Top 100 - Metropolitan Museum of Art
Top 100 malerier fra Metropolitan Museum of Art
Hundrede malerier til at krydse Met uden at løbe, fra Duccio til Van Gogh, fra Vermeer til Sargent og fra Bruegel til Ogata Kôrin.
Metropolitan Museum of Art har nok større malerier til at gøre en times tur til en forhandling med lukketid. De hundrede værker kommer fra de officielle Met-optegnelser, med en særskilt identitet og billede for hver rang.
Hundrede malerier, et museum umuligt at færdiggøre
Metropolitan Museum uden at slide alle sine såler
De første steder kombinerer verdensberømmelse, historisk betydning og emblematisk rolle i samlingen. Washington Crossing the Delaware, Madame.
The Met indeholder nok malerier til at gøre et hurtigt besøg til en hel dag. Denne Top 100 holder mesterværker og efterlader unødvendige omveje i omklædningsrummet.Skift til billeder
De 100 malerier i Metropolitan Museum of Art
De første tyve rækker samler malerier, hvis berømmelse strækker sig ud over Met-gallerierne, fra Washington Crossing the Delaware til Van Goghs og Vermeers.
#1
Washington Crossing the Delaware
I "Washington Crossing the Delaware" fanger det første blik emnet; det andet begynder at forstå, hvordan Emanuel Leutze organiserer mødet. Leutze forvandler amerikansk historie til et monumentalt teater, med nok vind i flagene til at få os til at glemme, at Delaware sandsynligvis var mindre samarbejdsvillig. I "Washington Crossing the Delaware" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Washington Crossing the Delaware" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. Rang 1 i "Washington Crossing the Delaware" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#2
Sokrates' død
David bestiller fagter, profiler og arkitektur med en neoklassisk klarhed, der giver hver moralsk beslutning klarheden af en dom. I "Sokrates' død" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. Rang 2 af "Sokrates' død" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#3
Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)
Med "Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)" forvandler John Singer Sargent et identificerbart motiv til en konstruktion af lys, rytme og nærvær. Sargent balancerer portrættet mellem virtuositet, social tilstedeværelse og detaljer, der er i stand til diskret at stjæle scenen fra modellen. I "Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)" konstruerer positur, tøj, hænder og blik en social identitet lige så meget som et ansigt. Rang 3 af "Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og emblematisk rolle i samlingen af Metropolitan Museum.
Se museumsmeddelelsen →
#4
Hvedemark med cypresser
Den visuelle succes med "Hvedemark med Cypresser" skyldes en umiddelbart læsbar sammensætning, som alligevel fortsætter med at give detaljer efter det regulatoriske stop foran kartellet. Van Gogh konstruerer rummet efter nøglens retning og ved en farve, som beskriver både følelsen og motivet observeret. Landskabet i "Hvedemark med Cypresser" er baseret på dybde, vejr og lyscirkulation frem for på simpel indretning. Landskabet i "Hvedemark med Cypresser" er baseret på dybde, vejr og lyscirkulation frem for på simpel indretning. Landskabet i "Hvedemark med Cypresser" er baseret på dybde, vejr og lyscirkulation frem for på simpel indretning. Landskabet i "Hvedemark med Cypresser" er baseret på dybde, vejr og lyscirkulation frem for på simpel indretning. Landskabet i "Hvedemark med Cypresser" er baseret på dybde, snarere på dybde og lysets cirkulation. Landskabet i "Hvedemark med Cypresser" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for på simpel indretning. Række 4 i "Hvedemark med Cypresser" er baseret på dybde, vejr og cirkulation af lys frem for på simpel indretning. Landskabet i "Hvedemark med Cypresser" er baseret på dybde, vejr og indretning. Landskabet i lyset af lyscirkulation. Marken er baseret på enkel cirkulation af lys og "Hvede"
Se museumsmeddelelsen →
#5
Iriser
"Irises" viser, hvorfor Vincent van Gogh forbliver essentiel for Mets rejse: Værket fortæller, beskriver og organiserer rummet uden at forvirre overflod og uorden. Van Gogh konstruerer rummet efter nøglens retning og ved en farve, der beskriver både følelsen og det observerede motiv. I "Irises" tillader objekter, blomster eller frugter, at farve, tekstur og varighed måles med en præcision, der gør bordet overraskende ambitiøst. Rang 5 af "Irises" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#6
Selvportræt med stråhat (forside: Kartoffelskrælleren)
Foran "Selvportræt med stråhat (forside: Kartoffelskrælleren)" bevæger blikket sig fra emne til materiale og vender derefter tilbage til motivet med nogle yderligere oplysninger og ideelt set lidt flere trommer. Van Gogh konstruerer rummet gennem nøglen retning og gennem en farve, der beskriver både følelsen og det observerede motiv. I "Selvportræt med stråhat (forside: Kartoffelskrælleren)" konstruerer posituren, tøj, hænder og blik en social identitet lige så meget som et ansigt. I "Selvportræt med stråhat (forside: Kartoffelskrælleren)", poserer, tøj, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. Rang 6 af "Selvportræt med stråhat (forside: Kartoffelskrælleren)", poserer, tøj, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. Rang 6 af "Selvportræt med stråhat (forside: Kartoffelskrælleren)", poserer, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. Rang 6 af "Selvportræt med "Kartoffelhat: Kartoffelskræller)", poserer en social identitet som et ansigt.
Se museumsmeddelelsen →
#7
Aristoteles med en buste af Homer
Stedet for "Aristoteles med en buste af Homer" i samlingen afhænger ikke kun af dens forfatter: Rembrandt (Rembrandt van Rijn) kondenserer en æra, en teknik og en enestående måde at henvende sig til beskueren på. Rembrandt (Rembrandt van Rijn) giver "Aristoteles med en buste af Homer" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Aristoteles med en buste af Homer" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Aristoteles med en buste af Homer" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Aristoteles med en buste af Homer" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. Rang 7 af "Aristoteles med en buste af Homer" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en emblematisk rolle i samlingen af Metropolitan Museum.
Se museumsmeddelelsen →
#8
Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)
"Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)" har denne sjældne kvalitet af museumsmalerier: at være genkendelig i reproduktion og meget mere kompleks, så snart du ser på kanterne, gestus og stilhed. Velazquez (Diego Rodriguez de Silva y Velazquez) giver "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på i rammen. I "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på i rammen. I "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. I "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. Rang 8 af "Juan de Pareja (ca. 1608 -1608)", forklarer billedet bedre end dets eneste lysforhold. I sit eneste motiv. Rank (ca. 1608 -1608 -160). I lyset forklarer det eneste forhold mellem dets styrke og motivet.
Se museumsmeddelelsen →
#9
Ung kvinde med en vandkande
I "Ung kvinde med en vandkande" justerer Johannes Vermeer afstanden præcist; værket tiltrækker først, og tvinger dig derefter til at sætte farten ned. Vermeer forvandler et roligt rum til en oplevelse af lys, geometri og ventetid, uden at flytte flere møbler end nødvendigt. I "Ung kvinde med en vandkande" konstruerer positur, tøj, hænder og blik en social identitet lige så meget som et ansigt. Rang 9 af "Ung kvinde med en vandkande" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#10
Høstmaskinerne
Titlen "Høstmaskinerne" annoncerer motivet, men Pieter Bruegel den Ældre tilføjer en visuel struktur, som forklarer dens varige tilstedeværelse i gallerierne i Met. Bruegel deler handlingen i hele landskabet og belønner det opmærksomme øje med episoder, som det første blik havde ladet glide væk. I "Høstmaskinerne" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. Rang 10 i "Høstmaskinerne" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en emblematisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#11
Udsigt over Toledo
I "Udsigt over Toledo" fanger det første kig emnet; det andet begynder at forstå, hvordan El Greco (Domenikos Theotokopoulos) organiserer mødet. El Greco (Domenikos Theotokopoulos) giver "Udsigt over Toledo" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Landskabet i "Udsigt over Toledo" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for simpel indretning. Landskabet i "Udsigt over Toledo" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for simpel indretning. Landskabet i "Udsigt over Toledo" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for simpel indretning. Landskabet i "Udsigt over Toledo" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for simpel indretning. Landskabet i "Udsigt over Toledo" er baseret på dybde, vejr og lysets dybde snarere end simpel cirkulation. Landskabet i "Udsigt over Toledo" er baseret på dybde, vejr og cirkulation af lys frem for simpel indretning. Landskabet i "Udsigt over Toledo" er baseret på dybde, vejr og lyscirkulation. Landskabet i lyset af "Udsigt" er baseret på enkel vejr og indretning. Landskabet i lyset af lysets dybde og "Udsigt i lyset af lysets dybde" er baseret på enkel og indretning. Landskabet af lysets dybde og indretning er baseret på "Udsigt af lysets dybde og indretning"
Se museumsmeddelelsen →
#12
Musikerne
Caravaggio (Michelangelo Merisi) giver "Musikerne" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Indramningen af "Musikerne" distribuerer bevægelser, pauser og sideblik som en scene, hvor ingen karakter har hele historien. Rang 12 af "Musikerne" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#13
Danseklassen
Med "The Dance Class" forvandler Edgar Degas et identificerbart motiv til en konstruktion af lys, rytme og nærvær. Degas konstruerer sine scener som overraskede indramninger, hvor arbejde, ventetid og almindelige fagter tæller mere end officiel positur. Indramningen af "The Dance Class" distribuerer bevægelser, pauser og sideblik som en scene, hvor ingen karakter har hele historien. Rang 13 af "The Dance Class" distribuerer sekundære bevægelser, pauser og blikke som en scene, hvor ingen karakter har hele historien. Rang 13 af "The Dance Class" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#14
