Top 100 - Thailandsk maleri
Thailandsk maleri: 100 essentielle malerier fra Thailands museer
Fra MOCA Bangkok til National Gallery og Silpakorn-samlingerne, hundrede malerier udvalgt for deres betydning, ikke blot for deres tilgængelighed online.
Denne Top 100 er baseret på museumsbeskrivelser og en meget simpel regel: hver post skal være et verificerbart maleri. Bronze, fotografier, tegninger, tryk og museumsposer bliver derfor høfligt udeladt.
Fra nationale samlinger til MOCA Bangkok
Hundrede malerier udvalgt efter deres vægt i thailandsk kunst
MOCA Bangkok huser en stor samling af moderne thailandsk maleri. Salene dedikeret til Thawan Duchanee og samlingerne af Chalermchai Kositpipat, Prateep Kochabua, Somphong Adulyasaraphan og Panya Vijinthanasarn giver ranglisten dens første kerne.
En ægte rangliste forveksler ikke hundrede tilgængelige billeder med hundrede væsentlige værker: museet, kunstneren og historien skal først stemme.Gå til billederne
Rangeringen i billeder
Chalermchai, Thawan, Fua, Chakrabhand, Panya og de mest anerkendte historiske billeder åbner ranglisten.
#1
Paying Respect to Lord Buddha
« Paying Respect to Lord Buddha » tiltrækker først med sin farve, og holder derefter blikket fanget med en fortælling, der næsten læses gestus for gestus. I « Paying Respect to Lord Buddha » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visionært rum; traditionen fungerer ikke som dekorativ baggrund, den bliver billedets drivkraft. Noten til « Paying Respect to Lord Buddha » giver konkrete oplysninger: 1990, MOCA Bangkok, 63cm x 232.5cm. For « Paying Respect to Lord Buddha » kommer dets særegenhed netop fra blandingen af en kodificeret ramme og frihed i detaljerne.
Se museumsnotitsen →
#2
Spiritual Eye
I « Spiritual Eye » bliver det malede rum en aktiv scene, hvor arkitektur, figurer og ornamenter bevæger sig i samme tempo. I « Spiritual Eye » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visionært rum; traditionen fungerer ikke som dekorativ baggrund, den bliver billedets drivkraft. Noten til « Spiritual Eye » giver konkrete oplysninger: 1994, MOCA Bangkok, 64cm x 89cm. For « Spiritual Eye » vender man tilbage for episoden og bliver for de detaljer, der diskret havde forberedt deres indslag.
Se museumsnotitsen →
#3
Black Magic Defies Goddess
« Black Magic Defies Goddess » adskiller aldrig rigtig fortællingen fra dekorationen: hver kontur hjælper historien med at finde sin plads. I « Black Magic Defies Goddess » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visionært rum; traditionen fungerer ikke som dekorativ baggrund, den bliver billedets drivkraft. Noten til « Black Magic Defies Goddess » giver konkrete oplysninger: 1987, MOCA Bangkok, 89.5cm x 120cm. For « Black Magic Defies Goddess » minder værket om, at thailandsk maleri fortæller lige så meget med linjen som med figurerne.
Se museumsnotitsen →
#4
Good and Evil
Kompositionen af « Good and Evil » organiserer en mængde detaljer uden at miste den røde tråd, hvilket forhindrer blikket i at fare vild. I « Good and Evil » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visionært rum; traditionen fungerer ikke som dekorativ baggrund, den bliver billedets drivkraft. Noten til « Good and Evil » giver konkrete oplysninger: 1990, MOCA Bangkok, 90cm x 120cm. For « Good and Evil » bevarer maleriet således et dobbeltliv: som dokument fra sin tid og som en altid aktiv visuel oplevelse.
Se museumsnotitsen →
#5
Kærlighedens hvisken (Pu Man Ya Man)
Med « Le Murmure de l'amour (Pu Man Ya Man) » forvandler thailandsk maleri en præcis scene til varig visuel hukommelse. I « Le Murmure de l'amour (Pu Man Ya Man) », i Wat Phumin, giver de tætte profiler, tøjet og den fortrolige gestus denne scene en intimitet, der er blevet emblem for Nan. Noten til « Le Murmure de l'amour (Pu Man Ya Man) » giver konkrete holdepunkter: omkring 1867, Wat Phumin, Nan. For « Le Murmure de l'amour (Pu Man Ya Man) » vinder billedet dybde uden at miste den klarhed, der gør det umiddelbart mindeværdigt.
Se museumsnotitsen →
#6
Churning of the Milk Ocean
« Churning of the Milk Ocean » opdages i lag: først handlingen, derefter tegnene, og så de små fund efterladt i margenerne. I « Churning of the Milk Ocean » skaber prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket med myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Noten til « Churning of the Milk Ocean » giver konkrete holdepunkter: 2010, MOCA Bangkok, 200cm x 500cm. For « Churning of the Milk Ocean » forbliver resultatet levende, fordi fortællingen aldrig udsletter materialet eller glæden ved at se.
Se museumsnotitsen →
#7
Middle Earth (Part of The Three Kingdoms)
I « Middle Earth (Part of The Three Kingdoms) » giver de flade farveflader, linjerne og skalaskiftene fortællingen en meget konkret energi. I « Middle Earth (Part of The Three Kingdoms) » fornyer Panya Vijinthanasarn den buddhistiske malerkunst med monumentale kompositioner, hvor kosmologi, symbol og moderne rum gensidigt påvirker hinanden. Noten til « Middle Earth (Part of The Three Kingdoms) » giver konkrete oplysninger: 2011, MOCA Bangkok, 300cm x 700cm. For « Middle Earth (Part of The Three Kingdoms) » giver denne dialog mellem fortælling og overflade den en tilstedeværelse, der langt overstiger dens umiddelbare emne.
Se museumsnotitsen →
#8
Portrait of a Girl (Duangta Nandakwang)
« Portrait of a Girl (Duangta Nandakwang) » viser, at et billede kan være både andagt, krønike og detaljeglæde uden at blive en endeløs samling. I « Portrait of a Girl (Duangta Nandakwang) » giver Chakrabhand Posayakrit portrættet en elegant præcision, hvor dragten, posituren og modellens tavshed bliver lige så vigtige som ansigtet. Noten til « Portrait of a Girl (Duangta Nandakwang) » giver konkrete oplysninger: 1971, Art Centre Silpakorn University. For « Portrait of a Girl (Duangta Nandakwang) » tilbyder den en nyttig milepæl til at forstå, hvordan de siamesiske værksteder tilpassede tekster, ritualer og observation af verden.
Se museumsnotitsen →
#9
Mahabhinishkramana 2
Det første blik fanger episoden i « Mahabhinishkramana 2 »; det andet bemærker, hvor meget gestus og farver bestemmer dets tempo. I « Mahabhinishkramana 2 » kombinerer Thongchai Srisukprasert maleri, collage og buddhistisk ikonografi for at gøre opvågning, afkald og tilværelsens cyklusser synlige. Noten til « Mahabhinishkramana 2 » giver konkrete oplysninger: 2008, MOCA Bangkok, 175cm x 250cm. For « Mahabhinishkramana 2 » forklarer denne spænding mellem religiøs funktion og visuel opfindelse dens varige styrke.
Se museumsnotitsen →
#10
New Exhibition of Fossils
« New Exhibition of Fossils » fører øjet mellem hovedfigurer og bi-scener som en fortælling, der kender sine genveje perfekt. I « New Exhibition of Fossils » omdanner somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Noten til « New Exhibition of Fossils » giver konkrete holdepunkter: 2006, MOCA Bangkok, 194 cm x 153 cm. For « New Exhibition of Fossils » ligger styrken både i dens historiske værdi og i den måde, billedet forbliver læsbart i dag.
Se museumsnotitsen →
#11
Seated Man
I « Seated Man » indeslutter rammen ikke historien: den giver den retning, pauser og nogle velvalgte omveje. I « Seated Man » giver chakrabhand Posayakrit portrættet en elegant præcision, hvor kostume, positur og modellens stilhed bliver lige så vigtige som ansigtet. Noten til « Seated Man » giver konkrete holdepunkter: 1974, Art Centre Silpakorn University. For « Seated Man » kommer dets særegenhed netop fra denne blanding af kodificeret ramme og frihed i detaljerne.
Se museumsnotitsen →
#12
La reine Suriyothai au combat sur son éléphant
La force de « La reine Suriyothai au combat sur son éléphant » vient de son équilibre entre lisibilité narrative et profusion décorative. Dans « La reine Suriyothai au combat sur son éléphant », artiste siamois anonyme organise l'image selon une logique picturale où couleur, rythme, matière et références thaïlandaises travaillent ensemble. La notice de « La reine Suriyothai au combat sur son éléphant » donne des repères concrets : XIXe siècle, Collection thaïlandaise. Pour « La reine Suriyothai au combat sur son éléphant », on y revient pour l'épisode, puis on reste pour les détails qui avaient discrètement préparé leur coup.
