17. - 20. århundrede · oliemalerier
De 100 mest berømte lyserøde malerier
Hundrede malerier, hvor pink bliver til kød, stof, himmel, blomst, lys eller moderne manifest, fra Fragonard og Lawrence til Picasso, Matisse, Klimt og Sorolla.
Mere kompleks farve end den ser ud
Pink har aldrig været en klog farve
Fra rokokosatin til Picassos skarpe kroppe skifter pink roller uden at miste sin evne til at tiltrække øjet. Det kan smigre et stof, afkøle kød, hæve en aftenhimmel eller forvandle et helt værksted til rummet mentalt. I Fragonard ledsager det begær; i Munch krydser han tiden; i Matisse bygger han overfladen.
Farve tilhører hverken en genre eller en æra. Lawrence bruger det til at give bevægelse til et barns portræt, Cassatt til at bringe omsorg og indretning sammen, Sorolla til at måle solen på et vådt lærred. Klimt og Alma-Tadema viser endda, at en lavine af roser kan bære en politisk historie, en begivenhedsrig herkomst eller en særlig blomstrende kejserlig forbrydelse.
Pink blødgør ikke altid maling: Det kan også gøre det mere direkte, mere fysisk og mere moderne.
Meget lysnet og let gråtonet, det binder hudtoner, stoffer og interiør uden hærdende overgange.
Varmere og orange, det reflekterer solen på huden, facaderne, sandet og aftenskyerne.
Gennemsigtig og dyb beriger den glasurer, blomster og farvede skygger uden at gøre dem uigennemsigtige.
Livlig og kold, den får en næsten elektrisk kraft ved kontakt med grøn, blå og sort.
100 malerier, hvor pink konstruerer billedet
Redaktionel rangeringTyve billeder, der er blevet uforglemmelige
De absolutte ikoner af pink
Pablo Picasso
Demoiselles d'Avignon
Picasso arbejdede i månedsvis på dette store lærred fra 1907 og mangedoblede sine studier, før han opgav sammenhængende perspektiv og klassisk skønhed. De fem skærende figurer låner fra den iberiske kunst og for visse ansigter fra afrikanske masker. Roser og kødelige okker gør konfrontationen endnu mere direkte og åbner vejen til kubismen.
Se arbejdet på museet →
Jean-Honoré Fragonard
Escarpolettes glade chancer
En ung mand skjult i roser ser sin elskerinde skynde sig ind på en gynge skubbet af en selvtilfreds ægtemand eller præst. Fragonard forvandler denne libertinske orden til en hvirvelvind af løv, lyserød satin og lys. Skoen, der flyver væk, og Amoren, der beder om stilhed, opsummerer rokokoånden med relativ diskretion.
Se maleriet →
Thomas Lawrence
Pinkie
Thomas Lawrence malede Sarah Goodin Barrett Moulton, omkring elleve år gammel, kort efter ankomsten til England fra Jamaica. Vinden svulmer hendes lyserøde kjole, animerer båndene og giver portrættet skalaen af et genfærd. Tilnavnet Pinkie længe efter dets oprettelse blev maleriet den populære pendant til The Blue Boy i USA, hængende i samme samling.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Pink og blå
Renoir maler Alice og Élisabeth Cahen fra Antwerpen i to chiffonkjoler, den ene lyserød og den anden blå. Dette dobbeltportræt fra 1881 er bestilt af deres far, bankmanden Louis Cahen fra Antwerpen, og kontrasterer farver, mens det forener søstrene ved installation og lys. Stoffernes lethed skjuler en meget nøje tilpasset sammensætning.
Se maleriet →
William Bouguereau
Venus' fødsel
Bouguereau udstillede Venus' fødsel på Salonen i 1879 og indsatte en komposition inspireret af Raphael og gammel tradition. Gudinden står på en skal omgivet af nymfer, salamander og amoriner. Perlekød og mælkeagtige roser viser al malerens akademiske virtuositet, som tydeligvis ikke havde planlagt en beskeden velkomstkomité.