Golfstrømmen
Den visuelle succes med "Golfstrømmen" skyldes en umiddelbart læsbar sammensætning, som ikke desto mindre fortsætter med at give detaljer efter det regulatoriske stop før kartellet. Homer reducerer historien til et par væsentlige kræfter - hav, himmel, krop, venter - og lader derefter naturen genvinde fordelen. Landskabet i "Golfstrømmen" er afhængig af dybde, vejr og lysets strømning snarere end simpel indretning. Landskabet i "Golfstrømmen" er afhængig af dybde, vejr og lysets strømning snarere end simpel indretning. Landskabet i "Golfstrømmen" er afhængig af dybde, vejr og lysets strømning snarere end simpel indretning. Landskabet i "Golfstrømmen" er afhængig af dybde, vejr og lysets strømning snarere end simpel indretning. Landskabet i "Golfstrømmen" er afhængig af dybde, vejr og lysets strømning snarere end simpel indretning. Landskabet i "Golfstrømmen" er afhængig af dybde, vejr og lysets strømning snarere end simpel indretning. Rang 14 i "Golfstrømmen" kombinerer international berygtethed, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#15
Jeanne d'Arc
"Joan of Arc" viser, hvorfor Jules Bastien-Lepage forbliver essentiel for Mets rejse: Værket fortæller, beskriver og organiserer rummet uden at forvirre overflod og uorden. Jules Bastien-Lepage giver "Joan of Arc" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Joan of Arc" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Joan of Arc" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. Rang 15 i "Joan of Arc" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en emblematisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#16
Hestemessen
Foran "Hestemessen" bevæger blikket sig fra emne til materiale og vender derefter tilbage til emne med nogle yderligere oplysninger og ideelt set lidt flere trommer. Rosa Bonheur giver "Hestemessen" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden i rammen på. I "Hestemessen" forklarer relationerne mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. Rang 16 i "Hestemessen" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#17
Udsigt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, efter en Thunderstorm -The Oxbow
Stedet for "Udsigt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, efter en Thunderstorm -The Oxbow" i samlingen afhænger ikke kun af dens forfatter: Thomas Cole kondenserer en æra, en teknik og en enestående måde at henvende sig til beskueren på. Cole forvandler det amerikanske landskab til en moralsk, historisk og klimatisk fortælling, med skyer sjældent engageret som blot statister. Landskabet i "Udsigt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, efter en Thunderstorm -The Oxbow" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation snarere end på en simpel indstilling. Landskabet i "Udsigt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, efter en Thunderstorm -The Oxbow" er baseret på dybde, vejr og lyscirkulation snarere end på en enkel indstilling. Landskabet i "Udsigt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, efter en Thunderstorm -The Oxbow" er baseret på dybde, vejr og lyscirkulation snarere end på en enkel indstilling. Landskabet i "Udsigt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, efter en Thunderstorm -The Oxbow" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation snarere end på en enkel indstilling. Landskabet i "Udsyn fra Holyoke, Northampton, efter en Thunderstorm, med et enkelt landskab af Thunderstormstorm, med "Udsbow, der er baseret på en simpel dybde og et historisk Dunderbow, med et tordenvejr, med "Udsudsigt fra en dybden af et historisk Dybde, og et klimatisk landskab, med "The Oxstorm, der er baseret på en simpel dybde af et historisk Dunderbue, og et klimatisk landskab, med "The Oxstorm, med en simpel dybde af et bjerg, der er baseret på en simpel og et klimatisk omgivelse af et vejr og et vejr. kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#18
Hjertet af Andesbjergene
"Andesbjergenes hjerte" har denne sjældne kvalitet af museumsmalerier: at være genkendelig i reproduktion og meget mere kompleks, så snart du ser på kanterne, gestus og stilhed. Church kombinerer præcis observation og panoramisk skue for at give landskabet omfanget af en offentlig begivenhed. I "Andeshjertet" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. Rang 18 i "Andesbjergenes hjerte" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museums samling.
Se museumsmeddelelsen →
#19
Kortspillerne
I "Kortspillerne" justerer Paul Cézanne afstanden præcist; værket tiltrækker først, og tvinger dig derefter til at sætte farten ned. Cézanne bremser motivet for at undersøge volumener, farverige forhold og stabilitet; selv et æble synes at have tænkt længe og grundigt over sin plads. I "Kortspillerne" synes relationerne mellem figurer, rum og lys at have forklaret billedets styrke bedre end dets eneste motiv. I "Kortspillerne" forklarer relationerne mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. Rang 19 i "Kortspillerne" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en emblematisk rolle i samlingen af Metropolitan Museum.
Se museumsmeddelelsen →
#20
To mænd, der overvejer månen
Titlen "To mænd, der overvejer månen" annoncerer motivet, men Caspar David Friedrich tilføjer en visuel struktur, som forklarer dets varige tilstedeværelse i gallerierne i Met. Caspar David Friedrich giver "To mænd, der overvejer månen" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "To mænd, der overvejer månen", forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. I "To mænd, der overvejer månen", forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. Rang 20 i "To mænd, der overvejer månen" kombinerer international berømmelse, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.
Se museumsmeddelelsen →Fra Rembrandt og Vermeer til amerikanske landskaber, derefter fra Manet til Klimt, samler dette afsnit portrætter, udendørs og moderne brud.
#21
Selvportræt
I "Selvportræt" fanger det første blik emnet; det andet begynder at forstå, hvordan Rembrandt (Rembrandt van Rijn) organiserer mødet. Rembrandt (Rembrandt van Rijn) giver "Selvportræt" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Selvportræt" konstruerer positur, tøj, hænder og blik en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "Selvportræt" - 1660; Olie på lærred; 31 5/8 x 26 1/2 in. (80,3 x 67,3 cm) - identificer det uden at vedlægge det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#22
Studie af en ung kvinde
Vermeer forvandler et stille rum til en oplevelse af lys, geometri og ventetid, uden at flytte flere møbler end nødvendigt. I "Studie af en ung kvinde" konstruerer pose, tøj, hænder og blik en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle benchmarks for "Studie af en ung kvinde" - ca. 1665-67; Olie på lærred; 17 1/2 x 15 3/4 in. (44,5 x 40 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#23
Champion Single Sculls (Max Schmitt i en Single Scull)
Med "The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull)" forvandler Thomas Eakins et identificerbart motiv til en konstruktion af lys, rytme og nærvær. Eakins ser på kroppen, håndværket og rummet med en ærlighed, der giver den moderne scene en næsten dokumentarisk tæthed. I "The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull)" forklarer relationerne mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle benchmarks for "The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull)", relationerne mellem figurer, rum og lys forklarer billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle benchmarks for "The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull)" - 1871; Olie på lærred; 32 1/4 x 46 1/4 in. (81,9 x 117,5 cm) - identificer det uden at vedlægge det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#24
Veteranen i et nyt felt
Den visuelle succes for "Veteranen i et nyt felt" skyldes en umiddelbart læsbar sammensætning, som alligevel fortsætter med at give detaljer efter den regulerende afgørelse før kartellet. Homer reducerer historien til et par væsentlige kræfter - hav, himmel, krop, venter - og lader derefter naturen genvinde fordelen. Landskabet i "Veteranen i et nyt felt" er baseret på dybde, vejr og cirkulation af lys snarere end på en enkel indstilling. De officielle vartegn for "Veteranen i et nyt felt" - 1865; Olie på lærred; 24 1/8 x 38 1/8in. (61,3 x 96,8cm) Indrammet: 37 3/8 × 51 1/4 × 5 1/4 in. (94,9 × 130,2 × 13,3 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#25
Pelshandlere, der stiger ned af Missouri
"Fur Traders Descending the Missouri" viser, hvorfor George Caleb Bingham forbliver essentiel for Mets rejse: Værket fortæller, beskriver og organiserer rummet uden at forvirre overflod og uorden. George Caleb Bingham giver "Fur Traders Descending the Missouri" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Fur Traders Descending the Missouri" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. I "Fur Traders Descending the Missouri" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Fur Traders Descending the Missouri" - 1845; Olie på lærred; 29 x 36 1/2 in. (73,7 x 92,7 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#26
Rocky Mountains, Landers Peak
Foran "The Rocky Mountains, Lander's Peak" bevæger blikket sig fra emne til materiale og vender derefter tilbage til emnet med nogle yderligere oplysninger og ideelt set lidt flere trommer. Albert Bierstadt giver "The Rocky Mountains, Lander's Peak" en præcis identitet gennem design, farve og måden at fordele opmærksomheden på i rammen. Landskabet i "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for på enkle rammer. Landskabet i "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for på enkle rammer. De officielle vartegn i "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for på enkle rammer. De officielle vartegn i "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for på enkle omgivelser. De officielle vartegn i "The Rocky Mountains, Lander's Peak" - 1863; Olie på lærred; 73 1/2 x 120 3/4 in. (186,7 x 306,7) - identificer det uden at omslutte den generelle formel.
