Top 100 - Musée d'Orsay: mesterværker
Top 100 berømte mesterværker fra Musée d'Orsay at se
Fra Manet, Monet og Degas til Van Gogh, Cézanne, Gauguin, Seurat og Matisse: hundrede malerier til at udforske Orsay uden at reducere museet til impressionisterne alene
Moderniteten ankommer til stationen
Hundrede mesterværker, ingen tog at fange
Installeret i den tidligere Orsay station, museet samler de årtier, der adskiller Courbets realistiske revolution fra de første abstraktioner. Ruten er ikke begrænset til impressionisme: maleri akademisk, naturalisme, symbolik, Pont-Aven skole, Nabis og udenlandske perspektiver giver os mulighed for at forstå Salonens kampe lige så meget som opfindelserne af farve. Disse hundrede værker fortæller historien om deres tid gennem deres modeller, deres kommissioner, deres skandaler og de til tider forbløffende stier, der førte dem til de nationale samlinger.
Orsay samler en æra, hvor byer, billeder og fritid accelererede. Heldigvis bliver malerierne ved kajen længe nok til, at vi virkelig kan se på dem.Skift til billeder
Arbejder i billeder
De mest berømte værker åbner ruten med blå nætter, skandaler, bolde og et par udseende, der er umulige at undvige.
#1
Stjerneklar nat på Rhône
Van Gogh malede Rhône ved Arles i september 1888, kort efter installationen af Det Gule Hus. Gasgadelamperne reflekteres i vandet, mens Big Dipper skinner over et lille par. Præsenteret for de uafhængige i 1889 går maleriet forud for Saint-Rémys Stjernenat og viser allerede, hvordan kunstneren gør et observeret landskab til en følelsesmæssig arkitektur af blåt og guld.
Se produkt →
#2
Olympia
Olympia blev udstillet på Salonen i 1865, to år efter dens oprettelse. Victorine Meurent spiller en parisisk kurtisane, der modtager en buket fra en klient, serveret af Laure, mens en sort kat erstatter den trofaste hund fra Venus fra Urbino. Offentligheden har svært ved at støtte den mytologiske nøgen, der bringes tilbage til nutidig handel og understøtter dens blik uden den mindste dampende undskyldning.
Se produkt →
#3
Frokost på Græsset
Ved Salon des Refusés i 1863 placerede Manet en nøgen kvinde blandt to mænd klædt på under en udendørs frokost. Positurerne låner fra Raphaël og til de venetianske mestre, men modellerne, tøjet og kurven tilhører det moderne Paris. Bruddet kommer fra dette teleskop: kunsthistorien citeres med præcision, og fratages derefter den afstand, som gjorde det behageligt.
Se produkt →
#4
Galettemølle kugle
I 1877 præsenterede Renoir denne store Montmartre festival malet i haven af Moulin de la Galette. Hans venner poserer blandt danserne, arbejderne og stamgæsterne, under et lys filtreret af træerne. Indtrykket af et øjebliksbillede er baseret på en streng organisering af grupper; DEN maleri bevarer således varmen fra en populær søndag uden at miste soliditeten i et kollektivt portræt.
Se produkt →
#5
Arrangement i grå og sort n° 1, portræt af kunstnerens mor
Whistler malede sin mor Anna i 1871 i sit London-atelier, efter at den oprindelige model havde misset udnævnelsen. Han gav værket Arrangement titlen i gråt og sort for at understrege dets harmonier frem for familiehistorien. Denne stramme profil blev erhvervet af den franske stat i 1891 og blev paradoksalt nok et universelt ikon for moderskabet, langt ud over malerens formalistiske hensigter.
Se produkt →
#6
Verdens oprindelse
Courbet skabte The Origin of the World i 1866 for den osmanniske diplomat Khalil-Bey, samler af erotiske billeder. Længe skjult bag gardiner eller andre malerier, værket passerer især gennem samlingen af psykoanalytikeren Jacques Lacan, før de går ind i Orsay i 1995. Dens radikale indramning udelukker ansigt og historie, direkte konfronterende maleri, modellens ønske og identitet.
Se produkt →
#7
Malerværkstedet
I centrum af sit Værksted maler Courbet sig selv, der arbejder på et landskab, omgivet til venstre af den sociale verden og til højre af venner, kritikere og lånere. Afvist af juryen for Verdensudstillingen i 1855, vises denne enorme "rigtige allegori" i sin Realismens Pavillon. Hans arbejdsplads bliver således den politiske og æstetiske vurdering af syv års karriere.
Se produkt →
#8
En begravelse i Ornans
Med En Begravelse i Ornans, Courbet giver en provinsiel ceremoni de dimensioner, der er forbeholdt gamle eller religiøse historie. Indbyggerne i hans hjemby udgør liv-størrelse omkring en åben pit, uden en central helt eller idealisering. Præsenteret i 1850, denne monumentale lighed chokerede Salon og blev en af manifesterne af fransk realisme.
Se produkt →
#9
Gleaners
Hirse viser tre kvinder, der samler ørerne tilbage efter høsten, retten til underhold givet til de fattigste. På Salonen i 1857 bekymrede deres buede kroppe og deres skala visse kritikere, der stadig var præget af sociale revolutioner. Maleren hverken dramatiserer eller sentimentaliserer værket: han giver det en varig tilstedeværelse i lyset af høstens lysende overflod.
Se produkt →
#10
Angelus
Et bondepar afbryder deres opgave for at bede til lyden af Angelus. Hirse arbejdede på scenen mellem 1857 og 1859, derefter gjorde dens enorme spredning gennem gravering det til et velkendt billede i hele Europa. Dalí ville senere mistænke et barns kiste under kurven, en omstridt læsning, men afsløring af den gådefulde kraft erhvervet af dette minuts stilhed på landet.
Se produkt →
#11
Parkethøvl
Planerne blev nægtet på Salonen i 1875 derefter præsenteret med impressionisterne det følgende år. Caillebotte viser tre arbejdere, der stripper parketgulvet i en borgerlig lejlighed, deres arme og værktøj reagerer på gulvets lange lameller. Det moderne erhverv modtager en anatomisk undersøgelse og et format, der hidtil er forbeholdt ædle emner; realisme kommer ind i rummet ved bogstaveligt talt at fjerne lakken.