Se maleriet →
Frédéric Bazille
Den lyserøde kjole
Bazille maler sin fætter Thérèse des Hours bagfra, siddende på Mérics familieterrasse foran landsbyen Castelnau. Den lyserøde og grå kjole indtager skyggen, mens Languedoc-landskabet åbner sig i et klart lys. Fra 1864, denne modsætning mellem en nærliggende figur og det fri bebuder impressionistisk forskning, som Bazilles tidlige død vil give en brutal afslutning på.
Se maleriet →
Lawrence Alma-Tadema
Roserne af Heliogabalus
Alma-Tadema illustrerer en sen beretning om, at kejser Heliogabalus kvalte sine gæster under en lavine af kronblade. Roserne stiger ned fra et skjult loft, mens værten ser festen fra en platform. Malet lige i midten vinter med blomster afsendt fra Rivieraen, maleriet forvandler pink til storslået luksus, derefter til et instrument til mord af tvivlsom havebrugseffektivitet.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Portræt af Adèle Bloch-Bauer II
Fem år efter det berømte gyldne portræt forestiller Klimt Adèle Bloch-Bauer stående i en have med næsten tekstilfarver. Kjolens lyserøde, blomster og orientalske motiver opløser dybden omkring en meget figur lodret. Foragtet af nazisterne vendte derefter tilbage til Bloch-Bauer-arvingerne i 2006, maleriet bærer også en stor historie med herkomst og reparation.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Den lyserøde badekåbe
Den lyserøde badekåbe hører til de store strandscener malet af Sorolla i Valencia i 1916. To kvinder skifter under et badehus; det lyserøde stof filtrerer lyset og forvandler en almindelig gestus til farverig arkitektur. Havet optræder nederst i små åbninger, som om maleren havde installeret et midlertidigt værksted direkte i brisen.
Se maleriet →
John Singer Sargent
Nellike, Lilje, Lilje, Rose
Sargent maler to små piger, der tænder lanterner i en engelsk have, kun i de få minutter, hvor tusmørkelyset når den ønskede balance. Han tager lærredet igen aften efter aften i to somre og bevæger sig endda blomster i potter. Denne tålmodighed giver hvide, lilla og roser en lysstyrke, der virker spontan, en lille sejr for organisationen over vejret.
Se maleriet →
John Singer Sargent
Portræt af Lady Agnew af Lochnaw
Sargent maler Gertrude Agnew i en lænestol dækket af kinesisk silke, lidt skråtstillet mod beskueren. Den hvide kjole modtager de lilla refleksioner af væggen og bæltet, mens det direkte blik undgår enhver høflighed automatisk. Udstillet på Royal Academy i 1893 lancerede portrættet modellens verdslige berømmelse og bekræftede malerens.
Se maleriet →
Frederic Leighton
Flaming June
Leighton wraps en sovende kvinde i en koral orange kjole, hvis folder følger kroppen som en flamme. En gren af giftig oleander vises over hende og introducerer en trussel i dette billede af perfekt hvile. Præsenteret i 1895, derefter glemt og fundet i det 20. århundrede, blev Flaming June det sene ikon for victoriansk klassicisme.
Se maleriet →
Edvard Munch
The Dance of Life
Malet i 1899-1900, Livets dans tilhører Munchs Frise of Life. Tre kvinder i hvid, rød og sort indrammer en cirkel på kysten, ligesom de successive aldre af begær. Den lyserøde-røde kjole af den centrale danser forbinder omfavn, lidenskab og forbigående tid, under en måne, hvis refleksion ikke rigtig forbedrer den generelle optimisme.
Se maleriet →
John william waterhouse
Rosensjælen
Waterhouse malede en kvinde, der ånder en rose mod en havevæg i 1908. Titlen tager atmosfæren op af Maud de Tennyson, hvor blomsten bliver selve tilstedeværelsen af den elskede. Profilen, den lyserøde kjole og det mørke løv fokuser billedet på den usynlige duft; maleriet lykkes således med at antyde, hvad det absolut ikke kan levere med rammen.
Se maleriet →
Henri Matisse
Vinduet åbent, Collioure
Malet i Collioure i løbet af sommeren 1905, er dette lille vindue et af fauvismens grundlæggende værker. Havnen er reduceret til master og lyse berøringer, mens den lyserøde ramme forbinder rummet med det udvendige lys. Matisse kopierer ikke stedets farver: han øger dem, indtil han bringer Middelhavet ind i rummet uden at spørge om lov.