Se museumsmeddelelsen →
#27
Thunder Storm nærmer sig
Stedet for "Approaching Thunder Storm" i samlingen afhænger ikke kun af dens forfatter: Martin Johnson Heade kondenserer en æra, en teknik og en unik måde at henvende sig til beskueren på. Martin Johnson Heade giver "Approaching Thunder Storm" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Approaching Thunder Storm" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle benchmarks for "Approaching Thunder Storm" - 1859; Olie på lærred; 28 x 44in. (71,1 x 111,8 cm) Indrammet: 42 1/2 × 58 3/8 × 5 in. (108 × 148,3 × 12,7 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#28
Stilleben -Violin og musik
"Still Life -Violin and Music" har denne sjældne kvalitet af museumsmalerier: at være genkendelig i reproduktion og meget mere kompleks, så snart du ser på kanterne, gestus og stilhed. William Michael Harnett giver "Still Life -Violin and Music" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Indramningen af "Still Life -Violin and Music" distribuerer bevægelser, pauser og sekundære blikke som en scene, som ingen karakter har hele scenariet af. Indramningen af "Still Life -Violin and Music" distribuerer bevægelser, pauser og sekundære blikke som en scene, som ingen karakter har hele scenariet af. Indramningen af "Still Life -Violin and Music" distribuerer bevægelser, pauser og sekundære blikke som en scene, som ingen karakter har hele scenariet. De officielle vartegn for "Still Life -Violin and Music" - 1888; Olie på lærred; 40 x 30 in. (101,6 x 76,2 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#29
George Washington
I "George Washington" justerer Gilbert Stuart afstanden præcist; værket tiltrækker først, og tvinger dig derefter til at sætte farten ned. Gilbert Stuart giver "George Washington" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "George Washington" forklarer relationerne mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle vartegn for "George Washington" - påbegyndt 1795; Olie på lærred; 30 1/4 x 25 1/4 in. (76,8 x 64,1 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#30
Stilleben med æbler og en gryde med primula
Titlen "Still Life with Apples and a Pot of Primroses" annoncerer motivet, men Paul Cézanne tilføjer en visuel struktur, som forklarer dens varige tilstedeværelse i Met-gallerierne. Cézanne bremser mønsteret for at undersøge volumener, farvede forhold og stabilitet; selv et æble synes at have tænkt længe og hårdt over sin plads. I "Still Life with Apples and a Pot of Primroses" tillader objekter, blomster eller frugter, at farve, tekstur og varighed måles med en præcision, der gør bordet overraskende ambitiøst. De officielle benchmarks for "Still Life with Apples and a Pot of Primroses" - ca. 1890; Olie på lærred; 28 3/4 x 36 3/8 in. (73 x 92,4 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#31
Bådsejlads
I "Boating" fanger det første blik emnet; det andet begynder at forstå, hvordan Edouard Manet organiserer mødet. Manet forenkler masserne, hærder visse kontraster og overlader det til beskueren at løse en scene, som høfligt nægter at forklare alt. I "Boating" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle referencer til "Boating" - 1874; Olie på lærred; 38 1/4 x 51 1/4 in. (97,2 x 130,2 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#32
Ung dame i 1866
Manet forenkler masserne, hærder visse kontraster og overlader det til beskueren at løse en scene, som høfligt nægter at forklare alt. I "Young Lady in 1866" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle referencer til "Young Lady in 1866" - 1866; Olie på lærred; 72 7/8 x 50 5/8 in. (185,1 x 128,6 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#33
Den spanske sangerinde
Med "Den spanske sanger" forvandler Edouard Manet et identificerbart motiv til en konstruktion af lys, rytme og nærvær. Manet forenkler masserne, hærder visse kontraster og overlader det til beskueren at løse en scene, som høfligt nægter at forklare alt. I "Den spanske sanger" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Den spanske sanger" - 1860; Olie på lærred; 58 x 45 in. (147,3 x 114,3 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#34
Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og hendes børn, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)
Den visuelle succes med "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og hendes børn, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" skyldes en umiddelbart læsbar komposition, som ikke desto mindre fortsætter med at give detaljer efter den regulerende afgørelse før kartellet. Auguste Renoir giver "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og hendes børn, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden inden for rammen. I "Madame Georges Charpentite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og Her Children, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emarite (1875 -1904) og Paul-Charonnie (1875 -18904) og præciserer opmærksomheden gennem Lemerite-Maguierte (1875 -18945) og Charpenthei, 18945 -18942 -18945). I vejen for at tegne Lemierte og Paul-Marite (1845). (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)", poserer, klæder, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle referencer til "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og hendes børn, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" - 1878; Olie på lærred; 60 1/2 x 74 7/8 in. (153,7 x 190,2 cm) - identificerer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#35
Ved Seashore
"By the Seashore" viser, hvorfor Auguste Renoir forbliver essentiel for Mets rejse: Værket fortæller, beskriver og organiserer rummet uden at forvirre overflod og uorden. Auguste Renoir giver "By the Seashore" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Landskabet i "By the Seashore" er baseret på dybde, vejr og lyscirkulation frem for på en enkel indstilling. Landskabet i "By the Seashore" er baseret på dybde, vejr og lyscirkulation frem for på en enkel indstilling. De officielle vartegn for "By the Seashore" - 1883; Olie på lærred; 36 1/4 x 28 1/2 in. (92,1 x 72,4 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#36
To unge piger ved klaveret
Foran "To unge piger ved klaveret" bevæger blikket sig fra emne til materiale og vender derefter tilbage til emnet med nogle yderligere oplysninger og ideelt set lidt flere trommer. Auguste Renoir giver "To unge piger ved klaveret" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "To unge piger ved klaveret" konstruerer positur, tøj, hænder og blik en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "To unge piger ved klaveret" - 1892; Olie på lærred; 44 × 34 in. (111,8 × 86,4 cm) Indrammet: 57 3/8 × 47 in. (145,7 × 119,4 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#37
Cirkus Sideshow (Cirkus Parade)
Stedet for "Cirkus Sideshow (Cirkus Parade)" i samlingen afhænger ikke kun af dens forfatter: Georges Seurat kondenserer en æra, en teknik og en enestående måde at henvende sig til tilskueren på. Georges Seurat giver "Cirkus Sideshow (Cirkus Parade)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Cirkus Sideshow (Cirkus Parade)" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Cirkus Sideshow (Cirkus Parade)" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle benchmarks for "Cirkus Sideshow (Cirkus Parade)" - 1887-88; Olie på lærred; 39 1/4 x 59 i. (99,7 x 149,9 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#38
Studie til "En søndag på La Grande Jatte"
"Studie til "En søndag på La Grande Jatte"" har denne sjældne kvalitet af museumsmalerier: at være genkendelig i reproduktion og meget mere kompleks, så snart du ser på kanterne, gestus og stilhed. Georges Seurat giver "Studie til "En søndag på La Grande Jatte" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Studie til "En søndag på La Grande Jatte"" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. I "Studie til "En søndag på La Grande Jatte"" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Studie til "En søndag på La Grande Jatte""" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle benchmarks for "Studie til "En søndag på La Grande Jatte"" - 1884; Olie på lærred; 27 3/4 x 41 in. (70,5 x 104,1 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#39
Ia Orana Maria (Hil dig Maria)
I "Ia Orana Maria (Hil dig Maria)" justerer Paul Gauguin afstanden præcist; værket tiltrækker først, og tvinger dig derefter til at sætte farten ned. Paul Gauguin giver "Ia Orana Maria (Hil dig Maria)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Ia Orana Maria (Hil dig Maria)" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Ia Orana Maria (Hil dig Maria)", forholdet mellem figurer, rum og lys forklarer billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle vartegn for "Ia Orana Maria (Hil Maria)" - 1891; Olie på lærred; 44 3/4 x 34 1/2 in. (113,7 x 87,6 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#40
Mäda Primavesi (1903 -2000)
Titlen "Mäda Primavesi (1903 -2000)" annoncerer motivet, men Gustav Klimt tilføjer en visuel struktur, som forklarer dets varige tilstedeværelse i gallerierne i Met. Gustav Klimt giver "Mäda Primavesi (1903 -2000)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Mäda Primavesi (1903 -2000)" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. I "Mäda Primavesi (1903 -2000)" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle vartegn for "Mäda Primavesi (1903 -2000)", forholdet mellem figurer, rum og lys forklarer billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle vartegn for "Mäda Primavesi (1903 -2000)", forholdet mellem figurer, rum og lys forklarer billedets styrke bedre end dets motiv. De officielle vartegn for "Mäda Primavesi (19003 -2000)", det officielle billede mellem dets eneste tegn, (190000). 19000000), forklarer det i et almindeligt billede. (190000000). 100000000).
Se museumsmeddelelsen →Moreau, Delacroix, Turner, Ingres, Goya og Poussin giver de malede historiebevægelser, kostumer og et par skyer, som tager deres rolle meget alvorligt.
#41
Ødipus og Sfinksen
I "Ødipus og sfinksen" fanger det første blik emnet; det andet begynder at forstå, hvordan Gustave Moreau organiserer mødet. Gustave Moreau giver "Ødipus og sfinksen" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Ødipus og sfinksen" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle referencer til "Ødipus og sfinksen" - 1864; Olie på lærred; 81 1/4 × 41 1/4 in. (206,4 × 104,8 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#42
The Repast of the Lion
Henri Rousseau (Toldbetjenten) giver "The Repast of the Lion" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden inden for rammen. I "The Repast of the Lion" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle vartegn for "The Repast of the Lion" - ca. 1907; Olie på lærred; 44 3/4 in. × 63 in. (113,7 × 160 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#43
Englænderen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge
Med "Englænderen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge" forvandler Henri de Toulouse-Lautrec et identificerbart motiv til en konstruktion af lys, rytme og nærvær. Henri de Toulouse-Lautrec giver "Englænderen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på i rammen. I "Englænderen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", poserer, klæder, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "Englænderen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", poserer, klæder, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "Englænderen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", poserer, klæder, hænder og blik som en officiel identitet. Warren (William Rouge) ved den officielle Tom Rouge, 184 - De officielle hænder og øjne på den officielle ansigtskonstruktion, som en "William Rouge" - De officielle hænder og et ansigt, som en warndling, som en officiel identitet.