Se produkt →
#12
Danseklassen
Degas maler Jules Perrot, der leder en elev, omgivet af dansere, der venter, strækker eller retter deres outfit. Takket være sine forbindelser på Operaen kender han den daglige side af balletten og foretrækker gentagelse frem for scenens triumf. DEN maleri bringer ind i museet den disciplin, træthed og nedetid, der er nødvendig for en nåde, der tidligere syntes uden arbejde.
Se produkt →
#13
På en café, sagde L'Absinthe
I caféen i New Athens poserer skuespillerinden Ellen Andrée og gravøren Marcellin Desboutin foran et glas absint. De afskårne borde, det skumle spejl og tomheden mellem dem opbygger en fælles ensomhed. Da værket blev vist i London i 1893, fremkaldte det en moralsk debat om alkohol; Frem for alt havde Degas malet den mulige afstand mellem to mennesker, der sad næsten side om side.
Se produkt →
#14
Valmuer
Monet udstillede Coquelicots under den første impressionistiske demonstration i 1874. Camille og deres søn Jean dukkede op to gange på Argenteuil skråningen, øverst derefter i forgrunden, hvilket tyder på deres fremskridt. De røde nøgler forbinder stadierne af gåturen og giver landskabet et tidsmæssigt mål, der er så simpelt som det er effektivt.
Se produkt →
#15
Saint-lazare Station
I 1877 fik Monet tilladelse til at arbejde i Saint-Lazare station og malede tolv visninger af sine perroner og glastag. Dampen fra lokomotiver absorberer rammer, passagerer og lys, og omdanner industrien til en atmosfære. Flere versioner blev vist på den impressionistiske udstilling samme år: moderniteten passerede ikke længere kun foran maleren, den kom larmende ind i hans midlertidige atelier.
Se produkt →
#16
Fifre
Manet malede en ung musiker fra den kejserlige garde i 1866, sandsynligvis inspireret af Velazquez' spanske fife. Drengen skiller sig ud mod en næsten tom baggrund, uden jord eller dybde, som et spillekort i naturlig størrelse. Afvist af Salonen bekræfter lærredet, at en moderne uniform og en maleri plade kan holde formatet af det officielle portræt uden at kræve militær dekoration.
Se produkt →
#17
Magpie
La Pie, der er malet nær Étretat i løbet af vinteren 1868-1869, placerer en lille fugl på en barriere midt i et snelandskab. Monet konstruerer hvid med blå, lilla og gule skygger, en løsning, som Salonjuryen nægtede i 1869. Lærredet er blevet en af hans mest berømte vintre: en enorm stilhed, afbalanceret af et par sorte ben.
Se produkt →
#18
Kvinder i haven
For at male dette lærred på mere end to meter i det fri graver Monet en rende for at sænke den øverste del, efterhånden som arbejdet skrider frem. Camille poserer for flere af de fire kvinder, klædt efter moderne mode. Afvist på Salonen i 1867 gjorde værket ikke desto mindre den hvide kjole, skygger og haven til et monumentalt emne allerede før impressionismens officielle fødsel.
Se produkt →
#19
The Balcony
Balkonen genforenes Berthe Morisot, Fanny Claus og Antoine Guillemet bag en grøn balustrade. Manet bruger et motiv af Goya men erstatter den forventede samtale med tre ensomheder: hver figur ser andre steder. Præsenteret på Salonen i 1869, maleriet foruroliger med sine ærlige kontraster og med denne verdslige scene, hvor fysisk nærhed ikke producerer nogen synlig udveksling.
Se produkt →
#20
Kirken Auvers-sur-Oise, set fra apsis
Van Gogh malede kirken Auvers i juni 1890, et par uger før hans død. Den gotiske bygning deformeres under en dyb blå himmel, mens to stier går rundt om apsis og en kvinde går væk. Det virkelige monument bliver næsten levende, ustabilt mellem skygge og lys; landskabet i Île-de-France tager den indre spænding, som kunstneren tidligere havde givet til provencalske nætter.
Se produkt →
#21
Selvportræt
Dette selvportræt fra september 1889 blev malet på Saint-Rémy asyl efter en ny krise. Van Gogh viser sig i en jakke, foran en baggrund af blå ruller, som synes at forlænge rytmerne i hans ansigt. Han sender værket til sin bror Theo som bevis på at vende tilbage til arbejdet; billedet bekræfter mindre en stabil identitet end en klar indsats for at genopbygge sig selv gennem det maleri.
Se produkt →
#22
Kortspillere
Cézanne producerede fem versioner af The Card Players mellem 1890 og 1895, med bønder fra familiens ejendom som modeller. Lærredet i Orsay reducerer scenen til to tavse mænd, et bord og en flaske. Enhver værtshus anekdote forsvinder: kroppe, hatte og nedslåede blikke bliver vejet mængder, samlet i en del, hvoraf ingen afgørende bevægelse vises.
Se produkt →
#23
Van Goghs værelse i Arles
Van Gogh malede tre versioner af sit værelse på Det Gule Hus i Arles. Det af Orsay, udført i 1889 i Saint-Rémy efter forringelsen af det første lærred, husker sengen, stolene, portrætterne og de farvede vægge. Det bevidst skrå perspektiv beskriver ikke et simpelt interiør: det afspejler ønsket om et roligt tilflugtssted, som livet sammen med Gauguin ikke formåede at garantere.
Se produkt →
#24
Æbler og appelsiner
Æbler og appelsiner hører til Cézannes store sene stilleben. Frugterne, dugen, kanden og pladerne er arrangeret fra flere synsvinkler, til prisen for et bord, hvis geometri nægter at forblive rimelig. Kunstneren søger mindre illusionen om et måltid end balancen mellem masser og farver; denne konstruerede ustabilitet vil dybt nære kubisterne.
Se produkt →
#25
Kvinder fra Tahiti
Malet kort efter Gauguins ankomst til Tahiti i 1891 sidder to kvinder på en strand, den ene i profil, den anden overfor offentligheden. Deres holdninger er rolige, men tilbydes ikke, mens pareos, sand og hav forenkles til store farvede områder. Værket hører til kunstnerens koloniale og imaginære projekt, som skal læses med skønheden i maleri og magtrelationerne i dens kontekst.
Se produkt →Boulevarder, værksteder, caféer, shows og nærliggende landskaber fortæller historien om et samfund, der ændrer tempo.