Se museumsnotitsen →
#13
Festival
« Festival » besidder den generøse tæthed, hvor hver person synes at have noget at lave, nogle gange endda mere end forventet. I « Festival » tilhører prasong Luemuang de generationer, der er blevet udmærket ved de nationale kunstudstillinger; komposition, farve og lokal erfaring opbygger en solid thailandsk modernitet. Noten til « Festival » giver konkrete holdepunkter: 1988, Art Centre Silpakorn University. For « Festival » minder værket om, at thailandsk maleri fortæller lige så meget med linjen som med figurerne.
Se museumsnotitsen →
#14
Blind Musicians
I "Blind Musicians" gør hierarkiet af størrelser og positioner episoden forståelig, selv før man kender alle navnene. I "Blind Musicians" organiserer bundit Padungvichian billedet efter en billedlig logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til "Blind Musicians" giver konkrete holdepunkter: 1967, Art Centre Silpakorn University. For "Blind Musicians" bevarer maleriet således et dobbeltliv: som dokument fra sin tid og som en stadig aktiv visuel oplevelse.
Se museumsnotitsen →
#15
Zebra Crossing
"Zebra Crossing" kombinerer tegningens præcision og fortællingens frihed på en overflade, der forbliver levende på alle afstande. I "Zebra Crossing" organiserer bundit Padungvichian billedet efter en billedlig logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til "Zebra Crossing" giver konkrete holdepunkter: 1965, Art Centre Silpakorn University. For "Zebra Crossing" vinder billedet således dybde uden at miste den klarhed, der gør det umiddelbart mindeværdigt.
Se museumsnotitsen →
#16
The Gateway to Nirvana
Scenen i "The Gateway to Nirvana" skrider frem gennem blikke, hænder, dyr og arkitekturer med en følelse af bevægelse, der ikke afhænger af larm. I "The Gateway to Nirvana" forbinder chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visionært rum; traditionen fungerer ikke som dekorativ baggrund, den bliver billedets motor. Noten til "The Gateway to Nirvana" giver konkrete holdepunkter: 1994, MOCA Bangkok, 180cm x 200cm. For "The Gateway to Nirvana" forbliver resultatet levende, fordi fortællingen aldrig udvisker materialet eller glæden ved at se.
Se museumsnotitsen →
#17
In Praise of Lord Buddha
"In Praise of Lord Buddha" giver en umiddelbar tilstedeværelse til den religiøse eller episke verden, den skildrer, uden at reducere den til en simpel illustration. I "In Praise of Lord Buddha" forbinder chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visionært rum; traditionen fungerer ikke som dekorativ baggrund, den bliver billedets motor. Noten til "In Praise of Lord Buddha" giver konkrete holdepunkter: 1992, MOCA Bangkok, 150cm x 300cm. For "In Praise of Lord Buddha" giver denne dialog mellem fortælling og overflade den en tilstedeværelse, der rækker langt ud over det umiddelbare emne.
Se museumsnotitsen →
#18
Village and Town Corruption
I "Village and Town Corruption" bygger de gentagne mønstre rytmen, mens afvigelserne giver hver episode sin særlige accent. I "Village and Town Corruption" omdanner somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og rural fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Noten til "Village and Town Corruption" giver konkrete holdepunkter: 1994, MOCA Bangkok, 115cm x 134cm. For "Village and Town Corruption" giver den et nyttigt pejlemærke til at forstå, hvordan siamesiske værksteder har tilpasset tekster, ritualer og observation af verden.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#19
Vidhura underviser Dhamma til yakkha Punnaka
« Vidhura underviser Dhamma til yakkha Punnaka » formår at fylde rummet uden at kvæle det, en værdifuld færdighed både i et palads og på en skærm. I « Vidhura underviser Dhamma til yakkha Punnaka » organiserer Wat Suthats værksteder billedet efter en billedkunstnerisk logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Notitsen for « Vidhura underviser Dhamma til yakkha Punnaka » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suthat, Bangkok. For « Vidhura underviser Dhamma til yakkha Punnaka » forklarer denne spænding mellem religiøs funktion og visuel opfindsomhed dens varige styrke.
Se museumsnotitsen →,_Thailand_-_Buddhas_of_the_past_and_future;_banner_painting_(phra_bot)_-_Google_Art_Project.jpg)
#20
Fortidens og fremtidens Buddhaer, phra bot-banner
Farven i « Fortidens og fremtidens Buddhaer, phra bot-banner » fordeler rollerne lige så sikkert som kostumerne, positurerne og attributterne. I « Fortidens og fremtidens Buddhaer, phra bot-banner » styrer Buddha-figuren kompositionens akse; tilbedere, flammer, lotusblomster og sekundære registre gør et åndeligt hierarki synligt. Notitsen for « Fortidens og fremtidens Buddhaer, phra bot-banner » giver konkrete holdepunkter: Rattanakosin-perioden, Asian Art Museum, San Francisco. For « Fortidens og fremtidens Buddhaer, phra bot-banner » ligger dens styrke lige så meget i dens historiske værdi som i den måde, billedet forbliver læsbart i dag.
Se museumsnotitsen →
#21
Panya or Wisdom : Means of Survival
« Panya or Wisdom : Means of Survival » forbinder hellig fortælling med observation af hverdagen, så et velkendt detalje pludselig kan bære en enorm idé. I « Panya or Wisdom : Means of Survival » organiserer pradit Tungprasartwong billedet efter en billedlig logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til « Panya or Wisdom : Means of Survival » giver konkrete holdepunkter: 2011, Art Centre Silpakorn University. For « Panya or Wisdom : Means of Survival » ligger dens særegenhed netop i denne blanding af kodificeret ramme og frihed i detaljerne.
Se museumsnotitsen →
#22
Calumny
I « Calumny » kommer ornamentet ikke efter historien: det deltager i dens hastighed, dens højtidelighed og nogle gange dens humor. I « Calumny » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket med myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Noten til « Calumny » giver konkrete holdepunkter: 2002, MOCA Bangkok, 110cm x 150cm. For « Calumny » vender man tilbage for episoden, og så bliver man for detaljerne, der diskret havde forberedt deres slag.
Se museumsnotitsen →
#23
Dream Land I
« Dream Land I » forvandler væggen, lærredet eller siden til et rum, som blikket gennemløber snarere end et billede, der indtages på én gang. I « Dream Land I » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket med myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Noten til « Dream Land I » giver konkrete holdepunkter: 2002, MOCA Bangkok, 150cm x 200cm. For « Dream Land I » minder værket os om, at thailandsk maleri fortæller lige så meget med linjen som med figurerne.
Se museumsnotitsen →
#24
The 15th Day of the Waxing Moon in the Year of the Tiger
Fortællingen i « The 15th Day of the Waxing Moon in the Year of the Tiger » forbliver klar på trods af detaljerigdommen, et bevis på at en velmalet menneskemængde kan være bedre organiseret end en kø. I « The 15th Day of the Waxing Moon in the Year of the Tiger » forvandler somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Noten til « The 15th Day of the Waxing Moon in the Year of the Tiger » giver konkrete holdepunkter: 2008, MOCA Bangkok, 137cm x 181cm. For « The 15th Day of the Waxing Moon in the Year of the Tiger » bevarer maleriet således et dobbeltliv: dokument fra sin tid og en visuel oplevelse, der altid er aktiv.
Se museumsnotitsen →
#25
Hanuman et Ongkhot découvrent les armées de Kumphakan
« Hanuman og Ongkhot opdager Kumphakans hære » forener bevægelse, symbol og dekoration i en komposition, hvis orden gradvist afsløres. I « Hanuman og Ongkhot opdager Kumphakans hære » tilhører episoden Ramakien: hære, paladser og heroiske figurer er fordelt i hurtige sekvenser, mens Hanuman ofte bringer både fremdrift og list. Noten til « Hanuman og Ongkhot opdager Kumphakans hære » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, maleri af Ramakien. For « Hanuman og Ongkhot opdager Kumphakans hære » vinder billedet således dybde uden at miste den klarhed, der gør det umiddelbart mindeværdigt.
Se museumsnotitsen →Værker fra MOCA Bangkok og vindere af nationale udstillinger etablerer en dokumenteret moderne kanon.
#26
Telepathy
« Telepathy » tiltrækker først med sin farve, og fastholder derefter blikket med en fortælling, der næsten læses gestus for gestus. I « Telepathy » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visionært rum; traditionen fungerer ikke som dekorativ baggrund, den bliver billedets drivkraft. Noten til « Telepathy » giver konkrete referencer: 1990, MOCA Bangkok, 120cm x 90cm. For « Telepathy » forbliver resultatet levende, fordi fortællingen aldrig udvisker materialet eller glæden ved at betragte.