Se museumsmeddelelsen →
#44
Bortførelsen af Rebecca
Den visuelle succes med "The Abduction of Rebecca" skyldes en umiddelbart læsbar komposition, som ikke desto mindre fortsætter med at give detaljer efter den regulerende afgørelse før kartellet. Delacroix fremmer historien gennem farver, diagonaler og lyschok snarere end gennem en klogt tilpasset fortælling. I "The Abduction of Rebecca" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle vartegn for "The Abduction of Rebecca" - 1846; Olie på lærred; 39 1/2 x 32 1/4 in. (100,3 x 81,9 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#45
Hvalfangere
"Whalers" viser, hvorfor Joseph Mallord William Turner forbliver essentiel for Mets rejse: Værket fortæller, beskriver og organiserer rummet uden at forvirre overflod og uorden. Joseph Mallord William Turner giver "Whalers" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Whalers" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle vartegn for "Whalers" - ca. 1845; Olie på lærred; 36 1/8 x 48 1/4 in. (91,8 x 122,6 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#46
Venus' toilet
Foran "Venus' Toilette" bevæger blikket sig fra emne til materiale og vender derefter tilbage til motivet med nogle yderligere oplysninger og ideelt set lidt flere trommer. François Boucher giver "Venus' Toilette" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Venus' Toilette" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle vartegn for "Venus' Toilette" - 1751; Olie på lærred; 42 5/8 x 33 1/2 in. (108,3 x 85,1 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#47
Sæbe Bobler
Stedet for "Sæbebobler" i samlingen afhænger ikke kun af dens forfatter: Jean Siméon Chardin kondenserer en æra, en teknik og en unik måde at henvende sig til beskueren på. Jean Siméon Chardin giver "Sæbebobler" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Sæbebobler" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle benchmarks for "Sæbebobler" - ca. 1733-34; Olie på lærred; 24 x 24 7/8 in. (61 x 63,2 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#48
Mezzetin
"Mezzetin" har denne sjældne kvalitet af museumsmalerier: at være genkendelig i reproduktion og meget mere kompleks, så snart du ser på kanterne, gestus og stilhed. Antoine Watteau giver "Mezzetin" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden inden for rammen. I "Mezzetin" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Mezzetin" - ca. 1718-20; Olie på lærred; 21 3/4 x 17 in. (55,2 x 43,2 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#49
Bashi-Bazouk
I "Bashi-Bazouk" justerer Jean-Léon Gérôme afstanden præcist; værket tiltrækker først, og tvinger dig derefter til at sætte farten ned. Jean-Léon Gérôme giver "Bashi-Bazouk" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Bashi-Bazouk" forklarer relationerne mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Bashi-Bazouk" - 1868-69; Olie på lærred; 31 3/4 x 26 in. (80,6 x 66 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#50
Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825 -1860), Princess de Broglie
Titlen "Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825 -1860), Princesse de Broglie" bekendtgør motivet, men Jean Auguste Dominique Ingres tilføjer en visuel struktur, som forklarer dens varige tilstedeværelse i gallerierne i Met. Ingres skubber linjen, stoffet og posituren mod en elegance så præcis, at anatomien undertiden accepterer at forhandle. I "Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825 -1860), Princesse de Broglie", forklarer relationerne mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825 -1860), Princesse de Broglie", forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys bedre billedets styrke end dets eneste emne. Broglie" - 1851 -53; Olie på lærred; 47 3/4 × 35 3/4 in. (121,3 × 90,8 cm) Indrammet: 61 1/4 × 49 1/2 in. (155,6 × 125,7 cm) - identificere det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#51
Joseph-Antoine Moltedo (født 1775)
I "Joseph-Antoine Moltedo (født 1775)" griber det første blik emnet; det andet begynder at forstå, hvordan Jean Auguste Dominique Ingres organiserer mødet. Ingres skubber linjen, stoffet og posituren mod en elegance så præcis, at anatomien nogle gange accepterer at forhandle. I "Joseph-Antoine Moltedo (født 1775)" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Joseph-Antoine Moltedo (født 1775)", forholdet mellem figurer, rum og lys forklarer billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle referencer til "Joseph-Antoine Moltedo (født 1775)" - ca. 1810; Olie på lærred; 29 5/8 x 22 7/8 i. (75,2 x 58,1 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#52
Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) og Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758 -1836)
David bestiller fagter, profiler og arkitektur med en neoklassisk klarhed, der giver hver moralsk beslutning klarheden i en dom. I "Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) og Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758 -1836)" forklarer relationerne mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle referencer til "Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) og Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758 -1836)" forklarer relationerne mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle referencer til "Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) og Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758 -1836)" - 1788; Olie på lærred; 102 1/4 x 76 5/8 i. (259,7 x 194,6 cm) - identificerer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#53
Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)
Med "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)" forvandler Goya (Francisco de Goya y Lucientes) et identificerbart motiv til en konstruktion af lys, rytme og nærvær. Goya (Francisco de Goya y Lucientes) giver "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klæder, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. I "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, tøj, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, hænder, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt som et "Manuel Osunio de Zuniga (1792), poserer et socialt ansigt som et ansigt og et ansigt, som et ansigt, der er et officielt ansigt, der er et ansigt, som et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, som et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, og et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, som et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, og et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der er et ansigt, der
Se museumsmeddelelsen →
#54
Condesa de Altamira og hendes datter, Maria Agustina
Den visuelle succes for "Condesa de Altamira og hendes datter, Maria Agustina" skyldes en umiddelbart læsbar komposition, som ikke desto mindre fortsætter med at give detaljer efter den regulerende afgørelse før kartellet. Goya (Francisco de Goya y Lucientes) giver "Condesa de Altamira og hendes datter, Maria Agustina" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Condesa de Altamira og hendes datter, Maria Agustina", forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Condesa de Altamira og hendes datter, Maria Agustina", forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle referencer til "Condesa de Altamira og hendes datter, Maria Agustina", forholdet mellem figurer, rum og lys forklarer billedets officielle benchmarks, Maria de Altira og dets officielle benchmarks. De officielle benchmarks mellem dets eneste tegn, Maria de Altira og hendes benchmarks, Maria Agustina", forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys, bedre end dets eneste tegn. Det officielle end dets emne, Agustina og hendes eneste tegn.
Se museumsmeddelelsen →
#55
Spåkonen
"The Fortune-Teller" viser, hvorfor Georges de La Tour forbliver afgørende for Mets rejse: Værket fortæller, beskriver og organiserer rummet uden at forvirre overflod og uorden. Georges de La Tour giver "The Fortune-Teller" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "The Fortune-Teller" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle vartegn for "The Fortune-Teller" - sandsynligvis 1630'erne; Olie på lærred; 40 1/8 x 48 5/8 in. (101,9 x 123,5 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#56
Blind Orion søger efter den opgående sol
Foran "Blind Orion Searching for the Rising Sun" bevæger blikket sig fra emne til materiale og vender derefter tilbage til motivet med nogle yderligere oplysninger og ideelt set lidt mere batteri. Nicolas Poussin giver "Blind Orion Searching for the Rising Sun" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Landskabet i "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for på en simpel indstilling. Landskabet i "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for på en simpel indstilling. Landskabet i "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for på en simpel indstilling. De officielle vartegn for "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er baseret på dybde, vejr og lysets cirkulation frem for på en simpel cirkulation. De officielle vartegn for "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er baseret på dybde, vejr og cirkulation af lys snarere end på en simpel indstilling. De officielle vartegn for "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er baseret på en simpel cirkulation af lyset og "Blind Orion Searching for the Rising Sun" 16. 12; De officielle landemærker for den officielle omgivelser for "Blind Orion Searching for en simpel cirkulation af lyset og opgang.
Se museumsmeddelelsen →
#57
Bortførelsen af de sabinske kvinder
Stedet for "Sabinkvindernes bortførelse" i samlingen afhænger ikke kun af dens forfatter: Nicolas Poussin kondenserer en æra, en teknik og en enestående måde at henvende sig til beskueren på. Nicolas Poussin giver "Sabinkvindernes bortførelse" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Sabinkvindernes bortførelse" forklarer relationerne mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Sabinkvindernes bortførelse" forklarer relationerne mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle pejlemærker for "Sabinkvindernes bortførelse" - sandsynligvis 1633 -34; Olie på lærred; 60 7/8 x 82 5/8 in. (154,6 x 209,9 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#58
Mars og Venus Forenet af Kærlighed
"Mars og Venus Forenet af Kærlighed" har denne sjældne kvalitet af museumsmalerier: at være genkendelig i reproduktion og meget mere kompleks, så snart du ser på kanterne, gestus og stilhed. Paolo Veronese (Paolo Caliari) giver "Mars og Venus Forenet af Kærlighed" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på i rammen. I "Mars og Venus Forenet af Kærlighed" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Mars og Venus Forenet af Kærlighed" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle vartegn for "Mars og Venus Forenet af Kærlighed" - 1570'erne; Olie på lærred; 81 x 63 3/8 in. (205,7 x 161 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#59
Venus og Adonis
I "Venus og Adonis" justerer Titian (Tiziano Vecellio) afstanden præcist; værket tiltrækker først, og tvinger dig derefter til at sætte farten ned. Titian (Tiziano Vecellio) giver "Venus og Adonis" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Venus og Adonis" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Venus og Adonis" - 1550'erne; Olie på lærred; 42 x 52 1/2 in. (106,7 x 133,4 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#60
Den hellige Hieronymus' sidste nadver
Titlen "Den hellige Hieronymus' sidste nadver" annoncerer motivet, men Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) tilføjer en visuel struktur, som forklarer dens varige tilstedeværelse i Met-gallerierne. Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) giver "Den hellige Hieronymus' sidste nadver" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Ikonografien af "Den hellige Hieronymus' sidste nadver" bliver læsbar ved fagter, egenskaber og figurernes hierarki, ikke ved en eftertanke-legende. Ikonografien af "Den hellige Hieronymus' sidste nadver" bliver læsbar ved fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke ved en eftertanke-legende. Ikonografien af "Den hellige Hieronymus' sidste nadver" bliver læsbar ved fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke ved en eftertanke. Ikonografien af "Den hellige Hieronymus' sidste nadver" bliver læsbar ved fagter, attributter og figurernes gestus, ikke ved et helgendsikon efter "Hieronymus's sidste nadver" bliver læsbar efter "Den hellige Hieronymus's sidste tegn og identificerer den ved "Nederisens sidste tegnsætning" 140. Den sidste nadver af hieronymordbog og identificerer den uden en generel formleri. 140.
Se museumsmeddelelsen →Botticelli, Duccio, Giotto, Van Eyck, Holbein, Raphael, Rubens og Caravaggesques installerer hengivenhed, portræt og chiaroscuro i gallerierne.
#61
Bebudelsen
I "Bebudelsen" fanger det første blik emnet; det andet begynder at forstå, hvordan Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) organiserer mødet. Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) giver "Bebudelsen" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Ikonografien af "Bebudelsen" bliver læsbar ved fagter, attributter og figurhierarkiet, ikke ved en billedtekst pudset efter kendsgerningen. De officielle vartegn for "Bebudelsen" - ca. 1490; Tempera og guld på træ; 7 1/2 x 12 3/8 in. (19,1 x 31,4 cm) - identificer det uden at vedlægge det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#62
Madonna og barn
Duccio kombinerer en guld baggrund, en fleksibel linje og følelser valgt for at gøre hengivenhed et møde i øjenhøjde. Ikonografien af "Madonna og barn" bliver læsbar ved bevægelser, attributter og hierarkiet af figurer, ikke ved en billedtekst givet efter kendsgerningen. De officielle markører af "Madonna og barn" - ca. 1290 -1300; Tempera og guld på træ; Samlet, med engageret ramme, 11 x 8 1/4 in. (27,9 x 21 cm); malet overflade 9 3/8 x 6 1/2 in. (27,9 x 21 cm); malet overflade 9 3/8 x 6 1/2 in. (27,9 x 21 cm); malet overflade 9 3/8 x 6 1/2 in. (27,9 x 21 cm); malet overflade 9 3/8 x 6 1/2 in. (27,9 x 21 cm); malet overflade 9 3/8 x 6 1/2 in. (27,9 x 21 cm); malet overflade 9 3/8 x 219 219 20 cm (27,9 27 27 20 cm); malet overflade (27,9 x 27 27 27 20 cm); malet i overflade (27 27 27 27 27 20 20 20 2 20 2 cm); malet i overflade 2.
