Russisk maleri: 100 berømte malerier fra Rublev til Malevich

Historien åbner med ikonet, et billede af nærvær, før det er et billede af illusion. Jomfruen af Vladimir, Treenigheden af Andrei Rublev, malerierne af Theophanes den græske, Dionisius og Simon Ushakov organiserer figurer, gestus og farver efter en åndelig logik. Guldbaggrunden erstatter ikke landskabet i økonomi: den placerer scenen uden for almindelig tid. I Treenigheden organiserer linjerne, den udseende og bordet tegner en cirkel med så præcis stabilitet, at han ser ud til at trække vejret uden at bevæge sig.

I det 18. og tidlige 19. århundrede gav portrætter ansigter til imperiet. Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Kiprenski og Tropinin arbejder på lighed, rang og intimitet. Portrættet af Maria Lopukhina blødgør verdslig konvention gennem landskab og positur; Portrættet af Pushkin etablerer en intellektuel tilstedeværelse, der er blevet næsten national. Bag stofferne og dekorationerne, de bedste portrætter lader altid en person lidt overskride sin officielle rolle, hvilket allerede er en lille sejr på etiketten.

Det 19. århundrede gav landskabet enestående skala. Aivazovsky maler havet som lys, bevægelse og fare; Shishkin giver skove monumental præcision; Kouïndji koncentrerer rummet omkring slående lyseffekter; Levitan forvandler vej, sø, efterår og tø til bevidsthedstilstande. Den niende bølge, morgen i en fyrreskov, nat på Dnepr eller over evig fred er berømt, fordi deres show forbliver forbundet med en meget konkret fornemmelse af den menneskelige skala.

Ambulanterne bringer maleriet tættere på levet historie og sociale realiteter. Repin distribuerer gestus og udseende i The Boats of the Volga, The Religious Procession i provinsen Kursk eller The Unexpected Return; Kramskoy, Perov, Savitsky og deres samtidige observerer arbejde, fattigdom, tro og dagligdag. Sourikov gør store historiske scener crowd dramaer hvor ingen figur kun er dekorativ. Selv skæg har en fortællende funktion, som repræsenterer et ret misundelsesværdigt organisationsniveau.

I slutningen af århundredet skiftede Vrubel, Serov, Nesterov, Borissov-Mussatov, Korovin og Kustodiev realisme mod symbolik, intimitet og en mere autonom farve. Den siddende Dæmon fragmenterer bindene som en mørk mosaik; Ferskenpigen fanger en livlig tilstedeværelse i et lysende indre; Young Bartholomews Vision forbinder landskab og spiritualitet. Russisk maleri forlader aldrig den synlige verden: hun begynder at spørge ham, hvad han skjuler.

Avantgarderne i det tidlige 20. århundrede accelererede dette skift. Kandinsky gør farve og linje til en følelsesmæssig konstruktion; Malevich koncentrerer maleriet i Black Square og derefter White på White; Popova, Rozanova, Exter, Filonov og Petrov-Vodkin opfinder rum, der ikke længere skylder alt til klassisk perspektiv. Abstraktion sletter ikke tidligere århundreder: det tager deres smag for overfladen, tegnet og det aktive billede, med mindre guld og flere diagonaler.