Se museumsnotitsen →
#27
lndra at Travatimsa Heaven
I « lndra at Travatimsa Heaven » bliver det malede rum en aktiv scene, hvor arkitektur, figurer og ornamenter bevæger sig i samme tempo. I « lndra at Travatimsa Heaven » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visionært rum; traditionen fungerer ikke som dekorativ baggrund, den bliver billedets drivkraft. Noten til « lndra at Travatimsa Heaven » giver konkrete referencer: 1993, MOCA Bangkok, 89cm x 119cm. For « lndra at Travatimsa Heaven » giver denne dialog mellem fortælling og overflade den en tilstedeværelse, der rækker langt ud over sit umiddelbare emne.
Se museumsnotitsen →
#28
Buddha stiger ned fra Trayastrimsa-himlen til Sankissa
« Buddha stiger ned fra Trayastrimsa-himlen til Sankissa » adskiller aldrig rigtig fortællingen fra dekorationen: hver kontur hjælper historien med at finde sin plads. I « Buddha stiger ned fra Trayastrimsa-himlen til Sankissa » bestemmer Buddha-figuren kompositionens akse; ledsagere, flammer, lotusblomster og sekundære registre gør et åndeligt hierarki synligt. Noten til « Buddha stiger ned fra Trayastrimsa-himlen til Sankissa » giver konkrete referencer: 1800-tallet, Metropolitan Museum of Art, 142,2 x 74,3 cm. For « Buddha stiger ned fra Trayastrimsa-himlen til Sankissa » tilbyder den et nyttigt pejlemærke for at forstå, hvordan siamesiske værksteder tilpassede tekster, ritualer og iagttagelse af verden.
Se museumsnotitsen →
#29
The Blessing of Lord Buddha
Kompositionen i « The Blessing of Lord Buddha » organiserer en mængde detaljer uden at miste den røde tråd, hvilket forhindrer blikket i at fare vild. I « The Blessing of Lord Buddha » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visionært rum; traditionen fungerer ikke som dekorativ baggrund, den bliver billedets drivkraft. Notitsen til « The Blessing of Lord Buddha » giver konkrete holdepunkter: 2006, MOCA Bangkok, 177,5 cm x 146,7 cm. For « The Blessing of Lord Buddha » forklarer denne spænding mellem religiøs funktion og visuel nyskabelse dens vedvarende styrke.
Se museumsnotitsen →_(CBL_Thi_1302).jpg)
#30
Phrommachat spådomsmanual
Med « Phrommachat spådomsmanual » forvandler thailandsk maleri en præcis scene til en varig visuel erindring. I « Phrommachat spådomsmanual » organiserer en anonym thailandsk kunstner billedet efter en billedlig logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Notitsen til « Phrommachat spådomsmanual » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Chester Beatty Library, Dublin. For « Phrommachat spådomsmanual » ligger dens styrke lige så meget i dens historiske værdi som i den måde, billedet forbliver læsbart i dag.
Se museumsnotitsen →
#31
Clairvoyant in Heaven
« Clairvoyant in Heaven » opdages lag for lag: først handlingen, så tegnene, derefter de små fund, der er efterladt i margenerne. I « Clairvoyant in Heaven » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visionært rum; traditionen fungerer ikke som dekorativ baggrund, den bliver billedets drivkraft. Notitsen til « Clairvoyant in Heaven » giver konkrete holdepunkter: 1989, MOCA Bangkok, 90 cm x 120 cm. For « Clairvoyant in Heaven » kommer dens særpræg netop af denne blanding af kodelagt ramme og frihed i detaljerne.
Se museumsnotitsen →
#32
At Your Beck and Call
I « At Your Beck and Call » giver farveflader, linjer og skalaændringer fortællingen en meget konkret energi. I « At Your Beck and Call » konstruerer prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Notitsen til « At Your Beck and Call » giver konkrete holdepunkter: 2000, MOCA Bangkok, 105 cm x 145 cm. For « At Your Beck and Call » vender man tilbage for episoden, men bliver for detaljerne, der diskret har forberedt deres kup.
Se museumsnotitsen →_-_Walters_35264_-_A_T_Front.jpg)
#33
Vessantara Jataka: De Ti Gaver
« Vessantara Jataka : Les Dix Dons » viser, at et billede både kan være hengivenhed, krønike og nydelse af detaljer uden at blive en endeløs samling. I « Vessantara Jataka : Les Dix Dons » sætter fortællingen om prins Vessantara generøsitet, adskillelse og tilbagevenden på prøve; gestikken gør disse moralske valg umiddelbart synlige. Notitsen for « Vessantara Jataka : Les Dix Dons » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Walters Art Museum, Baltimore. For « Vessantara Jataka : Les Dix Dons » minder værket således om, at thailandsk maleri fortæller lige så meget med linjen som med figurerne.
Se museumsnotitsen →
#34
Fantasy Land III
Det første blik fanger episoden i « Fantasy Land III »; det andet bemærker, hvordan gestik og farver bestemmer tempoet. I « Fantasy Land III » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Notitsen for « Fantasy Land III » giver konkrete holdepunkter: 2011, MOCA Bangkok, 150cm x 225cm. For « Fantasy Land III » bevarer maleriet derfor et dobbeltliv: dokument fra sin tid og en stadig aktiv visuel oplevelse.
Se museumsnotitsen →_-_Walters_35265_-_A_T_Front.jpg)
#35
Vessantara Jataka : La forêt de l'Himavanta
« Vessantara Jataka : La forêt de l'Himavanta » får øjet til at bevæge sig mellem hovedfigurer og scener som en fortælling, der kender sine genveje perfekt. I « Vessantara Jataka : La forêt de l'Himavanta » sætter fortællingen om prins Vessantara generøsitet, adskillelse og tilbagevenden på prøve; gestikken gør disse moralske valg umiddelbart synlige. Notitsen for « Vessantara Jataka : La forêt de l'Himavanta » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Walters Art Museum, Baltimore. For « Vessantara Jataka : La forêt de l'Himavanta » vinder billedet således dybde uden at miste den klarhed, der gør det øjeblikkeligt mindeværdigt.
Se museumsnotitsen →
#36
Way to Heaven
I « Way to Heaven » indespærrer rammen ikke historien: den giver den retning, pauser og nogle velvalgte omveje. I « Way to Heaven » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Notitsen for « Way to Heaven » giver konkrete holdepunkter: 2011, MOCA Bangkok, 200cm x 170cm. For « Way to Heaven » forbliver resultatet levende, fordi fortællingen aldrig udsletter materialet eller glæden ved at se.
Se museumsnotitsen →
#37
Fantasy Land II
Styrken i « Fantasy Land II » ligger i balancen mellem narrativ læsbarhed og dekorativ overflod. I « Fantasy Land II » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Notitsen for « Fantasy Land II » giver konkrete holdepunkter: 2010, MOCA Bangkok, 165cm x 300cm. For « Fantasy Land II » giver denne dialog mellem fortælling og overflade den en tilstedeværelse, der rækker langt ud over sit umiddelbare emne.
Se museumsnotitsen →_-_Walters_35266_-_A_T_Front.jpg)
#38
Vessantara Jataka: Gaven
« Vessantara Jataka: Gaven » besidder denne generøse tæthed, hvor hver person synes at have noget at gøre, nogle gange endda mere end forventet. I « Vessantara Jataka: Gaven » sætter historien om prins Vessantara generøsitet, adskillelse og tilbagevenden på prøve; handlingerne gør disse moralske valg umiddelbart synlige. Noten til « Vessantara Jataka: Gaven » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Walters Art Museum, Baltimore. For « Vessantara Jataka: Gaven » giver den en nyttig milepæl til at forstå, hvordan de siamesiske værksteder tilpassede tekster, ritualer og observation af verden.
Se museumsnotitsen →
#39
Journey to the Next World IV : Journey by Sea
I « Journey to the Next World IV: Journey by Sea » gør hierarkiet af størrelser og positioner episoden forståelig, selv før man kender alle navnene. I « Journey to the Next World IV: Journey by Sea » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Noten til « Journey to the Next World IV: Journey by Sea » giver konkrete holdepunkter: 2007, MOCA Bangkok, 160cm x 260cm. For « Journey to the Next World IV: Journey by Sea » forklarer denne spænding mellem religiøs funktion og visuel opfindelse dens varige styrke.
Se museumsnotitsen →_-_Walters_35268_-_A_T_Front.jpg)
#40
Vessantara Jataka: De kongelige børn
« Vessantara Jataka: De kongelige børn » kombinerer tegningens præcision og fortællingens frihed på en overflade, der forbliver levende på alle afstande. I « Vessantara Jataka: De kongelige børn » sætter historien om prins Vessantara generøsitet, adskillelse og tilbagevenden på prøve; handlingerne gør disse moralske valg umiddelbart synlige. Noten til « Vessantara Jataka: De kongelige børn » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Walters Art Museum, Baltimore. For « Vessantara Jataka: De kongelige børn » ligger dens styrke lige så meget i dens historiske værdi som i den måde, billedet forbliver læsbart i dag.