Se museumsmeddelelsen →
#63
Magiernes tilbedelse
Med "The Adoration of the Magi" forvandler Giotto di Bondone et identificerbart motiv til en konstruktion af lys, rytme og nærvær. Giotto di Bondone giver "The Adoration of the Magi" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Ikonografien af "The Adoration of the Magi" bliver læsbar af fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke af en eftertanke-legende. De officielle vartegn for "The Adoration of the Magi" - muligvis ca. 1320; Tempera på træ, guldgrund; 17 3/4 x 17 1/4 in. (45,1 x 43,8 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#64
Korsfæstelsen; Den sidste dom
Den visuelle succes med "Korsfæstelsen; Den sidste dom" skyldes en umiddelbart læsbar komposition, som alligevel fortsætter med at give detaljer efter den regulerende kendelse før kartellet. Jan van Eyck giver "Korsfæstelsen; Den sidste dom" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Ikonografien af "Korsfæstelsen; Den sidste dom" bliver læsbar gennem fagter, attributter og figurhierarkiet, ikke gennem en eftertænkt billedtekst. De officielle vartegn for "Korsfæstelsen; Den sidste dom" bliver læsbar gennem fagter, attributter og hierarki af figurer, ikke gennem en eftertænkt billedtekst. De officielle vartegn for "Korsfæstelsen; Den sidste dom" bliver læsbar ved fagter, attributter og hierarki af figurer, ikke ved en eftertanke ca. 1436-38; Olie på lærred, overført fra træ; Hver 22 1/4 x 7 2/3 i. (56,5 x 19,7 cm) - identificer den uden at omslutte den i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#65
Annunciation Triptykon (Merode Altertavle)
"Bebudelsestriptykon (Merode Altertavle)" viser, hvorfor Robert Campin forbliver essentiel for Mets rejse: Værket fortæller, beskriver og organiserer rummet uden at forvirre overflod og uorden. Robert Campin giver "Bebudelsestriptykon (Merode Altertavle)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Ikonografien af "Bebudelsestriptykon (Merode Altertavle)" bliver læsbar gennem fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke gennem en eftertænkelegende. Ikonografien af "Bebudelsestriptykon (Merode Altertavle)" bliver læsbar gennem fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke gennem en eftertænkelegende. Ikonografien af "Bebudelsestriptykon (Merode Altertavle)" bliver læsbar gennem fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke gennem en eftertænkelegende. De officielle vartegn for "Bebudelsestyptykon (Merode Altertavle)" bliver læsbar af figurer, attributter og figurernes hierarki, ikke ved en gestation. 1427-32; Olie på eg) Overordnet (7 38 3/27 (57). 37 37. 37. 37. cm) Centralpanel: 25 1/4 x 24 7/8 tommer. (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer. (64,5 x 27,3 cm) - identificer den uden at omslutte den i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#66
En Guldsmed i sin Butik
Foran "En Guldsmed i sin Butik" bevæger blikket sig fra emne til materiale og vender derefter tilbage til motivet med nogle yderligere oplysninger og ideelt set lidt mere batteri. Petrus Christus giver "En Guldsmed i sin Butik" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Teknikken med "En Guldsmed i sin Butik" favoriserer linje, flade områder og dyrebare detaljer; det kræver tættere læsning end olie på lærred. De officielle benchmarks for "En Guldsmed i sin Butik" - 1449; Olie på egetræspanel; Samlet 39 3/8 x 33 3/4 in. (100,1 x 85,8 cm); malet overflade 38 5/8 x 33 3/4 in. (100,1 x 85,8 cm); De officielle benchmarks for "En Guldsmed i sin Butik" - 1449; Olie på egetræspanel; Samlet 39 3/8 x 33 3/4 in. (100,1 x 85,8 cm); malet overflade 38 5/8 x 33 300 3/4 in. (10000 x 85,8 cm); Oliemalet overflade 300 x 3000 3000 x 30000.8000000 3000 x 300000000000000000 (10000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000000
Se museumsmeddelelsen →
#67
Portræt af en karteuser
Stedet for "Portræt af en karteuser" i samlingen afhænger ikke kun af dens forfatter: Petrus Christus kondenserer en æra, en teknik og en enestående måde at henvende sig til beskueren på. Petrus Christus giver "Portræt af en karteuser" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Portræt af en karteuser" konstruerer positur, tøj, hænder og blik en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "Portræt af en karteuser" - 1446; Olie på eg; Samlet 11 1/2 x 8 1/2 in. (29,2 x 21,6 cm); Malet overflade 11 1/2 x 8 1/2 in. (29,2 x 21,6 cm); Malet overflade 11 1/2 x 8 1/2 in. (29,2 x 21,6 cm); Malet overflade 11 1/2 x 8 1/2 in. (29,2 x 21,6 cm); 1/2 2 1/2 in. (29,2 x 21,6 cm); Malet overflade 1/2 1 2 2 20 2 2.2 2 2 2 20 2 2. 2 2 2 2 2 2. 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2
Se museumsmeddelelsen →
#68
Bebudelsen
"Bebudelsen" har denne sjældne kvalitet af museumsmalerier: at være genkendelig i reproduktion og meget mere kompleks, så snart du ser på kanterne, gestus og stilhed. Hans Memling giver "Bebudelsen" en præcis identitet gennem tegningen, farve og måde at fordele opmærksomheden inden for rammen. Ikonografien af "Bebudelsen" bliver læsbar ved gestus, attributter og figurernes hierarki, ikke ved en billedtekst pudset efter kendsgerningen. De officielle vartegn for "Bebudelsen" - ca. 1465 -70; Olie på træ; 73 1/4 x 45 1/4 in. (186,1 x 114,9 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#69
Hermann von Wedigh III (død 1560)
I "Hermann von Wedigh III (død 1560)" justerer Hans Holbein den Yngre afstanden præcist; værket tiltrækker først, tvinger dig derefter til at sætte farten ned. Hans Holbein den Yngre giver "Hermann von Wedigh III (død 1560)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Hermann von Wedigh III (død 1560)" konstruerer positur, tøj, hænder og blik en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "Hermann von Wedigh III (død 1560)", positur, tøj, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "Hermann von Wedigh III (død 1560)", positur, tøj, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "Hermann von Wedigh III (død 1560)", positur, tøj, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "Hermann von Wedigh III (død 1560)", 1560, som et socialt ansigt og et ansigt på "Herm, 120), med tilføjet 32 cm (22222).2222).222222222220).
Se museumsmeddelelsen →
#70
Erasmus af Rotterdam
Titlen "Erasmus af Rotterdam" annoncerer motivet, men Hans Holbein den Yngre tilføjer en visuel struktur, som forklarer dens varige tilstedeværelse i gallerierne i Met. Hans Holbein den Yngre giver "Erasmus af Rotterdam" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Erasmus af Rotterdam" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle benchmarks for "Erasmus af Rotterdam" - ca. 1532; Olie på linden panel; 7 1/4 x 5 9/16 in. (18,4 x 14,2 cm); malet overflade 6 15/16 x 5 1/2 in. (18,4 x 14,2 cm); malet overflade 6 15/16 x 5 1/16 in. (18,4 x 14,2 cm); malet overflade 6 15/16 x 5 1/16 in. (18,4 x 14,2 cm); olie på linden panel 7 15/16 in.4 (18,4 x 15 16 14 2 cm); olie på linden 16 15 14 16 14 14 2 cm (15,4 20 2 cm); malet overflade 16 15 15 14 16 x 14 14 14 14 14 14 14 14 14 2 cm); 15 15 15 14 15 14 15 14 2 cm 14 20 14 2 cm 14 14 14 20 14 14 14 14 14 14 14 14 2 14 20 14 2 2 20 2 2 2 2 14 14 20 20 2 14 2 2 2 2 14 14 2 20 2 2 14 2 2 2 2 2 2 14 2 2 2 14 2 2 2 2 2 2 2 15 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 4 2 2 20 2 2 2 2 2 2 4 2 2 4 2 2 4 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 20 2 2 2 2 2
Se museumsmeddelelsen →
#71
Jomfru og barn med Saint Anne
I "Jomfru og barn med Saint Anne" fanger det første blik emnet; det andet begynder at forstå, hvordan Albrecht Dürer organiserer mødet. Albrecht Dürer giver "Jomfru og barn med Saint Anne" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Ikonografien af "Jomfru og barn med Saint Anne" bliver læsbar ved fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke ved en eftertanke legende. Ikonografien af "Jomfru og barn med Saint Anne" bliver læsbar ved fagter, attributter og hierarki af figurer, ikke ved en eftertænkt legende. De officielle vartegn for "Jomfru og barn med Saint Anne" - sandsynligvis 1519; Olie på lind; 23 5/8 x 19 5/8 in. (60 x 49,8 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#72
Meditationen over lidenskaben
Vittore Carpaccio giver "Meditationen på lidenskaben" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden inden for rammen. Teknikken med "Meditationen på lidenskaben" favoriserer linje, flade områder og dyrebare detaljer; det kræver tættere læsning end olie på lærred. De officielle benchmarks for "Meditationen på lidenskaben" - ca. 1490; Olie og tempera på træ; Samlet 27 3/4 x 34 1/8in. (70,5 x 86,7cm); malet overflade 26 3/16 × 33 1/4 in. (66,5 × 84,5 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#73
Hyrdernes tilbedelse
Med "Hyrdernes tilbedelse" forvandler Andrea Mantegna et identificerbart motiv til en konstruktion af lys, rytme og nærvær. Andrea Mantegna giver "Hyrdernes tilbedelse" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Ikonografien af "Hyrdernes tilbedelse" bliver læsbar gennem fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke gennem en eftertanke billedtekst. De officielle vartegn for "Hyrdens tilbedelse" - kort efter 1450; Tempera på lærred, overført fra træ; Samlet 15 3/4 x 21 7/8 in. (40 x 55,6 cm); malet overflade 14 7/8 x 21 in. (40 x 55,6 cm); Hyrdernes tilbedelse" - hurtigt efter 1450; Tempera på lærred, overført fra træ; Samlet 15 3/4 x 21 7/8 in. (40 x 55,6 cm); malet overflade 14 7/8 x 21 (40 x 21 7/8 in. 50 x 2140 x 21 21 7/8 in. 2140 cm); Tilbedelsen af lærredet i alt 140 x 250 x 20 x 20 x 250 x 200 x 2000 20 cm; Befaderne på lærredet i alt hurtigt efter 140 x 140 x 5550 x 250 x 500 x 25000000000 x 20000000000 x 10000000000000 100000 10 10000000 10 10 100000 100000 10 20 20 20 20 2000 200000000000 2000 20 10 20 10000000 20 20000 20 200000 10 20 2000000 20 140 20 20 20 20 20 20 20 20 20 20 20 20 20 20 20 20 100 20 20 20 20 50 55550 20 20 20 20 550 20 20 20 20 20
Se museumsmeddelelsen →
#74
Madonna og barn tronede med hellige
Den visuelle succes for "Madonna og barn tronet med hellige" skyldes en umiddelbart læsbar komposition, som alligevel fortsætter med at give detaljer efter den regulerende afgørelse før kartellet. Raphael (Raffaello Sanzio eller Santi) giver "Madonna og barn tronet med hellige" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Ikonografien af "Madonna og barn tronet med hellige" bliver læsbar gennem fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke gennem en eftertænkelegende. Ikonografien af "Madonna og barn tronet med hellige" bliver læsbar gennem fagter, attributter og hierarki af figurer, ikke gennem en eftertænkelegende. Ikonografien af "Madonna og barn tronet med hellige" bliver læsbar gennem fagter, attributter og hierarki af figurer, ikke gennem en eftertænkt legende. De officielle vartegn for "Madonna og barn tronet med hellige" - ca. 1504; Olie og guld på træ; Hovedpanel, samlet 67 7/8 x 67 7/8 tommer. (172,4 x 172,4 cm), malet overflade 66 3/4 x 66 1/2 tommer. (169,5 x 168,9 cm) Briller, samlet 29 1/2 x 70 7/8 tommer. (74,9 x 180 cm), malet overflade 25 1/2 x 67 1/2 tommer. (64,8 x 180 cm), malet overflade 25 1/2 x 67 1/2 tommer (64,8 x 171,5 cm).
