
Se maleriet →
Juan Grey
Siddende harlekin
I 1919 stillede Gris Harlekin i en stabil holdning, der bremsede kubistiske brud. Benene, torsoen og kostumet bygger en slags menneskelig arkitektur. Siddestillingen giver karakteren en tavs tyngdekraft væk fra den traditionelle farce.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Samtidige vinduer n°2
I 1912 brugte Delaunay vinduesmønsteret til at cirkulere farver uden at være afhængig af et centralt objekt. Fragmenterne af Eiffeltårnet og byen forbliver mærkbare, men kromatisk samtidighed styrer nu rummet. Apollinaire vil snart forbinde denne forskning med orfisme.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Eiffeltårnet
Delaunay malede Eiffeltårnet talrige gange fra 1909. I denne 1911 version, monumentet folder, fragmenter og synes observeret fra flere punkter på samme tid. Teknisk symbol på Paris, det bliver også den ideelle test af en moderne og mobil vision.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Cirkulære former
Fra 1913 opgav Delaunay næsten helt urbane motiver til fordel for farvede skiver. Cirkulære former giver anledning til bevægelse i nærheden af nuancer, uden klassisk perspektiv. Lys oplyser ikke længere objekter: det bliver selve emnet for maleri.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Samtidig disk
The Simultaneous Disc of 1912 -1913 fokuserer Delaunays forskning på farvekontraster. Cirklens sektorer går frem eller trækker sig tilbage afhængigt af deres intensitet. Dette autonome arbejde markerer overgangen fra vinduet og Eiffeltårnet til en fuldt kromatisk abstraktion.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Cardiff-holdet
Et pressefoto, der viser et rugbyhold, inspirerer til denne flotte komposition fra 1913. Delaunay blander sport, reklame, luftfart og Eiffeltårnet, som om hele byen opererede i samme tempo. Maleriet absorberer således massebilleder uden at give afkald på farverige eksperimenter.
Se maleriet →Efter manifesterne
En kosmopolitisk modernitet
Robert Delaunay
Vindue med orange gardiner
I 1912 indrammede orange gardiner stadig et vindue, men det ydre blev nedbrudt til lysende planer. Delaunay bruger dette overgangsmønster til at opretholde en forbindelse med byen, mens han giver initiativ til farve. Den virkelige åbning bliver en åbning af blikket.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Selvportræt
Omkring 1918 skildrer Soutine sig selv med et stramt ansigt, store ører og et mistænkeligt udtryk. Selvportrættet søger hverken elegance eller bohemefortælling. Det viser en ung maler, der ankom fra det russiske imperium, stadig fattig, som gør sit eget udseende til et materiale så ustabilt som sine landskaber.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Appelsiner på grøn baggrund
Omkring 1916 placerede Soutine appelsiner mod en tæt grøn, som fik deres farve til at vibrere. Stilleben stammer fra dets vanskelige år i Paris, hvor små formater tilbød et tilgængeligt eksperimentfelt. Frugterne virker enkle, men deres balance forbliver bevidst nervøs.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Kvinde i rød bluse
Malet omkring 1923 -1924, denne kvinde i den røde bluse tilhører de portrætter af anonyme modeller, som Soutine behandler med lige så meget opmærksomhed som hendes lånere. Beklædningen giver sin farverige ramme til maleriet. Stillingen indeholder en diskret forlegenhed, som materialet forstærker uden karikatur.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Bordet
Omkring 1923 gjorde Soutine bordet til et skråtstillet rum, hvor genstande og mad syntes truet af at glide. De røde og hvide bevarer mindet om store gamle stilleben. Det ustabile perspektiv forvandler dog tradition til umiddelbar fysisk oplevelse.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Den gamle mand med knyttede hænder
Denne gamle mand malet omkring 1940 tilhører de sidste år af Soutine, præget af sygdom og snart af antisemitisk forfølgelse. De sammenklappede hænder koncentrerer en stor del af udtrykket. Modellen er ikke reduceret til hans alder: hans kropsholdning bevarer en rastløs værdighed.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Stilleben på violin, brød og fisk
Omkring 1922 samlede Soutine en violin, brød og en fisk i en komposition, hvor hvert objekt syntes at have sin egen spænding. Instrumentet minder om bohemens musikkultur, mens maden bringer hverdagen tilbage. Den tykke berøring forhindrer det hele i at blive en simpel opgørelse.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Idioten
Den gamle titel på dette lærred, malet omkring 1920, bruger nu dateret ordforråd til at udpege en sårbar model. Soutine behandler det dog ikke som en nysgerrighed. Frontalansigtet og det mørke tøj pålægger en individuel tilstedeværelse, pinligt for tidens sociale konventioner.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Ung kvinde i hvid frakke
Omkring 1922 -1923 gav den hvide pels Soutine et stort overfladeareal, hvor folder og skygger nærmest blev et landskab. Ansigtet forbliver mere behersket end tøjet. Denne dissociation giver modellen en skrøbelig tilstedeværelse midt i et meget aktivt billedmateriale.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Gård pige
Malet omkring 1919, sandsynligvis i begyndelsen af Céret-perioden, tilhører denne unge landarbejder de beskedne modeller, som Soutine foretrækker. Outfittet og hænderne undgår enhver maleriskhed. Maleren får dig til at føle dig træt og reserveret uden at omdanne figuren til en social illustration.
Se maleriet →
Suzanne Valadon
Glæden ved at leve
I 1911 samlede Valadon flere nøgenbilleder i et landskab og gav maleriet en titel, som Matisse allerede havde gjort berømt. Hans tilgang forbliver dog mere jordisk: kroppe har vægt, og forholdet mellem figurer forbliver tvetydigt. André Utter fungerer som en mandlig model i centrum af denne meget personlige scene.