Se museumsnotitsen →
#41
Dream Land II
Scenen i « Dream Land II » skrider frem gennem blikke, hænder, dyr og arkitektur, med en følelse af bevægelse, der ikke afhænger af larm. I « Dream Land II » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Noten til « Dream Land II » giver konkrete holdepunkter: 2009, MOCA Bangkok, 150cm x 300cm. For « Dream Land II » kommer dens særegenhed netop fra denne blanding af kodificeret ramme og frihed i detaljerne.
Se museumsnotitsen →
#42
Journey to the Next World VIII
« Journey to the Next World VIII » giver en umiddelbar tilstedeværelse til den religiøse eller episke verden, den repræsenterer, uden at reducere den til en simpel illustration. I « Journey to the Next World VIII » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Noten til « Journey to the Next World VIII » giver konkrete holdepunkter: 2011, MOCA Bangkok, 165cm x 270cm. For « Journey to the Next World VIII » vender man tilbage for episoden, og bliver så for detaljerne, der diskret havde forberedt deres indtog.
Se museumsnotitsen →_-_Walters_35247_-_A_T_Front.jpg)
#43
Vessantara Jataka: Maddis tilbagevenden
I « Vessantara Jataka: Maddis tilbagevenden » skaber de gentagne mønstre rytmen, mens afvigelserne giver hver episode sin særlige betoning. I « Vessantara Jataka: Maddis tilbagevenden » sætter fortællingen om prins Vessantara gavmildhed, adskillelse og tilbagevenden på prøve; gestikken gør disse moralske valg umiddelbart synlige. Noten til « Vessantara Jataka: Maddis tilbagevenden » giver konkrete holdepunkter: 19. århundrede, Walters Art Museum, Baltimore. For « Vessantara Jataka: Maddis tilbagevenden » minder værket os om, at thailandsk maleri fortæller lige så meget med linjen som med figurerne.
Se museumsnotitsen →
#44
A Tale from Ko Samet
« A Tale from Ko Samet » ved at fylde rummet uden at kvæle det, en færdighed, der er værd at værdsætte i et palads såvel som på en skærm. I « A Tale from Ko Samet » forvandler somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Noten til « A Tale from Ko Samet » giver konkrete holdepunkter: 2005, MOCA Bangkok, 84cm x 150cm. For « A Tale from Ko Samet » bevarer maleriet derfor et dobbeltliv: dokument fra sin tid og en altid aktiv visuel oplevelse.
Se museumsnotitsen →_-_Walters_35269_-_A_T_Front.jpg)
#45
Vessantara Jataka: Indras rige
Farven i « Vessantara Jataka: Indras rige » fordeler rollerne lige så sikkert som kostumer, positurer og attributter. I « Vessantara Jataka: Indras rige » sætter fortællingen om prins Vessantara gavmildhed, adskillelse og tilbagevenden på prøve; gestikken gør disse moralske valg umiddelbart synlige. Noten til « Vessantara Jataka: Indras rige » giver konkrete holdepunkter: 19. århundrede, Walters Art Museum, Baltimore. For « Vessantara Jataka: Indras rige » vinder billedet dermed dybde uden at miste den klarhed, der gør det umiddelbart mindeværdigt.
Se museumsnotitsen →
#46
Played by Girl
« Played by Girl » forener hellig fortælling med observation af hverdagen, så et velkendt detalje pludselig kan bære en enorm idé. I « Played by Girl » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Noten til « Played by Girl » giver konkrete holdepunkter: 2005, MOCA Bangkok, 90cm x 120cm. For « Played by Girl » forbliver resultatet levende, fordi fortællingen aldrig udsletter materialet eller fornøjelsen ved at se.
Se museumsnotitsen →
#47
Delight
I « Delight » kommer ornamentet ikke efter historien: det deltager i dens hastighed, højtidelighed og nogle gange dens humor. I « Delight » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Noten til « Delight » giver konkrete holdepunkter: 2013, MOCA Bangkok, 150cm x 100cm. For « Delight » giver denne dialog mellem fortælling og overflade den en tilstedeværelse, der langt overstiger dens umiddelbare emne.
Se museumsnotitsen →_and_a_scene_from_hell_Wellcome_L0030799.jpg)
#48
Phra Malai foran en helvedesscene
»Phra Malai foran en helvedesscene« forvandler væggen, lærredet eller siden til et rum, som blikket gennemløber snarere end et billede, der indtages på én gang. I »Phra Malai foran en helvedesscene« forbinder Phra Malai-cyklussen åndelig rejse, paradis, helvede og buddhistisk fortjeneste i sider, hvor tekst og billede bevæger sig fremad sammen. Omtalen af »Phra Malai foran en helvedesscene« giver konkrete pejlemærker: 1800-tallet, Wellcome Collection, London. For »Phra Malai foran en helvedesscene« udgør den en nyttig milepæl til at forstå, hvordan siamesiske værksteder har tilpasset tekster, ritualer og verdensobservation.
Se museumsnotitsen →
#49
Immersed in the Moon
Fortællingen i »Immersed in the Moon« forbliver klar på trods af detaljernes rigdom, et bevis på, at en velmalet menneskemængde kan være bedre organiseret end en kø. I »Immersed in the Moon« omdanner somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Omtalen af »Immersed in the Moon« giver konkrete pejlemærker: 2011, MOCA Bangkok, 90cm x 100cm. For »Immersed in the Moon« forklarer denne spænding mellem religiøs funktion og visuel opfindsomhed dens vedvarende styrke.
Se museumsnotitsen →
#50
Den fattige skovhugger plukker lotus
»Den fattige skovhugger plukker lotus« forener bevægelse, symbol og dekoration i en komposition, hvis orden langsomt afsløres. I »Den fattige skovhugger plukker lotus« forbinder Phra Malai-cyklussen åndelig rejse, paradis, helvede og buddhistisk fortjeneste i sider, hvor tekst og billede bevæger sig fremad sammen. Omtalen af »Den fattige skovhugger plukker lotus« giver konkrete pejlemærker: 1800-tallet, Wellcome Collection, London. For »Den fattige skovhugger plukker lotus« ligger dens styrke lige så meget i dens historiske værdi som i den måde, billedet stadig er læsbart i dag.
Se museumsnotitsen →Surrealisme, abstraktion, portræt og landskab viser flere måder at være moderne på uden at miste den lokale accent.
#51
Two-Dimensional Village
« Two-Dimensional Village » tiltrækker først med sin farve og fænger derefter blikket med en fortælling, der næsten læses gestus for gestus. I « Two-Dimensional Village » omdanner somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Notitsen for « Two-Dimensional Village » giver konkrete holdepunkter: 2013, MOCA Bangkok, 195 cm x 280 cm. For « Two-Dimensional Village » stammer dets særpræg netop fra blandingen af kodificeret ramme og frihed i detaljerne.
Se museumsnotitsen →
#52
A Land Where Life is Found
I « A Land Where Life is Found » bliver det malede rum til en aktiv scene, hvor arkitektur, figurer og ornamenter bevæger sig i samme tempo. I « A Land Where Life is Found » omdanner somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Notitsen for « A Land Where Life is Found » giver konkrete holdepunkter: 2009, MOCA Bangkok, 271,5 cm x 187,5 cm. For « A Land Where Life is Found » vender man tilbage for episodens skyld og bliver for detaljerne, der diskret har forberedt deres indfald.
Se museumsnotitsen →
#53
Phra Malai samtaler med Indra
« Phra Malai samtaler med Indra » adskiller aldrig rigtig fortælling fra sceneri: hver omrids hjælper historien med at finde sin plads. I « Phra Malai samtaler med Indra » forbinder Phra Malai-cyklussen åndelig rejse, paradis, helvede og buddhistisk fortjeneste i sider, hvor tekst og billede udvikler sig sammen. Notitsen for « Phra Malai samtaler med Indra » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wellcome Collection, London. For « Phra Malai samtaler med Indra » minder værket om, at thailandsk maleri fortæller lige så meget med linjen som med figurerne.
Se museumsnotitsen →
#54
Rainbow-Colored Fantasy
Kompositionen i « Rainbow-Colored Fantasy » organiserer en mængde detaljer uden at miste hovedtråden, hvilket forhindrer blikket i at skulle spørge om vej. I « Rainbow-Colored Fantasy » omdanner somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Notitsen for « Rainbow-Colored Fantasy » giver konkrete holdepunkter: 2011, MOCA Bangkok, 190 cm x 140 cm. For « Rainbow-Colored Fantasy » bevarer maleriet derfor et dobbeltliv: som dokument over sin tid og som fortsat aktiv visuel oplevelse.
Se museumsnotitsen →
#55
Bodhisattva i himlen ledsaget af engle
Med « Bodhisattva i himlen ledsaget af engle » forvandler thailandsk maleri en præcis scene til en varig visuel erindring. I « Bodhisattva i himlen ledsaget af engle » organiserer en anonym thailandsk kunstner billedet efter en billedlogik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Notitsen for « Bodhisattva i himlen ledsaget af engle » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wellcome Collection, London. For « Bodhisattva i himlen ledsaget af engle » vinder billedet således dybde uden at miste den klarhed, der gør det umiddelbart mindeværdigt.