#26
Venus' fødsel
Cabanel præsenterede Venus fødsel på Salonen i 1863, hvor Napoleon III købte den til sin samling. Gudinden flyder på bølgerne i en glat positur, omgivet af putti, præcis det år, hvor frokosten på græsset afvises. Akademisk succes og moderne skandale er derfor ikke to på hinanden følgende epoker: Orsay giver os mulighed for at se dem født side om side.
Se produkt →
#27
Berthe Morisot med en buket violer
Manet maling Berthe Morisot i 1872, kort efter Kommunen, klædt i sort og holder en lille buket violer. Den lyse baggrund og hurtige berøring fokuserer al opmærksomhed på modellens mørke øjne. En maler, der er anerkendt lige så meget som en muse af Manet-følget, bevarer Morisot her en intellektuel tilstedeværelse, som modstår rent romantiske læsninger af deres forhold.
Se produkt →
#28
Argenteuil-broen
I 1874 associerede Pont d'Argenteuil nyere infrastruktur med sejlbåde i et fritidsbassin. Søjler, master og huse danner rammen, mens vandet fragmenterer deres refleksioner i små detaljer. Monet vælger ikke mellem industri og landskab: han maler de moderne forstæder på et tidspunkt, hvor jernbaner, promenader og navigation deler samme horisont.
Se produkt →
#29
London, Parlamentet. Solhul i tågen
Fra Saint-Thomas hospital observerede Monet London-parlamentet mellem 1899 og 1901 i Themsens tåge, og tog derefter malerierne op i Giverny. I denne version krydser et hul i solen tågen og næsten opløser arkitekturen. Den politiske bygning bliver en meteorologisk begivenhed; dens berømte silhuet eksisterer kun til lysets rytme.
Se produkt →
#30
Rue Montorgueil, i Paris. Festival af 30. juni 1878
Den 30. juni 1878 blev rue Montorgueil dækket med flag til en fest knyttet til Verdensudstillingen. Monet maler scenen fra et vindue, forvandler menneskemængde og tricolor til kontinuerlig bevægelse mellem facaderne. Uden officielle ordrer eller portrætter af dignitærer, den maleri fatter fejring som et urbant fænomen, når selve gaden bliver hovedarrangør af billedet.
Se produkt →
#31
Kvinde med parasol vendt mod højre
I 1886 fik Monet Suzanne Hoschedé til at posere på en ø i Seinen i Giverny og malede to næsten tvillingeudsigter, drejet til højre og derefter til venstre. Figuren fungerer som et fast punkt, mens slør, kjole, græs og skyer registrerer vinden. Præsenteret sammen danner malerierne ikke to portrætter, men en oplevelse af variation omkring en silhuet i luften.
Se produkt →
#32
Kvinde med paraply drejet til venstre
Denne anden Kvinde med Paraply vender orienteringen af Suzanne Hoschedé og modificerer himlen, skyggerne og græssets hældning. Monet tog således i 1886 op princippet om Promenaden malet elleve år tidligere med Camille, der døde i 1879. Parret forener familiens hukommelse og serieforskning: en velkendt gestus vender tilbage, men personen og lyset har ændret sig.
Se produkt →
#33
Regattaer i Argenteuil
Argenteuil-regattaerne tilbyder Monet et motiv, hvor både, huse og refleksioner deler Seinens glans. Lærredet blev malet omkring 1872 og går forud for den impressionistiske gruppes offentlige bekræftelse, men har allerede det bevægende præg. Den nye nautiske fritidsaktivitet, der blev gjort tilgængelig med tog, blev et moderne landskab snarere end en simpel sportsscene.
Se produkt →
#34
De røde tage, landsbyhjørne, vintereffekt
I Pontoise i 1877 indrammer Pissarro en landsby mellem nøgne stammer og vintermarker. De røde tage fremstår i fragmenter, indlejret i relieffet i stedet for at danne et panorama. Værket, der vises i den tredje impressionistiske udstilling, bekræfter værdien af almindelig landlig arkitektur og afslører malerens frugtbare udvekslinger med Cézanne.
Se produkt →
#35
Oversvømmelsen i Port Marly
Oversvømmelsen i 1876 forvandlede Port-Marly til en landsby ved søen. Sisley placerer vinhandlerens hus i centrum, mens vej, facader og himmel afspejles i næsten roligt vand. Han maler flere tilstande af oversvømmelsen; snarere end en spektakulær katastrofe viser denne version et dagligliv midlertidigt omorganiseret af både.
Se produkt →
#36
Svingen
I haven på rue Cortot malede Renoir en ung kvinde i 1876 nær en gynge, omgivet af venner og et barn. Scenen deler indretning og modeller med Moulin de la Galette, men indsnævrer festen til usikker samtale. Solpletter på kjole og gulv bliver den virkelige bevægelse af maleri.
Se produkt →
#37
Dans i byen
Danse à la ville tilhører en trio bestilt af Paul Durand-Ruel i 1883. Suzanne Valadon og Paul Lhote udvikler sig i et verdsligt interiør, forenet af den hvide kjols elegante vertikal. Overfor Danse à la campagne, friere, viser værket, hvordan den samme boldgest ændrer sig afhængigt af stedet, kostumet og de sociale regler.
Se produkt →
#38
Landdans
For Danse à la campagne poserer Aline Charigot og Paul Lhote på en terrasse animeret af faldne hatte og briller. Den røde kjole, smilet og den cirkulære bevægelse modsætter sig en spontan varme til Danse à la villes tilbageholdenhed. Renoir maler ikke kun to danse: han sammenligner to sociale måder at bebo nærhed på.
Se produkt →
#39
Unge piger ved klaveret
I 1891 bestilte Staten et billede fra Renoir til Luxembourg Museum. Efter flere undersøgelser og versioner blev Young Girls at the Piano accepteret i 1892 og markerede sin officielle anerkendelse. De to teenagere, den ene spiller og den anden læser, tillod maleren at kombinere genopdaget tegning, smidig farve og borgerlig intimitet.
Se produkt →
#40
Kattedrengen
Omkring 1868 malede Renoir en nøgen ung mand, der holdt en kat til sin skulder. Modellen forbliver ukendt, og fraværet af en mytologisk historie gør mandlig nøgenhed usædvanlig for tiden. Krop, dyr og gardin konstruerer et intimt studie, længe mindre berømt end malerens kvindeportrætter, men afgørende for at forstå friheden i hans begyndelse.