Se museumsmeddelelsen →
#75
Rubens, Helena Fourment (1614 -1673) og deres søn Frans (1633 -1678)
"Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), and Their Son Frans (1633 -1678)" viser, hvorfor Peter Paul Rubens forbliver essentiel for Mets rejse: værket fortæller, beskriver og organiserer rummet uden at forvirre overflod og uorden. Peter Paul Rubens giver "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), and Their Son Frans (1633 -1678)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på i rammen. I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Their Son Frans (1633 -1678)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden i rammen. I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), and Their Son Frans (1633 -1678)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på i rammen. I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1633 -1678), og deres søn gennem tegning af deres farve (1633 -1673), og deres farve i "Rubens" (1633 -1673), og deres farve gennem tegning af deres sønnen (1633 -1673 -1673), og deres opmærksomhed gennem deres og den præcise søn gennem deres farve og deres ramme (1633 -1678)" - ca. 1635; Olie på træ; 80 1/4 x 62 1/4 in. (203,8 x 158,1 cm) - identificere det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#76
Samson fanget af filistrene
Foran "Samson Captured by the Philistines" bevæger blikket sig fra emne til materiale og vender derefter tilbage til emnet med nogle yderligere oplysninger og ideelt set lidt flere trommer. Guercino (Giovanni Francesco Barbieri) giver "Samson Captured by the Philistines" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Samson Captured by the Philistines" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Samson Captured by the Philistines" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle referencer til "Samson Captured by the Philistines" - 1619; Olie på lærred; 75 1/4 x 93 1/4 in. (191,1 x 236,9 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#77
Den ubesmittede undfangelse
Stedet for "Den ubesmittede undfangelse" i samlingen afhænger ikke kun af dens forfatter: Guido Reni kondenserer en æra, en teknik og en enestående måde at henvende sig til beskueren på. Guido Reni giver "Den ubesmittede undfangelse" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Den ubesmittede undfangelse" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. I "Den ubesmittede undfangelse" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle benchmarks for "Den ubesmittede undfangelse" - 1627; Olie på lærred; 105 1/2 x 73 in. (268 x 185,4 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#78
Jomfruens kroning
"Jomfruens kroning" har denne sjældne kvalitet af museumsmalerier: at være genkendelig i reproduktion og meget mere kompleks, så snart du ser på kanterne, gestus og stilhed. Annibale Carracci giver "Jomfruens kroning" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Jomfruens kroning" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Jomfruens kroning" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle vartegn for "Jomfruens kroning" - efter 1595; Olie på lærred; 46 3/8 x 55 5/8 in. (117,8 x 141,3 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#79
Korsfæstelsen med Jomfruen og Sankt Johannes
I "Korsfæstelsen med Jomfruen og Sankt Johannes" justerer Hendrick ter Brugghen afstanden præcist; værket tiltrækker først, og tvinger dig derefter til at sætte farten ned. Hendrick ter Brugghen giver "Korsfæstelsen med Jomfruen og Sankt Johannes" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Ikonografien af "Korsfæstelsen med Jomfruen og Sankt Johannes" bliver læsbar ved fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke ved en eftertænksom legende. Ikonografien af "Korsfæstelsen med Jomfruen og Sankt Johannes" bliver læsbar ved fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke ved en eftertænkt legende. De officielle vartegn for "Korsfæstelsen med Jomfruen og Sankt Johannes" - ca. 1624-25; Olie på lærred; 61 in. × 40 1/4 in. (154,9 × 102,2 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#80
Merrymakers ved fastelavn
Titlen "Merrymakers at Shrovetide" annoncerer motivet, men Frans Hals tilføjer en visuel struktur, som forklarer dets varige tilstedeværelse i Met-gallerierne. Frans Hals giver "Merrymakers at Shrovetide" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Merrymakers at Shrovetide" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Merrymakers at Shrovetide" - ca. 1616-17; Olie på lærred; 51 3/4 x 39 1/4 in. (131,4 x 99,7 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →De sidste tyve værker flytter fra Holland til Spanien og Frankrig, inden de slutter med fire store malerier fra Kina og Japan.
#81
Wheat Fields
I "Wheat Fields" fanger det første kig emnet; det andet begynder at forstå, hvordan Jacob van Ruisdael organiserer mødet. Jacob van Ruisdael giver "Wheat Fields" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Landskabet i "Wheat Fields" er baseret på dybde, vejr og cirkulation af lys snarere end på en enkel indstilling. De officielle vartegn for "Wheat Fields" - ca. 1670; Olie på lærred; 39 3/8 x 51 1/4 in. (100 x 130,2 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#82
Fritid i en elegant indstilling
Pieter de Hooch giver "Fritid i en elegant indstilling" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Fritid i en elegant indstilling" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle benchmarks for "Fritid i en elegant indstilling" - ca. 1663-65; Olie på lærred; Udvidet lærred 22 15/16 x 27 5/16 in. (58,3 x 69,4 cm); Original synlig malet overflade 21 5/8 x 26 in. (58,3 x 69,4 cm); Original synlig malet overflade 21 5/8 x 26 in. (58,3 x 69,4 cm); Original synlig malet overflade 21 5/8 x 26 in. (58,3 x 69,4 cm); Original synlig overflade 21 5/8 x 26 in. (58,3 x 69,4 cm); Udvidet synlig 1 5/6 26 x 26,4 cm); Udvidet lærred 16 5/ 26 16 50 26 20 16 20 20 20 20 20 26 20 20 20 20 20 26 20 20 20 20 6 20 6 20 20 6 20 20 20 6 26 20 6 6 20 20 20 20 20 6 5 5 20 26 20 26 20 20 20 20 20 20 26 26 20 20 6 20 5 26 6 20 26 20 20 5 20 2 20 20 5 5 25 26 26 20 26 20 5 2 5 20 20 5 20 2 5 20 5 5 20 5 6 6 5 6 20 2 2 6 6 26 20 20 2 2 2 2 2 26 5 2 26 2 2 2 2 2 2 2 2 2 5 5 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 2 5 5 2 26 5 5 2 2 2 2 2 5 5 2 2 2 2 20 5 5 2 2 2 2 2 5 5 2 2 2 2 2 2 2 2 2 5 5 2 2 5 5 5 5 5 5 2 2 5 5 5 2 2 5 5 2 5 5 5 2 2 5
Se museumsmeddelelsen →
#83
Merry Company på en terrasse
Med "Merry Company on a Terrace" forvandler Jan Steen et identificerbart motiv til en konstruktion af lys, rytme og nærvær. Jan Steen giver "Merry Company on a Terrace" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Merry Company on a Terrace" forklarer relationerne mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle benchmarks for "Merry Company on a Terrace" - ca. 1670; Oil on a Terrace", relationerne mellem figurer, rum og lys forklarer billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle benchmarks for "Merry Company on a Terrace" - ca. 1670; Oil on a Terrace", relationerne mellem figurer, rum og lys forklarer billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle benchmarks for "Merry Company on a Terrace" - ca. 1670; Olie på lærred; 55 1/2 x 51 3/4 i. (141 x 131,4 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#84
Den unge jomfru
Den visuelle succes for "Den unge jomfru" skyldes en umiddelbart læsbar komposition, som alligevel fortsætter med at give detaljer efter den regulerende afgørelse før kartellet. Francisco de Zurbaran giver "Den unge jomfru" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Den unge jomfru" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle vartegn for "Den unge jomfru" - ca. 1632-33; Olie på lærred; 46 x 37 in. (116,8 x 94 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#85
Sankt Hieronymus som lærd
"Saint Jerome as Scholar" viser, hvorfor El Greco (Domenikos Theotokopoulos) forbliver essentiel for Mets rejse: Værket fortæller, beskriver og organiserer rummet uden at forvirre overflod og uorden. El Greco (Domenikos Theotokopoulos) giver "Saint Jerome as Scholar" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. Ikonografien af "Saint Jerome as Scholar" bliver læsbar gennem fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke gennem en eftertanke-legende. Ikonografien af "Saint Jerome as Scholar" bliver læsbar gennem fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke gennem en eftertænkelegende. Ikonografien af "Saint Jerome as Scholar" bliver læsbar gennem fagter, attributter og figurernes hierarki, ikke gennem en eftertænkelegende. De officielle vartegn for "Saint Jerome as Scholar" - ca. 1610; Olie på lærred; 42 1/2 x 35 1/16 in. (108 x 89 cm) - identificer den uden at omslutte den i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#86
Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)
Foran "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)" bevæger blikket sig fra emne til stof og vender derefter tilbage til emnet med nogle yderligere oplysninger og ideelt set lidt mere batteri. El Greco (Domenikos Theotokopoulos) giver "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på i rammen. I "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys bedre end dets eneste emne. De officielle referencer til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys bedre styrken af billedet end dets eneste emne "Cardino de Guevara" -1609). De officielle referencer mellem dets eneste billede og det eneste billede, Fernando de Guevara (1541 -1609), forklarer bedre end dets eneste lysforhold mellem dets emne, Fernando de Guevara (1541609). De officielle referencer og dets eneste lysreferencer, Fernando de Guevara (1541609).