Se museumsnotitsen →
#56
The Land of Dreams
« The Land of Dreams » opdages lag for lag: først handlingen, derefter tegnene, og til sidst de små fund i margenen. I « The Land of Dreams » omdanner somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver forvandling bærer en konkret idé. Notitsen til « The Land of Dreams » giver konkrete oplysninger: 1995, MOCA Bangkok, 126cm x 145cm. For « The Land of Dreams » forbliver resultatet levende, fordi fortællingen aldrig udsletter materialet eller glæden ved at se.
Se museumsnotitsen →
#57
Luang Ta Ma (Traditional Thai Music)
I « Luang Ta Ma (Traditional Thai Music) » giver farveflader, linjer og skalaændringer fortællingen en meget konkret energi. I « Luang Ta Ma (Traditional Thai Music) » skaber prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Notitsen til « Luang Ta Ma (Traditional Thai Music) » giver konkrete oplysninger: 2002, MOCA Bangkok, 156cm x 176cm. For « Luang Ta Ma (Traditional Thai Music) » giver denne dialog mellem fortælling og overflade værket en tilstedeværelse, der rækker langt ud over dets umiddelbare emne.
Se museumsnotitsen →
#58
Helvedes tornede træ
« Helvedes tornede træ » viser, at et billede på én gang kan være hengivenhed, kronik og nydelse af detaljen uden at blive en uendelig samling. I « Helvedes tornede træ » forbinder Phra Malai-cyklussen åndelig rejse, paradis, helvede og buddhistisk fortjeneste i sider, hvor tekst og billede bevæger sig fremad sammen. Notitsen til « Helvedes tornede træ » giver konkrete oplysninger: 19. århundrede, Wellcome Collection, London. For « Helvedes tornede træ » giver den en nyttig pejling til at forstå, hvordan siamesiske værksteder tilpassede tekster, ritualer og iagttagelse af verden.
Se museumsnotitsen →
#59
A Land of Mobility
Det første blik fanger episoden i « A Land of Mobility »; det andet bemærker, hvor meget gestik og farver bestemmer tempoet. I « A Land of Mobility » omdanner somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver forvandling bærer en konkret idé. Notitsen til « A Land of Mobility » giver konkrete oplysninger: 1992, MOCA Bangkok, 51cm x 143cm. For « A Land of Mobility » forklarer denne spænding mellem religiøs funktion og visuel opfindsomhed værkets vedvarende styrke.
Se museumsnotitsen →
#60
Candakumaras Jataka og Indras indgriben
« Candakumaras Jataka og Indras indgriben » får øjet til at bevæge sig mellem hovedfigurer og bi-scener som en fortælling, der kender sine genveje perfekt. I « Candakumaras Jataka og Indras indgriben » forbinder Phra Malai-cyklussen åndelig rejse, paradis, helvede og buddhistisk fortjeneste i sider, hvor tekst og billede bevæger sig fremad sammen. Notitsen til « Candakumaras Jataka og Indras indgriben » giver konkrete oplysninger: 19. århundrede, Wellcome Collection, London. For « Candakumaras Jataka og Indras indgriben » ligger styrken lige så meget i dens historiske værdi som i den måde, billedet forbliver læseligt i dag.
Se museumsnotitsen →
#61
When Humans Ignore Art
I « When Humans Ignore Art » indeslutter rammen ikke historien: den giver den retning, pauser og nogle velvalgte omveje. I « When Humans Ignore Art » skaber prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og minder; drømmen har mange detaljer og ingen lyst til at være diskret. Notitsen for « When Humans Ignore Art » giver konkrete holdepunkter: 2003, MOCA Bangkok, 120cm x 150cm. For « When Humans Ignore Art » kommer dets særegenhed netop af denne blanding mellem en kodificeret ramme og frihed i detaljerne.
Se museumsnotitsen →
#62
Clairvoyant in the Land of Lord Buddha
Styrken ved « Clairvoyant in the Land of Lord Buddha » kommer fra balancen mellem narrativ læsbarhed og dekorativ overflod. I « Clairvoyant in the Land of Lord Buddha » forbinder chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visionært rum; traditionen tjener ikke som dekorativ baggrund, den bliver billedets drivkraft. Notitsen for « Clairvoyant in the Land of Lord Buddha » giver konkrete holdepunkter: 1994, MOCA Bangkok, 65cm x 90cm. For « Clairvoyant in the Land of Lord Buddha » vender man tilbage for episoden og bliver for de detaljer, der diskret havde forberedt deres slag.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#63
Ramakien, panel 29 af korsgangen i Wat Phra Kaew
« Ramakien, panel 29 af korsgangen i Wat Phra Kaew » har denne generøse tæthed, hvor hver figur synes at have noget at lave, nogle gange endda mere end forventet. I « Ramakien, panel 29 af korsgangen i Wat Phra Kaew » tilhører episoden Ramakien: hære, paladser og heroiske figurer er fordelt i hurtige sekvenser, mens Hanuman ofte bringer lige så meget fremdrift som skælmeri. Notitsen for « Ramakien, panel 29 af korsgangen i Wat Phra Kaew » giver konkrete holdepunkter: slutningen af det 18. århundrede, restaureret siden, Wat Phra Kaew, Bangkok. For « Ramakien, panel 29 af korsgangen i Wat Phra Kaew » minder værket os om, at thailandsk maleri fortæller lige så meget med linjen som med figurerne.
Se museumsnotitsen →
#64
Scarecrow's Dream
I « Scarecrow's Dream » gør størrelses- og positionshierarkiet episoden forståelig, selv før man kender alle navnene. I « Scarecrow's Dream » forvandler somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Noten til « Scarecrow's Dream » giver konkrete referencer: 1996, MOCA Bangkok, 81cm x 104.5cm. For « Scarecrow's Dream » bevarer maleriet et dobbeltliv: som dokument for sin tid og som en fortsat aktiv visuel oplevelse.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#65
Ramakien, panel 40 i Wat Phra Kaew-klostergangen
« Ramakien, panel 40 i Wat Phra Kaew-klostergangen » kombinerer præcision i tegning og frihed i fortællingen på en overflade, der forbliver levende på alle afstande. I « Ramakien, panel 40 i Wat Phra Kaew-klostergangen » tilhører episoden Ramakien: hære, paladser og heroiske figurer er fordelt i hurtige sekvenser, mens Hanuman ofte bringer lige så meget drivkraft som skælmeri. Noten til « Ramakien, panel 40 i Wat Phra Kaew-klostergangen » giver konkrete referencer: slutningen af det 18. århundrede, restaureret siden, Wat Phra Kaew, Bangkok. For « Ramakien, panel 40 i Wat Phra Kaew-klostergangen » vinder billedet dermed dybde uden at miste den klarhed, der gør det umiddelbart mindeværdigt.
Se museumsnotitsen →
#66
The Last Rainbow Fish
Scenen i « The Last Rainbow Fish » skrider frem gennem blikke, hænder, dyr og arkitektur, med en følelse af bevægelse, der ikke afhænger af larm. I « The Last Rainbow Fish » forvandler somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener, hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Noten til « The Last Rainbow Fish » giver konkrete referencer: 2001, MOCA Bangkok, 60cm x 160cm. For « The Last Rainbow Fish » forbliver resultatet levende, fordi fortællingen aldrig udsletter materialet eller glæden ved at se.
Se museumsnotitsen →
#67
Mother Earth
« Mother Earth » giver en umiddelbar tilstedeværelse til den religiøse eller episke verden, den repræsenterer, uden at reducere den til en simpel illustration. I « Mother Earth » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket af myter, kroppe, dyr og erindringer; drømmen har mange detaljer og intet ønske om at være diskret. Noten til « Mother Earth » giver konkrete referencer: 2011, MOCA Bangkok, 200cm x 130cm. For « Mother Earth » giver denne dialog mellem fortælling og overflade den en tilstedeværelse, der rækker langt ud over dens umiddelbare emne.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#68
Ramakien, panel 90 i Wat Phra Kaew-klostergangen
I « Ramakien, panel 90 i Wat Phra Kaew-klostergangen » skaber de gentagne motiver rytmen, mens afvigelserne giver hver episode sin særlige accent. I « Ramakien, panel 90 i Wat Phra Kaew-klostergangen » tilhører episoden Ramakien: hære, paladser og heroiske figurer er fordelt i hurtige sekvenser, mens Hanuman ofte bringer lige så meget drivkraft som skælmeri. Noten til « Ramakien, panel 90 i Wat Phra Kaew-klostergangen » giver konkrete referencer: slutningen af det 18. århundrede, restaureret siden, Wat Phra Kaew, Bangkok. For « Ramakien, panel 90 i Wat Phra Kaew-klostergangen » giver den en nyttig pejling for at forstå, hvordan siamesiske værksteder har tilpasset tekster, ritualer og lagttagelser af verden.