Se maleriet →
Suzanne Valadon
Selvportræt
Valadon malede sig selv i 1927, ved toogtres, uden at slette tidens tegn. Frontalansigtet og det nøgterne tøj afviser det ceremonielle selvportræt. Den tidligere akrobat og model hævder simpelthen malerens status, som hun byggede mod mange forhindringer.
Se maleriet →
Suzanne Valadon
Portræt af Maurice Utrillo
I 1921 malede Valadon sin søn Maurice Utrillo, som var blevet en anerkendt kunstner, efter år præget af alkohol og kriser. Familiebåndet blødgør ikke observationen. Portrættet bevarer den nødvendige afstand til at vise en voksen mand lige så meget som en vanskelig moderhistorie.
Se maleriet →
Suzanne Valadon
André Utter og hans hunde
André Utter, tidligere model og derefter mand til Valadon, dukkede op her i 1932 omgivet af sine hunde. Den hjemlige scene kommer på et tidspunkt, hvor deres forhold forværres. Dyrene introducerer en levende fortrolighed, mens Utters kropsholdning opretholder en vis adskillelse.
Se maleriet →
Fernand Léger
Kvinden i blåt
I 1912 byggede Léger denne kvinde med cylindriske volumener, som nogle gange gav hende etiketten "tubisme". Blå forener figuren uden at maskere pauserne i planerne. Den menneskelige krop bliver terrænet, hvor maleren konfronterer kubisme, farve og mekanisk fornemmelse.
Se maleriet →
Fernand Léger
Byen
Malet i 1919 efter oplevelsen af fronten, The City samler trapper, bogstaver, silhuetter og mekaniske fragmenter. Léger beskriver ikke en bestemt gade: han rekonstruerer det visuelle chok af den moderne metropol. De flade områder giver denne tumult en næsten arkitektonisk læsbarhed.
Se maleriet →
Fernand Léger
Mekaniske elementer
Malet i 1920 fortsatte de mekaniske elementer Légers fascination af maskiner opdaget med ny brutalitet under krigen. Stempler, skiver og rør er isoleret fra enhver specifik funktion. Deres farve og skarphed gør dem til aktører i en rekonstrueret verden.
Se maleriet →
Fernand Léger
The Alarm Clock
I 1914 tillod et simpelt vækkeur Léger at kombinere hverdagsgenstande og kubistisk ordforråd. Skiverne og fjedrene reagerer på dets cylindriske former. På tærsklen til mobiliseringen annoncerede den lille indenlandske maskine allerede den betydning, som kunstneren ville tillægge den mekaniske verden.
Se maleriet →
Francis Picabia
Edtaonisl (kirkelig)
Picabia malede Edtaonisl i 1913, da hans titler blev lige så gådefulde som hans former. Ordet kunne kombinere navne eller private minder, uden at give en definitiv nøgle. De sammenlåsende kurver fremkalder en bevægende figur, mens de nægter en stabil læsning.
Se maleriet →
Francis Picabia
Fang som Fangstkan
Den engelske titel refererer til en kampform, hvor næsten alle hold er tilladt. I 1913 oversatte Picabia denne idé til cirkulære kræfter og planer, der syntes at gribe hinanden. Værket hører til dets abstrakte periode, lige før mekaniske billeder tog over.
Se maleriet →En skabelsens geografi
Værksteder, caféer, købmænd og passagesteder
Mobilitet er kernen i Paris-skolen. Kunstnere ankommer med forskellige sprog, træning og minder. Mange mødes i akademier, hvor undervisningen er friere end i officielle institutioner. Caféer tjener som kontorer, lounger og undertiden tilflugtssteder; portrætter cirkulerer som tegn på venskab eller anerkendelse.
Købmænd spiller en afgørende rolle. Paul Guillaume støtter Modigliani og Soutine; gallerier giver synlighed til stadig usikre malere; samlere omdanner gradvist et marginalt miljø til et stort kapitel af moderne kunst. Denne anerkendelse sletter imidlertid hverken fattigdommen eller antisemitismen, som ramte mange immigrantkunstnere, indtil forfølgelserne af Anden Verdenskrig.
Landskabet udvider dette kort yderligere. Céret tilbyder Soutine et mineral og plaget materiale; Collioure afslører for Matisse og Derain et lys, der tillader al vovemod; London bliver for Derain et farverigt svar på Monet. Paris forbliver centrum, men dets energi næres konstant af afgange og retur.
Populære gader, kabareter og mure: Utrillo gør det til et malet minde om den øvre by.
Workshops, akademier og caféer samler kunstnere, modeller, forfattere, købmænd og eksil.
En billig by af kunstnere, hvor flere figurer af kosmopolitisk modernitet mødes.
To sydlige laboratorier, hvor landskab, lys og farve flytter de regler, man lærte i Paris.
Valget af maling
Olie som fælles sprog
Korpuset samler kun oliemalerier, på lærred eller på panel. Dette smalle valg gør det muligt at følge, hvad hver kunstner gør med det samme medie: Modigliani fortynder materialet til fordel for linjen, Soutine fortykker det, indtil mønsteret skælver, Utrillo giver det den pulveragtige opacitet af en væg, Matisse og Derain anvender det i lyse områder.
Grafiske værker, pasteller, blæk, tryk, fotografier og collager er blevet udelukket. I Juan Gris, hvis kubistiske praksis undertiden kombinerer limet papir, grafit eller trækul, bevarer udvalget malede olier som portrætterne af Pierrot og Harlekin. Denne materielle sammenhæng standardiserer ikke malerierne: Tværtimod gør det deres forskelle mere synlige.
0 kommentarer