Se maleriet →
Georges Seurat
Poseuserne
Seurat malede Les Poseuses mellem 1886 og 1888 som svar på kritik, der anså figurerne af La Grande Jatte for stive. Tre på hinanden følgende stillinger af samme model optager værkstedet foran en del af hans store maleri. Tonerne roser og blå viser, at divisionisme kan forme kroppen; optisk teori består en akademisk tegneeksamen her.
Se maleriet →
Paul Gauguin
Kvinder fra Tahiti
Gauguin malede disse to kvinder i 1891 under sit første ophold på Tahiti. Siddende på sandet deltager de ikke i en spektakulær eksotisk scene: deres lukkede holdninger modstår blikket. De lyserøde kjoler, okkergulvet og den blåhavet organiserer store områder, men billedet skal også læses i kolonial sammenhæng og i den tahitiske fiktion konstrueret af maleren.
Se maleriet →
Claude Monet
Parlamentet, solnedgang
Mellem 1899 og 1904 malede Monet Londons parlament fra et vindue på St. Thomas Hospital, altid under skiftende atmosfærer. Ved solnedgang forsvinder stenen ind i den lilla tåge og lyserøde refleksioner. DE politisk monument bliver et mål for luft; Big Ben kan påtvinge tiden, men bestemt ikke farven.
Se maleriet →
JMW Turner
Den kæmpende Temeraire trak til sin sidste kaj for at blive brudt op, 1838
Turner viste i 1839 det gamle krigsskib Temeraire blive bugseret til værftet, hvor det ville blive demonteret. Den blege båd glider bag en mørk slæbebåd under en lyserød og guld solnedgang. Mellem national hukommelse og revolution industrielt gør maleriet et teknisk farvel til en elegi; selv Trafalgars helte støder til sidst på logistik.
Se maleriet →
Henri Matisse
Den grønne stråle
Ved Salon d'Automne i 1905 blev portrættet af Amélie Matisse et af fauvismens emblemer. Den grønne stribe, der deler ansigtet, beskriver ikke nogen naturlig skygge: den balancerer de tilstødende røde, lyserøde og blå. Matisse således forvandlede sin kone til et farverigt manifest, med en økonomi af midler, som fik besøgende til at tale meget.
Se maleriet →Hud, stof og nærvær
Det lyserøde af figurer, stoffer og kød
Henri Matisse
Luksus, ro og vellystighed
Titlen kommer fra Baudelaires Invitation til at rejse. Matisse malede Luksus, Ro og Vellystighed i 1904 efter et ophold i Saint-Tropez med Signac, stadig ved hjælp af et opdelt touch. Roser, gule og blå bygger et paradis moderne som annoncerer fauvismen og dens beslutning om at lade farve lede samtalen.
Se maleriet →
Salvador Dali
Den hallucinogene Toreador
Dalí arbejdede mellem 1968 og 1970 på denne enorme sammensætning født ud fra et gentaget billede af Venus de Milo set på en æske med blyanter. Lyserøde silhuetter forvandles til tyrefægtere, arenaer, fluer og barndomsminder. Metoden paranoid-kritisk forvandler et kommercielt motiv til en visuel labyrint, hvor tyrefægtning bliver både hyldest og anklage.
Se arbejdet på museet →
Henri Matisse
Det lyserøde værksted
Matisse malede L'Atelier rose i 1911 i sit arbejdsområde i Issy-les-Moulineaux. Væggene, gulvet og de hængende malerier er samlet af den samme lyserøde tone, mens perspektivet forbliver bevidst ustabilt. Værkstedet bliver mindre et stykke end et mentalt skabelseskort, hvor de allerede malede værker ser det næste tage form.
Se maleriet →
François Boucher
Markisen de Pompadour
Boucher repræsenterer Jeanne-Antoinette de Pompadour omgivet af bøger, partiturer og raffinerede genstande, ikke som en simpel favorit men som en kvinde med kultur og magt. Den havgrønne kjole udfolder sig blandt roser og blues af indretningen.Malet i 1756, portrættet forvandlet rokoko smag til en sand politisk program af elegance.