Se museumsnotitsen →
#69
Mahabhinishkramana
« Mahabhinishkramana » fylder rummet uden at kvæle det, en færdighed der er værdifuld både i et palads og på en skærm. I « Mahabhinishkramana » kombinerer thongchai Srisukprasert maleri, collage og buddhistisk ikonografi for at synliggøre opvågning, forsagelse og tilværelsens cyklusser. Notitsen for « Mahabhinishkramana » giver konkrete referencepunkter: 2008, MOCA Bangkok, 125cm x 175cm. For « Mahabhinishkramana » forklarer denne spænding mellem religiøs funktion og visuel opfindelse dens vedvarende styrke.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#70
Ramakien, panneau 100 du cloître de Wat Phra Kaew
Farven i « Ramakien, panneau 100 du cloître de Wat Phra Kaew » fordeler roller lige så sikkert som kostumer, stillinger og attributter. I « Ramakien, panneau 100 du cloître de Wat Phra Kaew » tilhører episoden Ramakien: hære, paladser og heroiske figurer er fordelt i hurtige sekvenser, mens Hanuman ofte bringer lige så meget fremdrift som skælmeri. Notitsen for « Ramakien, panneau 100 du cloître de Wat Phra Kaew » giver konkrete referencepunkter: slutningen af det 18. århundrede, restaureret siden, Wat Phra Kaew, Bangkok. For « Ramakien, panneau 100 du cloître de Wat Phra Kaew » skyldes dens styrke lige så meget dens historiske værdi som den måde, billedet forbliver læsbart i dag.
Se museumsnotitsen →
#71
Transiency
« Transiency » forbinder hellig fortælling med observation af hverdagen, sådan at en velkendt detalje pludselig kan bære en enorm idé. I « Transiency » kombinerer thongchai Srisukprasert maleri, collage og buddhistisk ikonografi for at synliggøre opvågning, forsagelse og tilværelsens cyklusser. Notitsen for « Transiency » giver konkrete referencepunkter: 2011, MOCA Bangkok, 125cm x 175cm. For « Transiency » kommer dens særegenhed netop fra denne blanding af kodiceret ramme og frihed i detaljerne.
Se museumsnotitsen →
#72
Logiyadhamma 1
I « Logiyadhamma 1 » kommer ornamentet ikke efter historien: det deltager i dens hastighed, højtidelighed og nogle gange dens humor. I « Logiyadhamma 1 » kombinerer thongchai Srisukprasert maleri, collage og buddhistisk ikonografi for at synliggøre opvågning, forsagelse og tilværelsens cyklusser. Notitsen for « Logiyadhamma 1 » giver konkrete referencepunkter: 2012, MOCA Bangkok, 283cm x 283cm. For « Logiyadhamma 1 » vender man tilbage for episoden, og så bliver man for detaljerne, der diskret havde forberedt deres slag.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#73
Ramakien, panneau 150 du cloître de Wat Phra Kaew
« Ramakien, panel 150 fra Wat Phra Kaews klostergang » forvandler væggen, lærredet eller siden til et rum, som øjet gennemløber snarere end et billede, der fortæres på én gang. I « Ramakien, panel 150 fra Wat Phra Kaews klostergang » tilhører episoden Ramakien: hære, paladser og heroiske figurer er fordelt i hurtige sekvenser, mens Hanuman ofte bringer både fremdrift og list. Noten til « Ramakien, panel 150 fra Wat Phra Kaews klostergang » giver konkrete holdepunkter: slutningen af 1700-tallet, restaureret siden, Wat Phra Kaew, Bangkok. For « Ramakien, panel 150 fra Wat Phra Kaews klostergang » minder værket således om, at thailandsk maleri fortæller lige så meget med stregen som med figurerne.
Se museumsnotitsen →
#74
Circle has no End
Fortællingen i « Circle has no End » forbliver klar på trods af detaljernes rigdom, et bevis på at en velmalet menneskemængde kan være bedre organiseret end en kø. I « Circle has no End » kombinerer thongchai Srisukprasert maleri, collage og buddhistisk ikonografi for at gøre opvågning, forsagelse og eksistensens cyklusser synlige. Noten til « Circle has no End » giver konkrete referencer: 2012, MOCA Bangkok, 176cm x 176cm. For « Circle has no End » bevarer maleriet således et dobbeltliv: som dokument for sin tid og som en stadig aktiv visuel oplevelse.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#75
Offrandes devant la cour
« Offrandes devant la cour » forener bevægelse, symbol og dekoration i en komposition, hvis orden gradvist afsløres. I « Offrandes devant la cour » organiserer værkstederne i Wat Suthat billedet efter en billedlogik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til « Offrandes devant la cour » giver konkrete referencer: 1800-tallet, Wat Suthat, Bangkok. For « Offrandes devant la cour » vinder billedet således dybde uden at miste den klarhed, der gør det umiddelbart mindeværdigt.
Se museumsnotitsen →De sidste rækker udvider ruten, men hvert værk skal forblive identificeret, museumsmæssigt og virkelig særskilt.
#76
Scene of Construction No.1
« Scene of Construction No.1 » tiltrækker først med sin farve og fastholder derefter blikket med en fortælling, der næsten kan læses gestus for gestus. I « Scene of Construction No.1 » organiserer pichet Burapathanin billedet efter en billedlogik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til « Scene of Construction No.1 » giver konkrete referencer: 2007, Art Centre Silpakorn University. For « Scene of Construction No.1 » forbliver resultatet levende, fordi fortællingen aldrig udvisker materialet eller glæden ved at se.
Se museumsnotitsen →
#77
Impression of Art in the Past No.1
I «Impression of Art in the Past No.1» bliver maleriet en aktiv scene, hvor arkitektur, figurer og ornamenter bevæger sig i samme tempo. I «Impression of Art in the Past No.1» organiserer praiwan Dakliang billedet efter en malerisk logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til «Impression of Art in the Past No.1» giver konkrete holdepunkter: 1986, Art Centre Silpakorn University. For «Impression of Art in the Past No.1» giver denne dialog mellem fortælling og overflade en tilstedeværelse, der rækker langt ud over det umiddelbare emne.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#78
På elefantryg
«På elefantryg» adskiller aldrig helt fortællingen fra dekorationen: hver kontur hjælper historien med at finde sin plads. I «På elefantryg» organiserer værkstederne i Wat Suthat billedet efter en malerisk logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til «På elefantryg» giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suthat, Bangkok. For «På elefantryg» tilbyder den en nyttig pejling for at forstå, hvordan de siamesiske værksteder tilpassede tekster, ritualer og observation af verden.
Se museumsnotitsen →
#79
The Past No.2
Kompositionen i «The Past No.2» organiserer en mængde detaljer uden at miste hovedtråden, hvilket forhindrer blikket i at spørge om vej. I «The Past No.2» organiserer praiwan Dakliang billedet efter en malerisk logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til «The Past No.2» giver konkrete holdepunkter: 1981, Art Centre Silpakorn University. For «The Past No.2» forklarer denne spænding mellem religiøs funktion og visuel opfindelse dens varige styrke.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#80
Hofmusikanterne
Med «Hofmusikanterne» omdanner thailandsk maleri en præcis scene til en varig visuel hukommelse. I «Hofmusikanterne» organiserer værkstederne i Wat Suthat billedet efter en malerisk logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til «Hofmusikanterne» giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suthat, Bangkok. For «Hofmusikanterne» ligger dens styrke lige så meget i dens historiske værdi som i den måde, billedet forbliver læseligt i dag.
Se museumsnotitsen →
#81
Perceptless
«Perceptless» opdages lag for lag: først handlingen, derefter tegnene, og til sidst de små fund, der er efterladt i margenen. I «Perceptless» organiserer anupong Chantorn billedet efter en malerisk logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til «Perceptless» giver konkrete holdepunkter: 2007, Art Centre Silpakorn University. For «Perceptless» kommer dens særegenhed netop fra denne blanding af kodificeret ramme og frihed i detaljerne.
Se museumsnotitsen →
#82
Reflection No.1
I « Reflection No.1 » giver farveflader, linjer og ændringer i skala fortællingen en meget konkret energi. I « Reflection No.1 » organiserer amrit Chusuwan billedet efter en billedlogik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til « Reflection No.1 » giver konkrete holdepunkter: 1984, Art Centre Silpakorn University. For « Reflection No.1 » vender man tilbage for episoden, og så bliver man hængende for detaljerne, der diskret havde forberedt deres indtog.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#83
Indra sur l'éléphant Airavata
« Indra sur l'éléphant Airavata » viser, at et billede kan være både hengivenhed, krønike og detaljeglæde uden at blive en endeløs sammenkomst. I « Indra sur l'éléphant Airavata » forbinder Phra Malai-cyklussen åndelig rejse, paradis, helvede og buddhistisk fortjeneste i sider, hvor tekst og billede udvikler sig sammen. Noten til « Indra sur l'éléphant Airavata » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suthat, Bangkok. For « Indra sur l'éléphant Airavata » mindes værket om, at thailandsk maleri fortæller lige så meget med linjen som med figurerne.