Se produkt →
#41
La Famille Bellelli
Degas starter der Famille Bellelli under et ophold i Firenze med sin tante Laura, hendes mand Gennaro og deres døtre. Udseendet, møblerne og kropspositionerne afslører en ægteskabelig spænding, som det store format ikke søger at løse. Denne familiescene er afsluttet over flere år og forener ambitioner om historiske portrætter og næsten nådesløs psykologisk observation.
Se produkt →
#42
Operaorkestret
I forgrunden maler Degas sin fagottistven Désiré Dihau og Operamusikerne; danserne er skåret over dem ved scenekanten. Omkring 1870 giver denne inversion ansigter til dem, som offentligheden normalt hører uden at se på dem. Orkestret bliver et kollektivt portræt, mens balletten ikke bliver andet end en frise af lysende ben.
Se produkt →
#43
Foyer de la danse i Operaen på rue Le Peletier
Foyeren på rue Le Peletier vises som arbejdsplads: ballerinaer ved roret, mester stående og grupper venter. Degas kender netop det gamle Operahus, ødelagt af brand i 1873, men rekonstruerer frit hver scene. Den skrå dybde giver plads til de prøver og pauser, som går forud for den offentlige forestilling.
Se produkt →
#44
The Racecourse. Amatørjockeyer i nærheden af en bil
Degas fulgte væddeløb fra 1860'erne, tiltrukket af heste, hastighed og holdninger før afgang. Her arrangeres amatørjockeyer og bil på åben grund, hvor handlingen stadig synes suspenderet. Kunstneren undgår det heroiske øjeblik af sejr; ventetiden, forberedelserne og fragmenteringen af gruppen tilbyder det en mere kompleks modernitet.
Se produkt →
#45
The Cradle
Berthe Morisot viser sin søster Edma våge over sin datter Blanche bag et vuggeslør. Udstillet i 1874 med impressionisterne, undslipper denne barsel sentimentalisme gennem geometrien af armene, gardinet og udseendet. DEN maleri bevarer den tavse opmærksomhed fra en daglig gestus og den fine afstand, der er nødvendig for at beskytte søvnen.
Se produkt →
#46
Ung kvinde i balkjole
Morisot malede en ung kvinde klædt til ballet i 1879, men huskede øjeblikket før eller efter aftenen frem for rummets glans. Blomster, vifte, kjole og baggrund samles i et let strejf, der lader visse områder stå åbne. Det verdslige portræt bliver således en oplevelse af skrøbelig tilstedeværelse, langt fra visheden om officielt kostume.
Se produkt →
#47
Rue Royale Circle
James Tissot samlede tolv medlemmer af Cercle de la rue Royale i 1868 på balkonen i deres parisiske klub. Hver aristokrat eller storborgerlig er identificerbar, især den unge prins af Polignac. Denne kollektive orden fungerer som et tidligt socialt fotografi: tøj, stillinger og afstande indikerer et hierarki, som fælles elegance ikke er nok til at afskaffe.
Se produkt →
#48
En loge for italienere
Studerende og model af Manet, Eva Gonzalès malet i 1874 en kvinde i et omklædningsrum på Théâtre-Italien. Hans søster Jeanne poserer foran en buket, kikkert og et spejl, som forlænger rummet. Arbejdet dialoger med omklædningsrummene i Renoir og Cassatt, men bekræfter en feminin vision af showet, hvor modellen indtager det offentlige rum uden at blive et simpelt tilbehør til det mandlige publikum.
Se produkt →
#49
Tage under sneen, Paris
Fra en høj etage malede Caillebotte Paris' tage dækket af sne i 1878. Pejse, vægge og grå himmel udgør en tavs geometri, næsten blottet for forbipasserende. Efter den livlige Rainy Time-gade suspenderer denne udsigt Haussmann-aktiviteten og afslører byen med dens overflader, der er mindst beregnet til at blive set på.
Se produkt →
#50
Hvid gelé
Pissarro malede en frostklar morgen i Pontoise i 1873. En bonde går på en hærdet sti, mellem hvidkalkede marker og fjerne huse, under koldt lys. Præsenteret i 1874 blev værket ironisk nok sammenlignet med maleri ridset; dets ru materiale svarer ikke desto mindre til terrænet og indsatsen fra den person, der krydser det.
Se produkt →Monet, Renoir, Sisley og deres naboer gør vejret til et rigtigt emne maleri.
#51
Den sårede mand
Courbet indleder Den sårede mand som et forelsket selvportræt omkring 1844, og modificerer det derefter efter et brud: Kvinden forsvinder, og et blodigt sår kommer til syne på brystet. Dateret retrospektivt fra 1844 bevarer lærredet derfor flere liv under overfladen. Den unge malers romantik bliver derfor en omarbejdet selvbiografi, hvor den personlige historie korrigeres direkte med en pensel.
Se produkt →
#52
Ørred
Courbet malede La Trouite i 1872 efter sin fængsling for sin rolle under Kommunen. Fisken fanget på krogen, stadig i live og dækket af blod, bærer en signatur ledsaget af det latinske ord "in vinculis", i kæderne. Dette stilleben læses som et symbolsk selvportræt: modstand, fangst og kvælning forenet i en flods mørke strøm.
Se produkt →
#53
Kilden
Ingres begyndte La Source i Firenze omkring 1820 og ikke fuldføre det indtil 1856, med værksted hjælp til indretningen. En ung kvinde holder en krukke, hvis vand flyder foran hendes frontale krop, blander en antik nøgen og allegori. Indtastning Orsay med den nationale samling, arbejdet opsummerer en ideel linje forfulgt i mere end tre årtier.
Se produkt →
#54
Venus' fødsel
Bouguereau præsenterer sin Venus fødsel på Salonen i 1879. Gudinden står på en skal omgivet af salamander, nymfer og kærligheder, i en anatomisk og perleagtig virtuositet, som strækker sig Raphaël lige så meget som Cabanel. Meget beundret og derefter længe foragtet af modernistisk historie, kanvassen i dag giver os mulighed for at forstå, hvad den akademiske offentlighed forventede af det store malede skue.