Se maleriet →
Claude Monet
Forår, frugttræer i blomst
I Argenteuil malede Monet i 1873 en frugthave, hvis blomstrende grene danner et lyserødt og hvidt slør foran huset. De blå skygger og det lyse græs gør foråret mindre symbolsk end meteorologisk. Foråret forvandler sig en meget kort blomstring i struktur af hele landskabet; træet landede i et par dage, maleren havde den gode idé at ankomme til tiden.
Se maleriet →
Edgar Degas
Dansere i pink
Degas observerer danserne bag kulisserne frem for fra orkesterstolen. Den lyserøde tutus samler kroppene i samme sats, men hver elev justerer yderligere deres positur, bånd eller balance. Maleriet interesseret i det arbejde, der går forud for sceneillusionen: farve lover nåde, minder gestus om de gentagelsestimer, der er nødvendige for at opnå det.
Se maleriet →
Mary Cassatt
Barnets Bad
Cassatt observerer en daglig gestus: en kvinde holder barnet fast, mens hun vasker hans fødder. Den dykkende indramning, tæppemønstre og forenklede konturer skylder meget til de japanske print, hun beundrede. Malet i 1893 forvandler Le Bain de l'enfant en hjemlig scene til en monumental komposition uden at få behandlingen til at miste sin konkrete blødhed.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Harmoni i Pink og Grå: Lady Meux
Whistler maler Lady Meux, en velhavende arving og socialite figur, i en bleg lyserød kjole mod en grå baggrund. Harmonys titel flytter opmærksomheden fra modellens status til harmonien af farver og materialer. Stillingen forbliver spektakulær, men komposition undgår fortælling; maleren forvandler det høje samfund til et bemærkelsesværdigt velklædt toneproblem.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Symfoni i hvid nr. 2: Den lille hvide pige
Jo Hiffernan står foran en pejs, hans ansigt reflekteret i spejlet og en japansk fan i hånden. Whistler kontrasterer den hvide kjole med lyserøde blomster, lyst træ og orientalske accenter uden at fortælle om en bestemt scene. Udsat i 1865 inspirerede lærredet vers i Swinburne og trykte derefter på sin ramme, et smukt tilfælde af maleri, der havde modtaget sin legende bagefter.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Den lyserøde bluse
Modigliani malede Den lyserøde bluse i 1919, i løbet af de sidste år af sit liv. Beklædningen blødgjort af okker og grå stabiliserer busten under et aflangt ansigt, mens baggrunden forbliver næsten bar. Modellen bevarer en rolig tilstedeværelse, uden verdslig indretning eller anekdote; farven er nok til at give portrættet dets beherskede varme.
Se maleriet →
Paul Signac
Havnen i Saint-Tropez
Signac flyttede til Saint-Tropez i 1892 og hjalp med at gøre havnen til et centrum for neo-impressionisme. I denne 1901-visning genkomponerer de separate strejf af pink, blå og gul middelhavslyset på afstand. Masterne strukturere overfladen, mens vandet multiplicerer farverne; havnen arbejder, men malingen synes allerede at være på ferie.
Se maleriet →
John william waterhouse
Ved helligdommen
I At the Sanctuary forestiller Waterhouse sig en ung kvinde, der placerer et offer foran en gammel guddom. Den lyserøde kjole skiller sig ud mod stenen og blomsterne, mens den indsamlede positur bremser historien. Malet i slutningen af det 19. århundrede, scenen vidner om den victorianske smag for en antikken genopbygget med masser af marmor, kronblade og en bemærkelsesværdig dekorationsservice.
Se maleriet →
Henri Matisse
Den lyserøde dug
Den lyserøde dug hører til interiører, hvor Matisse forvandler et husligt bord til et farvefelt. Objekter, frugter og stof er ikke justeret fra et klogt perspektiv: de glider ind i et rum bygget af dem kontraster. Pink forbinder stilleben til indretningen og giver et stille måltid en energi, som retter sandsynligvis ikke krævede.