Se museumsnotitsen →
#84
Serenity
Det første blik fanger episoden i « Serenity »; det andet bemærker, hvor meget gestik og farver styrer tempoet. I « Serenity » organiserer surasit Saokong billedet efter en billedlogik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til « Serenity » giver konkrete holdepunkter: 1981, Art Centre Silpakorn University. For « Serenity » bevarer maleriet således et dobbeltliv: dokument fra sin tid og en fortsat aktiv visuel oplevelse.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#85
Les Trois Royaumes, panneau 1 de Wat Bowonniwet
« Les Trois Royaumes, panneau 1 de Wat Bowonniwet » lader øjet bevæge sig mellem hovedfigurer og bi-scener som en fortælling, der kender sine genveje perfekt. I « Les Trois Royaumes, panneau 1 de Wat Bowonniwet », på Wat Bowonniwet, er den kinesiske fortælling om De Tre Kongeriger tilpasset thailandsk vægmaleri med slag, processioner og arkitektur omhyggeligt fordelt. Noten til « Les Trois Royaumes, panneau 1 de Wat Bowonniwet » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Bowonniwet, Bangkok. For « Les Trois Royaumes, panneau 1 de Wat Bowonniwet » vinder billedet således i dybde uden at miste den klarhed, der gør det umiddelbart mindeværdigt.
Se museumsnotitsen →
#86
Life and Time No.2
I « Life and Time No.2 » indrammer rammen ikke historien: den giver den en retning, pauser og nogle velvalgte omveje. I « Life and Time No.2 » organiserer kiettisak Chanonnart billedet efter en billedlogik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til « Life and Time No.2 » giver konkrete holdepunkter: 1993, Art Centre Silpakorn University. For « Life and Time No.2 » forbliver resultatet levende, fordi fortællingen aldrig udvisker materialet eller glæden ved at se.
Se museumsnotitsen →
#87
Beside My Home No.9
Styrken ved « Beside My Home No.9 » kommer af dens balance mellem narrativ læsbarhed og dekorativ overflod. I « Beside My Home No.9 » organiserer surapong Somsook billedet efter en billedlogik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til « Beside My Home No.9 » giver konkrete holdepunkter: 1994, Art Centre Silpakorn University. For « Beside My Home No.9 » giver denne dialog mellem fortælling og overflade den en tilstedeværelse, der langt overstiger det umiddelbare emne.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#88
Les Trois Royaumes, panneau 3 de Wat Bowonniwet
« De Tre Kongeriger, panel 3 fra Wat Bowonniwet » har den generøse tæthed, hvor hver figur synes at have noget at gøre, somme tider endda mere end forventet. I « De Tre Kongeriger, panel 3 fra Wat Bowonniwet » er den kinesiske fortælling om De Tre Kongeriger tilpasset thailandsk vægmaleri i Wat Bowonniwet, med slag, processioner og arkitektur omhyggeligt fordelt. Noten til « De Tre Kongeriger, panel 3 fra Wat Bowonniwet » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Bowonniwet, Bangkok. For « De Tre Kongeriger, panel 3 fra Wat Bowonniwet » tilbyder den en nyttig milepæl til at forstå, hvordan siamesiske værksteder tilpassede tekster, ritualer og iagttagelse af verden.
Se museumsnotitsen →
#89
Soul of Human
I « Soul of Human » gør hierarkiet af størrelser og positioner episoden forståelig, selv før man kender alle navnene. I « Soul of Human » organiserer thaweesak Srithongdee billedet efter en billedlogik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten til « Soul of Human » giver konkrete holdepunkter: 1995, Art Centre Silpakorn University. For « Soul of Human » forklarer denne spænding mellem religiøs funktion og visuel opfindelse dens varige styrke.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#90
Cycle mural de Wat Ko Kaeo Suttharam, scène 4
« Cycle mural de Wat Ko Kaeo Suttharam, scène 4 » kombinerer tegningens præcision med fortællingens frihed på en overflade, der forbliver levende på alle afstande. I « Cycle mural de Wat Ko Kaeo Suttharam, scène 4 » bevarer tempeldekorationen sin primære rolle: at ledsage den rituelle rute, samtidig med at den giver en malet kronik af tidens tøj, bygninger og gestik. Noten om « Cycle mural de Wat Ko Kaeo Suttharam, scène 4 » giver konkrete pejlemærker: sen Ayutthaya-tid, Wat Ko Kaeo Suttharam, Phetchaburi. For « Cycle mural de Wat Ko Kaeo Suttharam, scène 4 » ligger dens styrke både i dens historiske værdi og i den måde, billedet stadig er læsbart i dag.
Se museumsnotitsen →
#91
Symbol (Five)
Scenen i « Symbol (Five) » skrider frem gennem blikke, hænder, dyr og arkitektur, med en følelse af bevægelse, der ikke er afhængig af støj. I « Symbol (Five) » organiserer parinya Tantisuk billedet efter en billedlig logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten om « Symbol (Five) » giver konkrete pejlemærker: 1998, Art Centre Silpakorn University. For « Symbol (Five) » ligger dens særegenhed netop i blandingen af kodificeret ramme og frihed i detaljerne.
Se museumsnotitsen →
#92
Calmness
« Calmness » giver en umiddelbar tilstedeværelse til den religiøse eller episke verden, den repræsenterer, uden at reducere den til en simpel illustration. I « Calmness » organiserer surasit Saokong billedet efter en billedlig logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Noten om « Calmness » giver konkrete pejlemærker: 1986, Art Centre Silpakorn University. For « Calmness » vender man tilbage for episoden, og så bliver man for detaljerne, der diskret har forberedt deres effekt.
Se museumsnotitsen →
#93
Le Vessantara Jataka à Wat Suwannaram
I « Le Vessantara Jataka à Wat Suwannaram » bygger de gentagne motiver rytmen, mens afvigelserne giver hver episode sin særlige accent. I « Le Vessantara Jataka à Wat Suwannaram » sætter fortællingen om prins Vessantara generøsitet, adskillelse og tilbagevenden på prøve; gestikken gør disse moralske valg umiddelbart synlige. Noten om « Le Vessantara Jataka à Wat Suwannaram » giver konkrete pejlemærker: 1800-tallet, Wat Suwannaram, Bangkok. For « Le Vessantara Jataka à Wat Suwannaram » minder værket således om, at thailandsk maleri fortæller lige så meget med linjen som med figurerne.
Se museumsnotitsen →
#94
Girl with Man and Woman in the Past
« Girl with Man and Woman in the Past » formår at fylde rummet uden at kvæle det, en værdifuld færdighed både i et palads og på en skærm. I « Girl with Man and Woman in the Past » organiserer weerasak Sutsadee billedet efter en malerisk logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Beskrivelsen af « Girl with Man and Woman in the Past » giver konkrete holdepunkter: 2006, Art Centre Silpakorn University. For « Girl with Man and Woman in the Past » bevarer maleriet således et dobbeltliv: som dokument for sin tid og som en fortsat aktiv visuel oplevelse.
Se museumsnotitsen →.jpg)
#95
Le Bouddha et les fidèles à Wat Suwannaram
Farverne i « Le Bouddha et les fidèles à Wat Suwannaram » fordeler rollerne lige så sikkert som kostumer, positurer og attributter. I « Le Bouddha et les fidèles à Wat Suwannaram » bestemmer Buddha-figuren kompositionens akse; ledsagere, flammer, lotus og sekundære registre gør et åndeligt hierarki synligt. Beskrivelsen af « Le Bouddha et les fidèles à Wat Suwannaram » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suwannaram, Bangkok. For « Le Bouddha et les fidèles à Wat Suwannaram » vinder billedet dermed dybde uden at miste den klarhed, der gør det umiddelbart mindeværdigt.
Se museumsnotitsen →
#96
Life - Truth
« Life - Truth » forener hellig fortælling og iagttagelse af hverdagen, sådan at en velkendt detalje pludselig kan bære en enorm idé. I « Life - Truth » organiserer kiettisak Chanonnart billedet efter en malerisk logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Beskrivelsen af « Life - Truth » giver konkrete holdepunkter: 1994, Art Centre Silpakorn University. For « Life - Truth » forbliver resultatet levende, fordi fortællingen aldrig udvisker materialet eller glæden ved at se.
Se museumsnotitsen →
#97
Dancing in Silence
I « Dancing in Silence » kommer ornamentet ikke efter historien: det deltager i dens hastighed, højtidelighed og til tider humor. I « Dancing in Silence » tilhører prasong Luemuang de generationer, der er hædret ved de nationale kunstudstillinger; komposition, farve og lokal erfaring opbygger en solidt thailandsk modernitet. Beskrivelsen af « Dancing in Silence » giver konkrete holdepunkter: 1987, Art Centre Silpakorn University. For « Dancing in Silence » giver denne dialog mellem fortælling og overflade den en nærvær, der langt overstiger dens umiddelbare emne.