Se produkt →
#55
En hanekamp
Gérôme udstillede A Cockfight på Salonen i 1847, hvor unge grækere var vidne til duellen af to dyr. Arkæologien, de idealiserede kroppe og indretningens præcision gav ham tidlig succes. Under det gamle udseende leger scenen med begær, rivalisering og blik; den store historie viger for en omhyggeligt udklædt hjemlig episode.
Se produkt →
#56
Dekadencens romere
Thomas Couture præsenteret i 1847 en romersk orgie domineret af udmattede gæster, under blikket af gamle statuer og desillusionerede filosoffer. Emnet moraliserer Roms dekadence, men også rettet mod det franske samfund i julimonarkiet. Triumfen ved Salonen bekræfter, at politisk kritik undertiden går lettere, når hun bærer en toga.
Se produkt →
#57
Rolla
Rolla, inspireret af et digt af Alfred de Musset, viser den unge mand, der overvejer Marie, sovende efter en købt nat, før hendes selvmord. Salonen i 1878 fjernede værket for uanstændighed, på trods af fraværet af en eksplicit seksuel scene. Kasseret kjole, korset og morgenlys fortæller historien om parisisk prostitution gennem dens materielle spor, hvilket gør den mere nutidig end den tolererede akademiske nøgen.
Se produkt →
#58
Kain
I 1880 afslørede Cormon Kains eksil, dømt til at vandre med sin stamme efter mordet på Abel. Han omsætter den bibelske historie til en forestillet forhistorie, befolket af udmattede kroppe, børn og dyr. Den monumentale march afspejler det 19. århundredes interesse for menneskelig oprindelse og giver forbryderen et helt samfund, der skal trækkes ind i hans straf.
Se produkt →
#59
Drømmen
Værnepligtige, der sover i telte, drømmer om revolutionens og imperiets sejrrige hære. Detaille malede denne patriotiske vision i 1888 efter nederlaget i 1870, på et tidspunkt, hvor hævnen optog den nationale fantasi. Militære spøgelser krydser himlen som et løfte; herlig historie bliver den kollektive drøm om en ny hær.
Se produkt →
#60
1814, den franske kampagne
Meissonier repræsenterede Napoleon og hans stab under det franske felttog i 1814, under tung himmel og på en mudret vej. Kejseren er ikke længere den rungende vinder: bøjet over sin hvide hest rykker han frem blandt trætte officerer. Præsenteret i 1864 kondenserer maleriet militær fiasko i miniaturepræcision anvendt på en stor national myte.
Se produkt →
#61
Udgivelsen af Robert den fromme
Jean-Paul Laurens malede Robert den fromme og Constance af Arles alene i en kirke efter deres ekskommunikation for forbudt ægteskab. De slukkede stearinlys, scepteret på jorden og de tjenere, der flytter væk, materialiserer parrets isolation. På Salonen i 1875 blev middelalderhistorien en psykologisk scene om den politiske kraft i et religiøst ritual.
Se produkt →
#62
Harvester Pay
Lhermitte viser landbrugsarbejdere, der modtager deres løn i slutningen af dagen, under ledelseens myndighed. Præsenteret i 1882 observerer lærredet præcist ansigter, tøj og fagter uden at omdanne landskabet til en idyllisk ramme. Betaling udgør det fortællende centrum: landdistriktsarbejde fremstår som et økonomisk forhold lige så meget som som en cyklus af årstiderne.
Se produkt →
#63
Høet
I Les Foins sidder en udmattet bondekvinde med et tomt blik, mens en mand sover bag hende. Bastien-Lepage præsenterer værket på Salonen i 1878 og kombinerer naturalistiske detaljer, det udendørs og næsten fotografisk indramning. Hvile er ikke pastoral: den måler den træthed, som dagen efterlader i kroppen.
Se produkt →
#64
Nivernais ploveri
Rosa Bonheur modtog en statslig ordre i 1848 til at repræsentere pløjning i Nivernais. Tolv okser fremrykker parvis, styret af bønderne, i efterårets jord gengivet med kraftig præcision. Udstillet i 1849, den maleri dedikerer en kunstner, der direkte studerer anatomi og dyrearbejde, i en skala forbeholdt store historiske scener.
Se produkt →
#65
Den fattige fisker
En fisker står i en båd, hovedet bøjet, mens en kvinde og et barn forbliver på kysten. På Salonen i 1881 forvirrede forenklingen af former og den tavse fattigdom hos emnet offentligheden. Puvis de Chavannes giver dette famille en næsten hellig ubevægelighed; værket, der først blev angrebet, blev en vigtig kilde for symbolisterne.
Se produkt →
#66
Unge Piger ved havet
Tre unge kvinder besætter en kyst reduceret til et par strimler af himmel, hav og land. Puvis malede separate holdninger i 1879, uden eksplicit historie eller maleriske detaljer. Denne økonomi giver scenen den temporalitet af en gammel fresko; DEN maleri vil påvirke Nabis med sin rolige overflade og sin afvisning af spektakulær naturalisme.
Se produkt →
#67
Orfeus
En ung thraker holder Orfeus' hoved på sin lyre, efter hans mord af maenaderne. Moreau afslører det maleri på Salonen i 1866 og forvandlede rædsel til et meditativt møde mellem den unge kvinde og digterens ansigt. Klipper, skildpadder og dyrebare detaljer beriger myten med en symbolik, hvor kunsten fysisk overlever den person, der producerede den.
Se produkt →
#68
Galatea
Galatea fremstår nøgen i en havhule, observeret af cyklopen Polyfem, hvis øje dukker op blandt klipperne. Omkring 1880 kontrasterer Moreau nymfens næsten uvirkelige hvidhed med kæmpens mørke og mineralske verden. Mytologisk begær bliver en dekorativ og foruroligende vision, lavet af koraller, blomster og udseende, der aldrig mødes.
Se produkt →
#69
Krigen
Rousseau præsenterede Krigen mod de uafhængige i 1894, efter en lang afbrydelse i hans deltagelse. En bevæbnet rytter krydser et landskab dækket med kroppe, krager og knækkede træer. Inspireret af nylige konflikter og populære billeder opgiver allegorien al militær herlighed; hans sorte hest galopperer over en verden, som krigen allerede har tømt.