Se museumsmeddelelsen →
#87
Selvportræt med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)
Stedet for "Selvportræt med to Elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" i samlingen afhænger ikke kun af dens forfatter: Adélaïde Labille-Guiard fortætter en epoke, en teknik og en enestående måde at henvende sig til beskueren på. Adélaïde Labille-Guiard giver "Selvportræt med to Elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden i rammen. I "Selvportræt med to Elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på i rammen. I "Self-Portræt med Gabriel (1761 -1861) - 1878)" en præcis tegning af identitet og en Marie Capriux-Portuils (17618) - 1876187 - Med en præcis opmærksomhed gennem tegning af Marie-Portuils, der fordeler en Marie og en Marie-Portuele, der fordeler sig på en Marie-186187618). tøj, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle referencer til "Selvportræt med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" - 1785; Olie på lærred; 83 x 59 1/2 in. (210,8 x 151,1 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#88
Grevinde de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)
"Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" har denne sjældne kvalitet af museumsmalerier: at være genkendelig i reproduktion og meget mere kompleks, så snart man ser på kanterne, gestus og stilhed. Elisabeth Louise Vigée Le Brun giver "Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på i rammen. I "Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden i rammen. I "Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på i rammen. I "Comtesse de la Châtre (Marie Brette, Aglaé Brette, 1848)" forklarer den ene og den anden opmærksomhed, der kendetegner sig på, på, som omtegner Charlotte Berette - 1842 - I billedet og forklarer den præcise ramme om dets eneste opmærksomhed embedsmænd i "Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" - 1789; Olie på lærred; 45 x 34 1/2 in. (114,3 x 87,6 cm) - identificere det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#89
Elizabeth Farren (født ca. 1759, død 1829), senere grevinde af Derby
I "Elizabeth Farren (født ca. 1759, død 1829), Senere grevinde af Derby", justerer Sir Thomas Lawrence afstanden præcist; værket tiltrækker først, tvinger dig derefter til at sætte farten ned. Sir Thomas Lawrence giver "Elizabeth Farren (født ca. 1759, død 1829), Senere grevinde af Derby" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden inden for rammen. I "Elizabeth Farren (født ca. 1759, død 1829), Senere grevinde af Derby" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden inden for rammen. I "Elizabeth Farren (født ca. 1759, død 1829), Senere grevinde af Derby", forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys bedre end dets eneste emne. De officielle referencer til "Elizabeth Farren (født ca. 1759, død 1829), grevinde af Derby", forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys bedre billedets styrke end dets eneste emne. De officielle referencer til "Elizabeth Farren (1759), døde Farren 189, 1829), forklarer Farren (Elabeths eneste billede af dets eneste lys, og dets eneste tal, forklarer, deribillede, bedre end dets officielle tal, men "Elabend" 17529), forklarer, bedre end dets officielle forhold til "Elizabeth Farren 1729292, forklarer, og dets eneste lys, forklarer, menighed, deriblandt de officielle tal, deriblandt om dets eneste tal, deribillede og dets eneste tal, derbys, deribillede, deribillede, og dets eneste tal, deribys, deribys, der er blevet til "Elændige tal, og dets eneste lys, og de officielle referencer, der er født som er blevet til "Endt", og som er født som er blevet til "Elændt"
Se museumsmeddelelsen →
#90
Hagar i ørkenen
Titlen "Hagar i vildmarken" annoncerer motivet, men Camille Corot tilføjer en visuel struktur, som forklarer dets varige tilstedeværelse i Met-gallerierne. Camille Corot giver "Hagar i vildmarken" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Hagar i vildmarken" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Hagar i vildmarken" - 1835; Olie på lærred; 71 x 106 1/2 in. (180,3 x 270,5 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#91
Sibyl
I "Sibylle" fanger det første blik motivet; det andet begynder at forstå, hvordan Camille Corot organiserer mødet. Camille Corot giver "Sibylle" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Sibylle" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Sibylle" - ca. 1870; Olie på lærred; 32 1/4 x 25 1/2 in. (81,9 x 64,8 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#92
Jalais Hill, Pontoise
Camille Pissarro giver "Jalais Hill, Pontoise" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden inden for rammen. I "Jalais Hill, Pontoise" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Jalais Hill, Pontoise" - 1867; Olie på lærred; 34 1/4 x 45 1/4 in. (87 x 114,9 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#93
Høstakke: Efterår
Med "Høstakke: Efterår" forvandler Jean-François Millet et identificerbart motiv til en konstruktion af lys, rytme og nærvær. Jean-François Millet giver "Høstakke: Efterår" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Høstakke: Efterår" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste motiv. De officielle referencer til "Høstakke: Efterår" - ca. 1874; Olie på lærred; 33 1/2 x 43 3/8 in. (85,1 x 110,2 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#94
Skoven om vinteren ved solnedgang
Den visuelle succes med "Skoven om vinteren ved solnedgang" skyldes en umiddelbart læsbar komposition, som alligevel fortsætter med at give detaljer efter den regulerende afgørelse før kartellet. Théodore Rousseau giver "Skoven om vinteren ved solnedgang" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Skoven om vinteren ved solnedgang" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. I "Skoven om vinteren ved solnedgang" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle benchmarks for "Skoven om vinteren ved solnedgang" - ca. 1846-67; Olie på lærred; 64 x 102 3/8 in. (162,6 x 260 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#95
Unge damer i landsbyen
"Young Ladies of the Village" viser, hvorfor Gustave Courbet forbliver afgørende for Mets rejse: Værket fortæller, beskriver og organiserer rummet uden at forvirre overflod og uorden. Courbet giver virkeligheden en materiel vægt: ansigter, klipper, stoffer og jord optager lærredet uden at bede om at blive udsmykket. I "Young Ladies of the Village" forklarer forholdet mellem figurer, rum og lys billedets styrke bedre end dets eneste emne. De officielle referencer til "Young Ladies of the Village" - 1851-52; Olie på lærred; 76 3/4 x 102 3/4 in. (194,9 x 261 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#96
Kvinde med en papegøje
Foran "Kvinde med en papegøje" bevæger blikket sig fra emne til materiale og vender derefter tilbage til emnet med nogle yderligere oplysninger og ideelt set lidt mere batteri. Courbet giver virkeligheden materiel vægt: ansigter, klipper, stoffer og jord optager lærredet uden at bede om at blive udsmykket. I "Kvinde med en papegøje" konstruerer positur, tøj, hænder og blik en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "Kvinde med en papegøje" - 1866; Olie på lærred; positur, tøj, hænder og blik konstruerer en social identitet lige så meget som et ansigt. De officielle vartegn for "Kvinde med en papegøje" - 1866; Olie på lærred; 51 x 77 in. (129,5 x 195,6 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#97
Iriser ved Yatsuhashi (otte broer)
Stedet for "Iriser ved Yatsuhashi (otte broer)" i samlingen afhænger ikke kun af dens forfatter: Ogata Kôrin kondenserer en æra, en teknik og en enestående måde at henvende sig til beskueren på. Ogata Kôrin giver "Iriser ved Yatsuhashi (otte broer)" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. I "Iriser ved Yatsuhashi (otte broer)" tillader objekter, blomster eller frugter at måle med en præcision, der gør bordet overraskende ambitiøst. I "Iriser ved Yatsuhashi (otte broer)" tillader objekter, genstande, blomster eller frugter at måle farve, tekstur og varighed med en præcision, der gør bordet overraskende ambitiøs, tekstur eller varighed, der gør det muligt at måle "I ottersure med en præcision", gør objekter med Yatsuhashi (otte broer)" Objekter, blomster eller frugter gør det muligt at måle farve, tekstur og varighed med en præcision, der gør bordet overraskende ambitiøst. I "Iriser ved Yatsuhashi (otte broer)", objekter, tillader objekter, blomster eller frugter farve, blomster eller varighed at måle med en præcision, der gør bordet ambitiøs farve (Iightashi) ved Yatsuhashi (Lige blomster eller varighed, I otte). I den officielle tekstur, der gør det muligt at måle sig med en ambitiøs farve eller en præcision, der er i bridges, og en varighed, der gør det muligt at måle sig med Yatsuhashi-briks (Lige blomster, der er en præcision, og en præcision, der gør det muligt at målestokstok, og en nøjagtighed, der gør Yatsuhashi-briktaktiske, der gør, at være en varighed, der gør, at være en varighed, der gør Yatsuhashi-briks, der er en ambitiøs, der er i bridges, der er en varighed, der er en varighed, der gør Yatsuhashi (Lige blomster eller en Yatsuhashi) papir; Billede (hver skærm): 64 7/16 tommer. x 11ft. 6 3/4 tommer. (163,7 x 352,4 cm) Samlet (hver skærm): 70 1/2 tommer. x 12 fod. 2 1/4 tommer. (163,7 x 352,4 cm) Samlet (hver skærm): 70 1/2 tommer. x 12 fod. 2 1/4 tommer. (179,1 x 371,5 cm) - identificer det uden at omslutte det i en generel formel.