Se maleriet →
Alexej von Jawlensky
Resumé: Symfoni i pink
Jawlensky forenkler gradvist ansigtet, indtil det bliver et moderne ikon. I Symphony in Pink bliver øjne, næse og mund til et par mørke linjer placeret på lyserøde og lilla felter. Portrættet søger ikke længere en præcis social identitet; det tilbyder en meditativ tilstedeværelse, konstrueret som en musikalsk akkord snarere end en fotografisk lighed.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Afgørende rose
Kandinsky malede Afgørende Rose i 1932, i slutningen af sine år på Bauhaus. En stor geometrisk rose virker blandt linjer, cirkler og flydende former på en mørk baggrund. Titlen giver farven en reel kapacitet til handling: det gør den ikke udfylder ikke en form, den tager en position i et abstrakt rum, hvor hver nabo reagerer på den.
Se maleriet →
Henri Matisse
Hvidt og lyserødt hoved
Matisse malede White and Pink Head under første verdenskrig, hvor hans portrætter blev mere stramme og strukturerede. Ansigtsbillederne er delt mellem hvide, lyserøde og mørke linjer, uden traditionel modellering. Der blødhed annonceret af farverne kolliderer med en næsten arkitektonisk konstruktion, en påmindelse om, at pink perfekt kan have karakter af en bærende væg.
Se maleriet →
Henri Matisse
Pink nøgen siddende
Siddende lyserød nøgen hører til Matisses forskning om den forenklede krop og dekorative rum. Figuren er konstrueret af store lyserøde overflader, som skiller sig ud fra en koldere baggrund, uden at søge akademisk anatomi. Stillingen virker rolige, men konturerne og de flade områder opretholder en konstant spænding mellem volumen og overflade.
Se maleriet →
Henri Rousseau
Ung pige i Pink
Henri Rousseau placerer en ung pige i en lyserød kjole foran et landskab reduceret til et par regelmæssige masser. Frontaliteten, den bevidst enkle tegning og den lidt mærkelige skala giver portrættet en uventet tyngdekraft. Modellen synes stillet i en meget rolig verden, hvor hvert blad kender sin plads, og hvor ingen har anset det for nyttigt at opfinde et kompliceret perspektiv.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Kvinde med en rose foran spejlet
Renoir repræsenterer en kvinde, der justerer en rose foran et spejl, et mønster, som giver hende mulighed for at formere ansigt, refleksion og intime bevægelser. Lyserøde toner cirkulerer mellem blomst, hud og tøj, mens spejlet åbner et andet rum. Der koketteri er ikke kun et emne: det bliver en konstruktion af blikket, da modellen ses i samme øjeblik, vi observerer den.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Karatidrose (Audacity)
Modigliani tegnede denne karyatid omkring begyndelsen af 1910'erne, da han stadig drømte om store skulpturelle ensembler. Den lyserøde krop, forenklet og stram, tager den arkitektoniske figur op, der er ansvarlig for at understøtte en vægt. Her er ingen bygninger vises ikke: installationen alene bevarer tanken om indsats, mens farven giver denne undersøgelse en næsten vægmonteret varme.
Se maleriet →Fra kronbladet til overfladen
Blomster, haver og lyserøde materialer
Henri Matisse
Kvinde på lyserød sofa
I Kvinde med en Pink Sofa lader Matisse figuren strække sig ind i et interiør, hvor sofa, væg og tøj tilhører det samme dekorative netværk. Modellen er ikke isoleret fra indretningen; det bliver hovedrytmen. De flade lyserøde, rød og lys samler komfort og abstraktion, et bevis på, at en sofa kan deltage aktivt i maleriets historie.
Se maleriet →
Henri Matisse
Tre søstre og "Det lyserøde marmorbord" (De tre søstre ved "Det lyserøde marmorbord")
Matisse malede de tre søstre Antoinette, Laurette og Georgette i flere jumpsuits i Nice omkring 1917. Samlet omkring et lyserødt marmorbord delte de rummet uden at blande sig i en anonym gruppe. Tøjets mønstre og fra bestyrelsen opbyg dybde ved superposition; familiesammenkomsten føles mindre som en samtale end en omhyggeligt orkestreret aftale.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Clotilde i aftenkjole
Sorolla maler sin kone Clotilde i en aftenkjole, en elegant figur, der optræder i mange familieportrætter. Stoffets roser og sorte reagerer på et mere indvendigt lys end dets strande. Maleren ved intimt hans model, men bevarer tøjet af et stort verdsligt portræt; hengivenhed forhindrer tydeligvis ikke fremragende iscenesættelse.
