Japansk maleri: 100 berømte værker fra Sesshū til Foujita

De første rækker samler de billeder, der virkelig har formet hukommelsen af japansk kunst: La Grande Vague de Kanagawa, Pins dans la brume, les Iris de Kōrin, les Dieux du Vent et du Tonnerre de Sōtatsu, le Fuji rouge og Hiroshiges regnbyge. Deres berømmelse kommer fra en silhuet, en rytme og en indramning, som man ofte genkender, før man har læst teksten.

Hokusai giver Fuji-bjerget flere liv. La Grande Vague reducerer det til en rolig trekant under et gigantisk hav; Fuji rouge gør det monumentalt; Ejiri, Kajikazawa og Mannen-broen forvandler det til et pejlemærke, omkring hvilket vinden, arbejdet og arkitekturen organiserer billedet. Et ubevægeligt bjerg, mange ideer i bevægelse.

Hiroshige maler vejret med træblokke, blæk og en frygtindgydende sans for indramning. Pludselig regn over Shin-Ōhashi, Piskende regn i Shōno, Aften sne i Kanbara og Blommehave i Kameido placerer regn, sne, broer og træer i forgrunden. Selv dårligt vejr har en fremragende kunstnerisk instruktion her.

De narrative værker forvandler besøget til en rejse. Natangrebet på Sanjō-paladset udfolder panikken i et slag over flere meter; scenerne fra Kyoto organiserer gader, paladser og menneskemængder som en miniatureby. Blikket bevæger sig frem, tilbage og fortabes nogle gange i en detalje, hvilket forbliver en meget hæderlig måde at misse sin udgang på.

Sōtatsu, Kōrin, Hōitsu og Suzuki Kiitsu lader Rinpa-ånden cirkulere gennem århundrederne. Vind- og Tordenguderne, Iris, Røde og hvide blommetræer, Voldsomme bølger eller Snerle forener guld, flade farveflader, gentagelse og asymmetri. Blomsterne forbliver blomster, men de bliver også rytme, flade og arkitektur; haven har tydeligvis fulgt kompositionskurser.

Jakuchū, Maruyama Ōkyo og Nagasawa Rosetsu betragter den levende verden med en præcision, der aldrig ofrer det fremmedartede. Haner, fisk, traner, tigre, hvid elefant og sort tyr optager rammen som individuelle tilstedeværelser. Rosetsus berømte tiger synes da også ganske bevidst om sin effekt, selvom ingen endnu har formået at få den til at signere gæstebogen.

Portrætter og figurer forbinder malerkunst, litteratur, religion og historie. Skønhed der vender sig om, Takami Senseki, Maiko eller Wang Zhaojun repræsenterer ikke blot en model: kostume, holdning, dekoration og stilhed angiver en epoke. Ansigtet forbliver roligt, mens hele maleriet arbejder omkring det – en fremragende delegation af opgaver.

I det 19. århundrede flytter Hokusai, Hiroshige, Utamaro, Katsushika Ōi, Kawanabe Kyōsai og Kanō Hōgai grænserne mellem tradition og opfindelse. Trætrykkene medtages, når de hører til de mest berømte japanske billeder, og deres teknik nævnes uden at klæde dem ud som malerier. Træsnittet har ingen brug for et falsk overskæg for at træde ind i kunsthistorien.

Moderniseringen i Meiji-perioden og begyndelsen af det 20. århundrede åbner flere veje. Kuroda Seiki udvikler Yōga, mens Yokoyama Taikan, Uemura Shōen, Hishida Shunsō, Murakami Kagaku og Tsuchida Bakusen fornyer Nihonga. Ved søbredden, Nøgen, Vej skåret i bakken, Flamme, Kiyohime eller Badepigen fortæller ikke om en opgivelse af traditionen, men om en samtale – til tider rolig, til tider elektrisk – med nutiden.

Foujita forlænger denne historie mellem Tokyo og Paris. Hans værker forbliver beskyttede og dokumenteres derfor via link til Pola Museums officielle samling i stedet for et uautoriseret kopieret billede. Rejsen stopper ved hans tid, da den japanske linje, vestlig olie og École de Paris mødes på en overflade, der øjeblikkeligt blev genkendelig. Selv moderniteten ved nogle gange at ankomme med en meget fin pensel.