Se museumsmeddelelsen →
#98
Gammel Blomme
"Old Plum" har denne sjældne kvalitet af museumsmalerier: at være genkendelig i reproduktion og meget mere kompleks, så snart du ser på kanterne, gestus og stilhed. Kano Sansetsu giver "Old Plum" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. "Old Plum"-teknikken favoriserer linje, flade områder og dyrebare detaljer; den kræver tættere læsning end olie på lærred. "Old Plum"-teknikken favoriserer linje, flade områder og dyrebare detaljer; den kræver tættere læsning end olie på lærred. De officielle "Old Plum"-vartegn - 1646; Fire skydedørspaneler (fusuma); blæk, farve, guld og bladguld på papir; Samlet (af alle fire paneler): 68 3/4 x 191 1/8 tommer. (174,6 x 485,5 cm) Samlet (a): 68 3/4 x 191 1/8 tommer. (174,6 x 485,5 cm) Samlet (af alle fire paneler): 68 3/4 x 191 (1484 (174) 170 (af alle fire paneler). (af alle fire 17484 (af alle fire paneler). cm) Samlet (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer. (173,7 x 123,8 cm) Samlet (c): 68 1/2 x 47 3/4 tommer. (174 x 121,3 cm) Samlet (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer. (174 x 121,3 cm) Samlet (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer. (174 x 121,3 cm) Samlet (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer. (174 x 121,3 cm) Samlet (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer. (174 x 121,3 cm) Samlet (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer. (174 x 121,3 cm) Samlet (d 174 x 174 121) (174 x 174 cm) (174 x 174 174 3/4 cm) Samlet (174000 174 30 (d) 37400 3/4 cm) (1740) 3000 (174) 3000 3 cm) (174000 300) 4) 3/400 3 cm) (1740 30 300 40 400 17 170 40 4)
Se museumsmeddelelsen →
#99
Rough Waves
I "Rough Waves" justerer Ogata Kôrin afstanden præcist; arbejdet tiltrækker først, og tvinger dig derefter til at sætte farten ned. Ogata Kôrin giver "Rough Waves" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. "Rough Waves"-teknikken favoriserer linje, flade områder og dyrebare detaljer; den kræver en tættere læsning end olie på lærred. De officielle benchmarks for "Rough Waves" - ca. 1704-9; To-panel foldeskærm; blæk, farve og bladguld på papir; Billede: 57 11/16 × 65 1/8 in. (146,5 × 165,4 cm) Samlet: 59 1/4 × 66 1/8 in. (146,5 × 165,4 cm) Samlet: 59 1/4 × 66 1/8 in. (146,5 × 165,4 cm) Samlet: 57 11/16 × 65 1/8 in. (146 1 16 1 16 1 16 1 16 × 14 16 14 1 16 14 14 14 (14 4 4 16 14 14 14 14 × 65 14 14 14 4 14 14 14 (5 4 4 4 4 14 14 14 4 4 4 14 14 14 14 14 14 14 × 4 4 4 4 4 4 4 4 4 4 4 4 14 4 4 14 14 14 14 4 14 14 14 14 14 14 14 14 14 14 4 4 4 14 14 4 4 4 14 14 14 14 14 4 14 14 4 14 14 14 14 14 14 14 14 14 14 14 14 14 14 14 14 1 4 4 4 4 14 4 4 14 1 1 14 4 14 4 14 14 14 1 1 14 1 1 14 14 14 14 14 14 1 1 14 14 1
Se museumsmeddelelsen →
#100
Nat-skinnende hvid
Titlen "Night-Shining White" annoncerer motivet, men Han Gan tilføjer en visuel struktur, der forklarer dens varige tilstedeværelse i Met gallerierne. Han Gan giver "Night-Shining White" en præcis identitet gennem tegning, farve og måden at fordele opmærksomheden på inden for rammen. "Night-Shining White" teknikken favoriserer linje, flade områder og dyrebare detaljer; det kræver tættere læsning end olie på lærred. De officielle "Night-Shining White" vartegn - ca. 750; Handscroll; blæk på papir; Billede: 12 1/8 x 13 3/8 in. (30,8 x 34 cm) Samlet med montering: 14 in. x 37 ft. 5 1/8 in. (350; Handscroll; blæk på papir; Billede: 12 1/8 x 13 3/8 in. (30,8 x 34 cm) Samlet med montering: 14 in. x 37 ft. 5 1/8 in. (350; Handscroll; på papir; De officielle markører for "Night-Shining White" - ca. 750; 10 30 cm) I alt med 12 (30 x 30 x 30 x 130) i papir (30 30 x 30) 130 x 30 x 130 x 30) I alt med montering i papir: 130 x 130.
Se museumsmeddelelsen →Hvad rankingen afslører
The Met har ikke et mesterværk, det har flere etager
Rangeringen favoriserer først global berømmelse og historisk betydning, og balancerer derefter maleriets skoler, perioder, formater og funktioner.
Berømmelse har mange ansigter
Et nationalt ikon af Leutze, et portræt af Sargent og et værelse af Vermeer fortæller ikke den samme historie, men hver er blevet en port til museet.
Donorer designede gallerierne
Havemeyer, Annenberg, Wolfe og mange andre private samlinger har givet Met sine mest spektakulære ensembler.
En samling forbliver i live
Tilskrivninger, restaureringer, ophæng og forskning ændrer konstant måden at læse værker på, som vi troede, vi kendte udenad.
The Met på fem datoer
Fem vartegn, før du går ind i gallerierne
Metropolitan Museum of Art blev født med ambitionen om at gøre kunst tilgængelig for den amerikanske offentlighed.
Museet åbnede sin Central Park-bygning og udvidede den derefter, indtil det gav ordet fløj en næsten geografisk betydning.
Donationer og arv styrkede hurtigt europæiske og amerikanske malerier.
Nye fløje, opkøb og forskning giver mere plads til verdens traditioner og modernitet.
The Met fornyer sine gallerier og læsninger; selv berømte malerier ændrer naboer og nogle gange betydning.
Museet i dybden
Hvordan klassificerer man et encyklopædisk museum uden at miste planen?
De første steder kombinerer verdensberømmelse, historisk betydning og emblematisk rolle i samlingen. Washington Crossing the Delaware, Madame.
Rangordningen er ikke begrænset til de mest reproducerede værker. Den bevarer de malerier, der forklarer Mets encyklopædiske identitet: Italiensk renæssance, hollandsk guldalder, Spanien, Frankrig, amerikansk maleri, persiske, indiske, kinesiske og japanske traditioner.
Hvert værk er verificeret i API og den officielle meddelelse fra Metropolitan Museum. Titlen, kunstneren, dato, teknik, dimensioner og billede skal matche; duplikeret identitet og billeder afvises før offentliggørelse.
Billederne kommer fra Mets Open Access. De vises i sin helhed med objektmonteret beholder, herunder til smalle portrætter og store vandrette formater, fordi et monumentalt maleri fortjener bedre end en ufrivillig klipning.
Efter introduktionen går besøget direkte til de hundrede malerier, et værk pr. række. Intet filter eller diasshow afbryder klassificeringen.
Fire besøgsnøgler
Hvordan man ser på hundrede malerier uden at blande alt sammen
En nyttig klassifikation skal forblive læsbar: ser man på dato, funktion, herkomst og teknik giver dig mulighed for at gå fra en middelalderlig Jomfru til Van Gogh uden at forvirre hastighed og hastværk.
Find, før du sammenligner
To portrætter adskilt af tre århundreder kan dele en positur, men ikke den samme sociale verden eller det samme forhold til beskueren.
Spørg, hvorfor arbejdet findes
Hengivenhed, politisk kommando, privat dekoration, studier eller moderne manifest ændrer dybt måden at læse et maleri på.
Se på materialet
Tempera, olie, blæk, guld og uigennemsigtig akvarel producerer overflader, hvis digitale gengivelse ikke bør slette forskellene.
Observer kvartererne
På Met er et værk i dialog med dets afdeling, dets hængning og arkitekturen; museet skriver også med vægge.
Meddelelser, kataloger og forskning
Fortsæt besøget efter nummer 100
Metropolitan Museums optegnelser, dets Masterpiece Paintings-samling, Heilbrunn Timeline of Art History og MetPublications-katalogerne giver dig mulighed for at kontrollere datoer, teknikker, dimensioner, herkomster og restaureringer.
Ofte stillede spørgsmål
The Met uden harmonika-foldet plan
Nogle svar til at forberede besøget, forstå klassificeringen og finde værkerne i samlingen.
Hvad er det mest berømte maleri i Metropolitan Museum?
Washington Crossing the Delaware af Emanuel Leutze, Madame X af Sargent, Van Goghs og Vermeers er blandt de mest berømte billeder. Valget afhænger også af perioden og den skole, du kommer for at se.
Hvor mange malerier har Met?
The Met vedligeholder tusindvis af malerier fordelt på flere afdelinger. Denne Top 100 er et redaktionelt udvalg, ikke den komplette opgørelse af samlingen.
Er alle disse værker udstillet permanent?
Nej. Ophængene ændres, nogle værker rejser eller holdes i reserve. Den officielle Met-meddelelse angiver ofte, om et maleri i øjeblikket er synligt, og i hvilket galleri.
Hvorfor findes asiatiske malerier i denne rangliste?
Metropolitan Museum er encyklopædisk. Dens samlinger af kinesisk, japansk, indisk og persisk maleri er afgørende; at udelukke dem ville give et kunstigt smalt billede af museet.
Kan billeder genbruges?
Billederne, der bruges her, er markeret som Open Access og public domain af Met. Meddelelsen om hvert værk forbliver referencen til kontrol af betingelserne og download af den officielle fil.
Hvor kan man se Mets europæiske malerier?
Meget af det er i de europæiske malergallerier på Fifth Avenue. Galleri numre og hængninger kan ændre sig; konsultere kortet og museum instruktioner på dagen for besøget.
Hvor lang tid tager det at se denne Top 100 på museet?
Flere timer i hvert fald, og sikkert mere hvis man virkelig kigger. Met belønningerne går i stykker; det sanktionerer især sko, der er for optimistiske.
Hvordan er denne Top 100 rangeret?
De forreste rækker kombinerer international berømmelse, historisk betydning og mesterværksstatus i samlingen. Suiten balancerer perioder, skoler og traditioner uden dobbeltarbejde eller image.
0 kommentarer