Se maleriet →
John william waterhouse
Psyke åbner den gyldne æske
Waterhouse tager myten om Psyche op, straffet for at have åbnet kassen betroet af Persephone. Den unge kvinde løfter forsigtigt låget, klædt i pink i en sten og blomst indstilling. Det valgte øjeblik går forud for katastrofe; maleriet giver en meget elegant form til dette universelle sekund, hvor nysgerrigheden allerede ved, at det nok skal lukke kassen.
Se maleriet →
John william waterhouse
Psyke på vej ind i Amors have
Psyche passerer gennem døren til Amors have her, et forbudt domæne, som annoncerer kærlighed, prøvelser og metamorfose. Waterhouse kontrasterer den lyserøde kjole med vegetationen og den lette arkitektur, som om karakteren bragte sit eget lys. Scenen viser endnu ikke guden: tærsklen og ventetiden er nok til at etablere historien.
Se maleriet →
John william waterhouse
Heksen
Waterhouse maler en tryllekunstner omgivet af rituelle genstande, planter og mørke overflader. Kjolen i lyserøde og lilla toner fanger først øjet, før forstyrrende detaljer dukker op. Som det ofte er tilfældet med ham, gør skønhed det ikke vær ikke beroliget: Det er netop midlet, hvormed fare får tilskuerens opmærksomhed.
Se maleriet →
John william waterhouse
Tristan og Isolde, anden version
Waterhouse vender tilbage til middelalderhistorien om Tristan og Isolde, elskere bundet af en drik. I denne anden version bringer lyserødt og blåt tøj figurerne sammen, mens det bevarer en travl venteafstand. Maleren behandler det legende som et øjeblik suspenderet før valget, hvor skæbnen allerede er i rummet, men endnu ikke har tømt koppen.
Se maleriet →
John william waterhouse
Ariadne
Ariadne, forladt af Theseus på øen Naxos, vises i en hvile, som går forud for ankomsten af Bacchus. Waterhouse installerer figuren blandt lyserøde stoffer, hav og gammel arkitektur. Palettens ro forsinker dramaet og forvandler opgivelse til at vente; heltinden er stadig uvidende om, at mytologien forbereder en meget mere festlig anden akt for hende.
Se maleriet →
John william waterhouse
Juliet
Waterhouse repræsenterer Juliet i Shakespeares univers, mellem balkon, have og romantisk drømmeri. De lyserøde og lyse toner giver karakteren en ungdommelig tilstedeværelse, men arkitekturen lukker allerede rummet omkring hende. Maleriet vælger at vente frem for den berømte dialogscene og minder os om, at tragedie ofte begynder med et par minutter, hvor noget stadig synes muligt.
Se maleriet →
Johannes Vermeer
Kniplingsmageren
Vermeer malede La Dentellière omkring 1669-1670 på et af sine mindste formater. Den unge kvinde læner sig over sit arbejde, mens de røde og hvide tråde breder sig i forgrunden. Den lyse væg og den gule overdel koncentrerer den lys på gestus; maleri forvandler omhyggeligt arbejde til en oplevelse af næsten tavs koncentration.
Se maleriet →
Johannes Vermeer
Pigen med Vinglasset
I Pigen med et glas vin organiserer Vermeer en forførelsesscene omkring en mand, en kvinde og en gratis drink. Den rød-lyserøde kjole skiller sig ud i et rum krydset af vindueslyset. Karakterens smil maskulin og den unge kvindes sænkede blik efterlader tvivl; vinen er blevet serveret, men historiens samtykke mangler at blive undersøgt.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Min kone og mine børn
Sorolla samler Clotilde og deres tre børn i et familieportræt malet med meget klart lys. Det hvide tøj og de lyserøde strejf samler figurerne uden at fryse dem i en ceremoniel positur. Min kone og min børn viser, at strandmaleren vidste, hvordan man organiserer en intim gruppe; alle holder deres tilstedeværelse, selv når faderen holder penslen og derfor det sidste ord.