Se produkt →
#70
Slangeopladeren
Bestilt af Berthe Delaunay, The Snake Charm er malet i 1907. En mørk fløjtenist skiller sig ud foran månen, omgivet af slanger, fugle og vegetation opfundet fra Paris. Rousseau besøgte aldrig junglen, han beskriver; denne afstand giver ham mulighed for at gøre det til et mentalt landskab, mere musikalsk end dokumentarisk.
Se produkt →
#71
Talismanen, Aven ved Bois d'Amour
I 1888 inviterede Gauguin Paul Sérusier at male Bois d'Amour efter de farver, der føles frem for kopieret. Lavet på et lille panel, bliver The Talisman bevis for fremtidige Nabis, at et landskab kan overleve i form af gule, grønne, orange og blå pletter. Pont-Avens improviserede lektion opnår således en indflydelse, der er meget større end dens dimensioner.
Se produkt →
#72
Arearea
Arearea hører til Gauguins første tahitianske ophold. To kvinder indtager forgrunden, nær en rød hund, mens en gruppe tilbeder en opfundet statue bagpå. Titlen betyder glæde eller underholdning, men scenen kombinerer observation, minder og fabrikeret mytologi; billedet af Tahiti, der tilbydes den parisiske offentlighed, er allerede en personlig og kolonial konstruktion.
Se produkt →
#73
Den smukke Angela
Gauguin malede Marie-Angélique Satre, en kroejer fra Pont-Aven med tilnavnet Belle Angèle, i 1889 i en cirkulær ramme tæt på et japansk tryk. Den bretonske hovedbeklædning dialoger med en peruviansk statuette, der samler fjerne kulturer i portrættet. Modellen hader resultatet, et bevis på, at et innovativt værk ikke altid er den bedste måde at takke sin værtinde på.
Se produkt →
#74
Den hvide hest
Den Hvide Hest blev malet på Tahiti i 1898, selvom dyret fremstod grønt under vegetationens refleksioner. To nøgne ryttere bevæger sig væk blandt træerne og vandet, i et landskab bygget af kurver og flade områder. Apotekeren, der bestilte den maleri nægter det netop fordi hesten ikke er hvid; Gauguin mister salget, men bevarer et glimrende eksempel på ikke-beskrivende farve.
Se produkt →
#75
Portræt af kunstneren med den gule Kristus
Gauguin repræsenterer sig selv mellem to af sine værker: Den Gule Kristus og en antropomorf gryde. Malet omkring 1890-1891 samler selvportrættet martyren, skaberen og den groteske figur som tre sider af sin identitet. Mens han forbereder sin afgang til Tahiti, skaber kunstneren således sin egen legende som en misforstået maler, med en seriøsitet, som han selv sørger for iscenesættelsen.
Se produkt →Gauguin, Van Gogh, Bonnard og andre flytter den maleri mod hukommelse, sansning og formel opfindelse.
#76
Portræt af Eugene Boch
I Arles i 1888 malede Van Gogh Eugène Boch, en belgisk kunstner, han mødte i følget af Det Gule Hus. Han ønsker at male et portræt af en digter og placerer sit klare ansigt foran en dybblå stjernehimmel. Værket er beregnet til at færdiggøre et galleri af kunstnervenner og kombinerer lighed og symbolsk rolle, som om det drømte samfund allerede kunne eksistere på væggene.
Se produkt →
#77
Fritillaries kejserkrone i en kobbervase
Van Gogh malede disse fritillarer i Paris i 1887, kort efter hans kontakt med impressionisterne og japanske tryk. Orange blomster udspringer fra en kobbervase på en blå baggrund, modsat komplementære farver med ny intensitet. Stilleben bliver en hurtig prøveplads før landskaberne i Arles.
Se produkt →
#78
La Méridienne, kendt som La Sieste
I Saint-Rémy kopierede Van Gogh en gravering efter Millet i 1889-1890, der viser to bønder, der sover i nærheden af en møllesten. Han transponerer sort og hvid til gule, blå og lilla, uden at lede efter en reproduktion servile. La Sieste hylder landverdenens maler, mens han giver scenen den provencalske varme og personlige rytme i Van Goghs berøring.
Se produkt →
#79
Portræt af Doktor Gachet
Van Gogh malede doktor Paul Gachet i Auvers i juni 1890, og beskrev en mand så nervøs og melankolsk som ham. Rævehandsken placeret på bordet minder om hans erhverv, mens hovedet, der hviler på hånden, indtager en gammel holdning af sorg. Orsays version forblev i famille Gachet før hans donation til staten; lægen bliver den melankolske vogter af malerens sidste uger.
Se produkt →
#80
L'Arlésienne, Madame Ginoux
Marie Ginoux, protektor for Café de la Gare i Arles, poserede i november 1888 for Van Gogh og Gauguin. I Orsays version læner hun sig op ad et bord ved siden af bøger, isoleret af store gule og lyserøde områder. Portrættet går ud over den regionale type Arlesienne: træthed, værdighed og indre liv vises i en positur af tilsyneladende enkelhed.
Se produkt →
#81
Kvinden med kaffemaskinen
Kvinden med kaffemaskinen repræsenterer sandsynligvis en medarbejder i Cézannes familieejendom. Siddende frontalt er den bygget i store volumener, som reagerer på den cylindriske kaffemaskine og døren bag. Omkring 1890-1895 forvandlede portrættet et beskedent interiør til en monumental balance; ingen smiler, men hver form holder fast.
Se produkt →
#82
Marseillebugten set fra L'Estaque
Fra L'Estaque ser Cézanne ud over Marseille-bugten gennem fyrretræer. Hav, bakker og huse er bygget af farverige planer snarere end af et kontinuerligt luftperspektiv. Malet omkring 1878-1879 markerer denne udsigt sin afstand fra det impressionistiske præg og annoncerer forskningen i volumener, som vil fascinere Braque og Picasso.
Se produkt →
#83
Stilleben med løg
I dette sene stilleben placerer Cézanne løg, flaske, tallerken, kniv og stof på et bevidst ustabilt bord. Genstandene ses fra lidt forskellige vinkler, som om øjet havde bevæget sig under observationen. Maleren giver velkendte grøntsager en arkitektonisk tilstedeværelse; det ydmyge løg kommer ind i museet uden at skulle forklæde sig som et mytologisk granatæble.