Se museumsnotitsen →
#98
Scène de cour à Wat Suwannaram
« Scène de cour à Wat Suwannaram » forvandler væggen, lærredet eller siden til et rum, som øjet gennemløber snarere end et billede, der forbruges på én gang. I « Scène de cour à Wat Suwannaram » bevarer tempeldekorationen sin primære rolle: at ledsage den rituelle vandring, samtidig med at den giver en malet krønike over tidens tøj, bygninger og bevægelser. Beskrivelsen af « Scène de cour à Wat Suwannaram » giver konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suwannaram, Bangkok. For « Scène de cour à Wat Suwannaram » giver den et nyttigt pejlemærke til at forstå, hvordan siamesiske værksteder tilpassede tekster, ritualer og iagttagelse af verden.
Se museumsnotitsen →
#99
Ghost Family
Fortællingen i « Ghost Family » forbliver klar på trods af detaljerigdommen, et bevis på at en velmalet menneskemængde kan være bedre organiseret end en kø. I « Ghost Family » organiserer weerasak Sutsadee billedet efter en malerisk logik, hvor farve, rytme, materiale og thailandske referencer arbejder sammen. Beskrivelsen af « Ghost Family » giver konkrete holdepunkter: 2009, Art Centre Silpakorn University. For « Ghost Family » forklarer denne spænding mellem religiøs funktion og visuel opfindsomhed dens varige styrke.
Se museumsnotitsen →
#100
Assemblée céleste à Wat Suwannaram
« Himmelsk forsamling i Wat Suwannaram » forener bevægelse, symbol og dekoration i en komposition, hvis orden gradvist afsløres. I « Himmelsk forsamling i Wat Suwannaram » bevarer tempeludsmykningen sin primære rolle: at ledsage den rituelle vandring og samtidig give en malet krønike af tidens tøj, bygninger og gestik. Notitsen om « Himmelsk forsamling i Wat Suwannaram » giver konkrete pejlemærker: 1800-tallet, Wat Suwannaram, Bangkok. For « Himmelsk forsamling i Wat Suwannaram » ligger styrken både i dens historiske værdi og i den måde, billedet stadig er læsbart på i dag.
Se museumsnotitsen →Hvad klassificeringen afslører
Hundrede malerier, tre kriterier der tæller
Klassifikationen krydser værkets styrke, kunstnerens anerkendelse og museets autoritet. Tilgængeligheden af et billede vinder ikke længere en medalje alene.
Museet giver konteksten
En institutionel notits giver dato, teknik, mål, samling og historie frem for en blot fængende billedtekst.
Kunstneren skaber kontinuiteten
Værker af anerkendte mestre gør det muligt at følge brud og troskab i moderne thailandsk maleri.
Billedet skal forblive lovligt
Et beskyttet værk kan klassificeres og forbindes til sin kilde; det bliver dog ikke dermed en fri reproduktion til salg.
En historie i fem holdepunkter
Fem trin til at gennemgå klassifikationen
Pu Man Ya Man bliver et af landets mest elskede historiske billeder.
Universitetet grundlagt omkring Silpa Bhirasris undervisning strukturerer flere generationer af moderne malere.
Den første nationale kunstudstilling etablerer et varigt sted for anerkendelse og bevaring.
Institutionen samler siamesisk tradition, moderne maleri og værker af store kunstnere.
Det private museum samler et bredt panorama af thailandsk maleri fra de seneste årtier.
Thailandsk maleri i dybden
Fra moderne mestre til historiske billeder
MOCA Bangkok huser en stor samling af moderne thailandsk maleri. Salene dedikeret til Thawan Duchanee og samlingerne af Chalermchai Kositpipat, Prateep Kochabua, Somphong Adulyasaraphan og Panya Vijinthanasarn giver ranglisten dens første kerne.
National Gallery forbinder siamesisk tradition med moderne kunst. Dets samlinger gør det muligt at placere Fua Hariphitak, de kongelige malerier og historiske værker i en kontinuitet, som kun templernes billeder ikke kunne fortælle.
Silpakorns Kunstcenter bevarer de prisbelønnede værker fra de nationale kunstudstillinger. Coconut Grove af Chalood Nimsamer, Hua Hin af Misiem Yipintsoi, portrætter af Chakrabhand Posayakrit eller landskaber af Tawee Nandakwang giver et simpelt og robust kriterium: disse værker er blevet bedømt, præmieret og bevaret.
BACC fuldender dette panorama med ruter dedikeret til nationale kunstnere, især Damrong Wong-Uparaj. Rangeringen kan dermed sammenligne et hovedværk med et andet, i stedet for at stille tyve anonyme variationer af den samme cyklus op.
Kærlighedens hvisken fra Wat Phumin, phra bot, visse Jātaka og Ramakien forbliver til stede. De forsvinder ikke; de finder blot en proportioneret plads i en historie, der fortsætter langt efter det 19. århundrede.
Hver indførsel skal samle en tydelig titel, en kunstner eller en solid tilskrivning, en institutionel kilde og et juridisk anvendeligt billede. Et samtidsværk kan nævnes og knyttes til sit museum uden automatisk at blive en kommerciel reproduktion; ophavsret er ikke et lille kartel, man placerer bag rammen.
Fire læsenøgler
Sådan læses denne nye rangering
Museum, berømmelse, pris og visuel særegenhed gør det muligt at skelne et essentielt værk fra et billede, der blot er let at finde.
Kontroller tilstedeværelsen
En national eller universitetsindsamling vægter mere end et galleri med resultater uden oprindelse.
Mål anerkendelsen
National kunstner, stor pris og museumsudstilling styrker et værks plads.
Vurder særegenheden
Titel, komposition og historie skal tydeligt skelne hver indførsel fra de nioghalvfems andre.
At adskille se og gengive
Linket til et museum dokumenterer et værk; kun en kommerciel licens tillader kopiering af det på et produkt.
Museer, templer og noter
Fortsæt efter det hundrede maleri
National Gallery, MOCA Bangkok, Silpakorn Art Centre og BACC leverer de noter, der nu strukturerer klassificeringen.
I Alpha Reproduction
01Alle toplister over berømte malerierGuides Alpha Reproduction02Japansk maleri: 100 værkerGuides Alpha Reproduction03Berømte malerierGuides Alpha ReproductionMuseer og referencer
01National Gallery of Thailand - Fine Arts DepartmentMuseum & reference02MOCA Bangkok - permanent samlingMuseum & reference03MOCA Bangkok - online samlingMuseum & reference04Art Centre Silpakorn University - samlingMuseum & reference05Bangkok Art and Culture Centre - samlingMuseum & reference06Grand Palais de Bangkok - Ramakien-malerierMuseum & reference07The Met - Buddhistisk tempelmaleriMuseum & reference08Smarthistory - Wat Phra KaewMuseum & reference09Wikimedia Commons - Thailands malerierMuseum & referenceOfte stillede spørgsmål
Thailandsk maleri, museer og store kunstnere
Nogle pejlemærker til forståelse af klassificeringen, dens kilder og forskellen mellem et online synligt værk og et rettighedsfrit billede.
Hvilke kunstnere dominerer moderne thailandsk maleri?
Chalermchai Kositpipat, Thawan Duchanee, Fua Hariphitak, Chakrabhand Posayakrit, Panya Vijinthanasarn, Prateep Kochabua, Chalood Nimsamer og Damrong Wong-Uparaj er blandt de væsentligste referencer, der er udvalgt af museer og institutioner.
Hvad er Ramakien?
Ramakien er det thailandske nationale epos, en bearbejdning af Ramayana. Dets episoder skildrer blandt andet Phra Ram, Sida, Thotsakan og Hanuman.
Hvor kan man se malerierne fra Ramakien?
Wat Phra Kaews kloster, inden for Grand Palais' område i Bangkok, bevarer en monumental cyklus af 178 paneler dedikeret til Ramakien.
Hvad fortæller Jātaka?
Jātaka fortæller om Buddhas tidligere liv. Vessantara Jātaka, dedikeret til prins Vessantaras generøsitet, er særligt til stede i thailandsk maleri.
Hvad er en phra bot?
En phra bot er et buddhistisk hengivenhedsbanner eller -maleri, normalt på tekstil, beregnet til at blive hængt op i en religiøs sammenhæng.
Hvorfor finder man hverdagsscener i templerne?
Kunstnerne integrerer deres egen tid i de hellige fortællinger. Tøj, arkitektur, håndværk og skikke gør episoderne tilgængelige, mens de dokumenterer det siamesiske samfund.
Er alle hundrede poster malerier?
Ja. Ruten samler vægmalerier, paneler, bannere og malede manuskripter. Statuer, bygninger, dokumentarfotografier og ikke-malede genstande er udelukket.
Hvilke kilder gør det muligt at verificere disse værker?
Thailands Nationalgalleri, MOCA Bangkok, Silpakorn Art Centre, Bangkok Art and Culture Centre og direkte museumnoter dokumenterer værkerne, deres datoer og teknikker.
0 kommentarer