Se produkt →
#84
Den hængte mands hus, Auvers-sur-Oise
Den hængte mands hus blev malet i Auvers-sur-Oise i 1873, da Cézanne arbejdede med Pissarro. Præsenteret på den første impressionistiske udstilling fandt den en køber trods kritik. Den stigende vej, de tykke mure og fraværet af karakterer giver landsbyen en særlig tæthed; under den lette berøring vises allerede en tungere og mere personlig konstruktion.
Se produkt →
#85
Cirkus
Cirkus forblev ufærdigt, da Seurat døde i 1891. Rytteren, hesten og akrobaten blev drevet af beregnede kurver og diagonaler, mens tilskuerne dannede næsten ubevægelige rækker. Den opdelte metode her står over for et hurtigt emne: videnskabelig farve skal følge tallet uden at miste balancen.
Se produkt →
#86
Poseuserne
Seurat malede Les Poseuses mellem 1886 og 1888 som svar på kritik af, at hans metode ikke kunne gøre kroppen menneskelig. Tre nøgenbilleder, i virkeligheden forskellige positurer af samme model, står i værkstedet foran Grande Jatte synligt på væggen. Værket skildrer sin egen produktion og konfronterer den langsomme pointillistiske konstruktion med modellens akademiske tradition.
Se produkt →
#87
Kvinder ved brønden
I Saint-Tropez i 1892 skildrer Signac to kvinder, der trækker vand fra et middelhavslandskab. Daglige gestus får en dekorativ dimension takket være separate berøringer og lyse farver. Værket transponerer neo-impressionisme uden for de parisiske forstæder og kombinerer arbejde, sydlys og idealet om et harmonisk liv.
Se produkt →
#88
Château des Papes i Avignon
Signac malede paladset for paverne i Avignon i 1900 fra den anden bred af Rhône. Den gotiske masse og broen er omkomponeret i lyserøde, orange, blå og gule berøringer, ifølge en opdeling, der er blevet bredere end ved Seurat. Middelaldermonumentet ophører med at være gråt: det bliver et soludbrud, hvis farver vandet strækker sig.
Se produkt →
#89
Sengen
To kvinder ligger i sengen, set tæt på under varme tæpper. Toulouse-Lautrec frekventerer bordeller og trækker øjeblikke af hvile, ventetid eller ømhed langt fra det mandlige skue. Omkring 1892 gav Le Lit denne intimitet en enkelhed uden anekdote; sovende kroppe deler et rum, som offentligheden ikke skulle besætte.
Se produkt →
#90
Dans på Moulin Rouge
Toulouse-Lautrec malede Valentin le Désossé i 1890 og lærte en danser et skridt på Moulin-Rouge, omgivet af identificerbare stamgæster. Det tomme parketgulv fremhæver bevægelsen, mens tilskuerne danner en social grænse. Før dens berømte plakater etablerede værket allerede kabareten som en moderne scene, hvor dans, berømmelse og offentlig observation blev skabt sammen.
Se produkt →
#91
Den hvide kat
Bonnard malede en hvid kat i 1894 med en uforholdsmæssig buet krop, aflange ben og et lillebitte hoved. Talrige forberedende tegninger viser, at han netop leder efter denne komiske forvrængning. Dyret virker både velkendt og heraldisk, dets gangart forvandlet til en arabesk; Nabi beviser, at en meget seriøs undersøgelse perfekt kan føre til en bevidst usandsynlig kat.
Se produkt →
#92
Hyldest til Cézanne
I 1900, Maurice Denis samler kunstnere og kritikere af Nabi-kredsen omkring Cézannes stilleben: Redon, Vuillard, Bonnard, Roussel, Sérusier m.fl. DE maleri de Cézanne bliver nærmest et levn i centrum for en kollektiv hyldest. Denne sekulære ceremoni dokumenterer overgangen fra en generation til en anden og det nu stiftende sted, som blev givet til mesteren af Aix.
Se produkt →
#93
Muserne
I 1893 omsatte muserne de gamle gudinder til en underskov inspireret af parken Saint-Germain-en-Laye. Kvinder klædt i moderne kjoler er fordelt fladt mellem de lodrette stammer, uden naturalistisk dybde. Bestilt som dekoration bekræfter værket Nabi-princippet, ifølge hvilket overfladeareal og rytme tæller lige så meget som historien fortalte.
Se produkt →
#94
Øjne lukkede
Omkring 1890 malede Redon et ansigt med sænkede øjenlåg svævende i et ubestemt rum. Inspireret af sin kone Camille fremkalder figuren søvn, meditation eller indre udseende. Efter år viet til sorte introducerer kunstneren her en meget behersket farve; den synlige verden falmer lige nok til at lade tanken optage maleri.
Se produkt →
#95
Apollo Tanken
Char d'Apollo vender tilbage flere gange i Redons sene arbejde, inspireret især af Delacroix. Solguden fører sine heste ind i midten af en sky af farver, konfronterer skyggens kræfter uden stabil dekoration. Omkring 1912 frigjorde pastel og olie fuldstændigt syn: myten tjente som et køretøj for farve, som allerede var en betydelig mission for en vogn.
Se produkt →
#96
Luksus, ro og vellystighed
I Saint-Tropez i 1904 malede Matisse en scene af badende ved at anvende Signacs delte berøring, men forstørre de farvede enheder. Titlen kommer fra Baudelaire, og middelhavslandskabet bliver et løfte om harmoni. Præsenteret i 1905 forbereder værket sig til fauvisme: farve begynder at forlade optisk observation for at antage mere musikalsk frihed.
Se produkt →
#97
Mølle i sollys
Mondrian malede denne mølle i 1908 under en sol, som opløste mursten, vinger og himmel i rød, gul og blå. Det traditionelle hollandske motiv fik en næsten gulbrun intensitet, længe før de neoplastiske gitre, som ville gøre den berømt. Orsays arbejde giver os mulighed for at se det øjeblik, hvor det virkelige landskab begynder at blive en autonom farvestruktur.
Se produkt →
#98
Sommernat
Winslow Homer malet sommernat i Prout's Neck, Maine, i 1890. To kvinder danser ved havet under månen, mens siddende figurer ser de hvide bølger ramme klipperne. Maleriet er erhvervet af den franske stat efter sin succes på verdensudstillingen og bringer Orsay en amerikansk vision, hvor natlig fritid og havets kraft forbliver tæt forbundet.
Se produkt →
#99
Lykkehjulet
Burne-Jones malede mellem 1875 og 1883 en passiv Fortune, der drejede sit hjul, hvortil konge, slave og digter er knyttet. Alle bliver lige før den mekaniske bevægelse af skæbnen, uanset deres tilstand. Kroppene inspireret af Michel-Ange og den kolde palet giver denne prærafaelitiske allegori en monumentalitet så smuk, som den er ubehagelig.
Se produkt →
#100
Carmencita
Sargent malede den spanske danser Carmen Dauset Moreno, kendt som La Carmencita, dengang berømt i New York i 1890. Hendes gule og hvide kjole, hendes løftede arme og hendes direkte blik koncentrerer energien i en forestilling uden at vise publikum. Præsenteret på Salon du Champ-de-Mars slutter maleriet sig til de franske samlinger og afslutter denne Orsay-rejse med en scenekunstner, der fuldt ud støtter sit eget show.
Se produkt →Hvad værkerne afslører
Hundrede værker, tre ansigter fra det 19. århundrede
Efter hundrede malerier fremstår Orsay som museet for en verden fanget mellem hest og lokomotiv, akademisme og avantgarde, balkjole og overalls. Moderniteten går ikke i en lige linje; hun foretrækker at skifte platform i sidste øjeblik.
Nutiden bliver historisk
En togstation, en danser eller en almindelig frokost får tyngdekraften, der engang var forbeholdt myter og konger.
Lys bliver en metode
Det oplyser ikke længere kun former: det organiserer farve, tid og fornemmelse.
Museet samler uenigheder
Realisme, impressionisme, akademisk og symbolisme modsiger hinanden, hvilket gør besøget meget mere interessant.
Tidslinje på sporet
Fem datoer for at deltage i Orsay
Den periode, samlingerne dækker, begynder på et tidspunkt, hvor kunst, politik og samfund går ind i en fase med dybtgående transformation.
Salon des Refusés afslører spændingerne mellem institutionen og kunstnere, der søger andre emner og andre former.
Monet, Degas, Renoir, Morisot og deres venner organiserede den første impressionistiske udstilling.
Orsay station åbner for Verdensudstillingen med sine ure og sit store metalskib.
Den gamle omdannede station åbnede som et museum dedikeret til kunsten fra 1848 til 1914.
Museet i dybden
Hvordan læser man denne Top 100 fra Musée d'Orsay?
Musée d'Orsay dækker hovedsageligt kunsten fra 1848 til 1914. Denne periode er ikke begrænset til impressionisme: gallerierne sammenligner Courbets realisme, Cabanels akademisme og Bouguereau, bastien-lepages naturalisme, Moreau og Redons symbolik, nabierne, neoimpressionismen og store udenlandske skoler.
Berømmelse er fortsat det første kriterium øverst på ranglisten. Olympia, Le Déjeuner sur l'herbe, Bal du moulin de la Galette eller La Nuit étoilée sur le Rhône er verdens vartegn. Men et besøg bygget udelukkende omkring disse ikoner ville få museets historiske rigdom til at forsvinde; de følgende rækker tjener derfor også variation.
Alle indgange er oliemalerier, herunder når støtten er træ eller pap. Dette valg udelukker bevidst de store pasteller i Degas og Redon, som fortjener en separat tur, samt grafiske værker, fotografi og skulptur.
Klassifikationen er ikke en siddeplan. Hængning, lån og restaureringer kan ændre præsentationen; du skal tjekke den officielle museums hjemmeside før besøget. Rank hjælper hovedsageligt med at fastlægge prioriteter og anerkende store stilistiske ensembler.
Kommercielle reproduktioner og museumsværker er to separate genstande.
Fire besøgsnøgler
Se med, før uret suser dig
Moderne emne, lys, indramning og materiale giver os mulighed for at forstå, hvorfor Orsays værker virker både tætte og radikalt nye. Det 19. århundrede havde allerede meget at gøre; han fandt stadig tid til at genopfinde det maleri.
Se efter nuet
Arbejde, fritid, transport og byliv viser, hvordan kunstnere definerer deres egen æra.
Identificer øjeblikket
Farverige skygger, refleksioner og atmosfærer giver en time og en temperatur til scenen.
Overhold nedskæringerne
Japansk fotografering og print tilskynder til off-center, close-up eller bevidst bratte kompositioner.
Læs overfladen
Synlig berøring, flade områder, pastel og impasto minder os om, at moderniteten også er på spil i fremstillingen.
Ruteforbindelser
Fortsæt efter sidste ur
Museumsmeddelelser, kunstnere, samlinger og kilder forlænger besøget med verificerbare markører. Ingen komposterede billetter er nødvendige, hvilket allerede udgør mærkbare fremskridt.
Ofte stillede spørgsmål
Orsay uden kapløb med tiden
De væsentlige svar til at forstå samlingerne, vælge de store værker og forberede et besøg, der efterlader lidt plads til øjet.
Indeholder denne klassifikation kun værker fra Musée d'Orsay?
Ja.
Hvorfor er der ingen skulptur eller fotografi?
Omkredsen er bevidst billedlig. Orsay har mesterværker i disse områder, men at blande dem ville gøre klassificeringen mindre sammenhængende og forhindre sammenligning af værker af samme karakter.
Er Degas pasteller inkluderet?
Nej. arbejdet er begrænset til maleri i olie. Pasteller, tegninger, monotyper og grafiske teknikker er forbeholdt dedikerede klassifikationer.
Hvordan blev de hundrede værker klassificeret?
De øverste femogtyve steder favoriserer international berømmelse og indflydelse. Resten balancerer historisk betydning, kvalitet, mangfoldighed af skoler og interesse for et rigtigt besøg.
Hvorfor optager impressionismen ikke hele ranglisten?
Fordi Orsay også bevarer store realistiske, akademiske, naturalistiske, symbolistiske, post-impressionistiske og udenlandske ensembler. Ranglisten søger at vise dette komplette museum.
Indeholder artiklen et slideshow?
Nej. De hundrede værker vises direkte i en løbende redaktionsliste, på computer og mobil.
Er produktbilleder og links blevet kontrolleret?
Ja.
Skal ophængningen kontrolleres inden besøget?
Ja. Et værk kan udlånes, restaureres eller fjernes midlertidigt. Musée d'Orsays officielle hjemmeside er fortsat referencen for dagens præsentation.
0 kommentarer