Se maleriet →
Henri Matisse
Spanieren: harmoni i blåt
I Nice-årene forvandlede Matisse kostumer, gardiner og lænestole til partnere af modellen. Spanieren bærer en blå beklædningsgenstand, som roser og røde varme, uden at bekymre sig om den nøjagtige lokale farve. Portrættet bliver en dekorativ harmoni, hvor identitet og teater blander sig; kostumet fortæller lige så meget som ansigtet.
Se maleriet →
Henri Matisse
Lyserød statuette og kande på en rød kommode
Matisse samler en lille skulptur, en kande og en rød kommode i et interiør, hvor genstandene synes at ændre skala. Roserne i keramikken og baggrunden reagerer på de tættere røde i møblerne. Stilleben søger ikke den indenlandske orden: den sætter former i ustabil balance, som om hvert objekt forsvarede sit eget territorium.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Rosenbuske under træerne
Omkring 1905 bevægede Klimt sig op i horisonten og fyldte pladsen med bittesmå træer, buske og roser. Haven ophører med at være en udsigt, som man kan komme ind i; det bliver et gobelin af grønne strejf præget af lyserøde blomster. Dette dekorativ kompression forbinder direkte hans landskaber med ornamentet i hans nutidige portrætter.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Frugthave med rosenbuske
Klimt maler frugtplantagen som en stram overflade, hvor stammer, løv og rosenbuske næsten afskaffer dybden. Pink rører vises blandt de grønne som tegn på lys. Ingen rollator kommer til at give skalaen: den have eksisterer for sig selv, tæt, dekorativ og tilstrækkeligt organiseret, så hver rose finder sin plads uden et medejerskabsmøde.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Blomsterhave
I Blomsterhave indrammer Klimt vegetationen tæt og dækker lærredet med små farverige strejf. Roser, gule og blå beskriver ikke blomst efter blomst; de komponerer en mosaik, hvor øjet cirkulerer uden horisont. Landskabet er bringer os således tættere på abstraktion, mens vi bevarer den visuelle duft af et massiv i højsæsonen.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Havesti med høns
Klimt maler en havesti struktureret af træer og punkteret med kyllinger, der introducerer uventet dagligdag. Lyserøde blomster og løv deler overfladen i næsten tekstilmønstre. Landboscenen undgår malerisk: selv fjerkræ bliver accenter af komposition, en kunstnerisk promovering, som de sandsynligvis ikke var blevet informeret om.
Se maleriet →
Gustav Klimt
To piger med oleander
To unge kvinder står i nærheden af en oleander, på grænsen mellem portræt, allegori og dekorativt studie. Klimt forbinder kjoler, blomster og baggrund med bløde konturer, der varsler hendes senere forskning. Planten giver sin lodrette rytme til scenen; modellerne deler en elegant ubevægelighed med hende, men uden forpligtelse til fotosyntese.
Se maleriet →
Henri Matisse
Juleroser og saxifrage
Matisse maler juleroser og saxifrage som en gruppe af farverige former snarere end et trofast herbarium. Den lyserøde af blomsterne dialoger med de grønne og hvide i vasen og baggrunden. Stilleben forvandler en blomstring vinter i rummet erfaring; selv på et bord, planter nægter at forblive simpelthen dekorative.
Se maleriet →Farve bliver autonom
Fra fauvisme til moderne magenta
Henri Matisse
Lyserøde løg
Pink Løg giver Matisse et beskedent mønster, hvis kurver, volumener og farveforhold han kan overdrive. Pærerne skiller sig ud på stoffet uden omhyggelig illusionisme. Pink går fra den tørre hud af grøntsager til bunden og til skygger, hvilket gør en køkkenforsyning ambitiøs nok til et øjeblik at glemme suppe.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Hvid rose i et glas
Før han slutter sig til De Stijl og abstraktion, maler Mondrian regelmæssigt isolerede blomster. Denne hvide rose i et glas er konstrueret af små nuancer af hvid, pink og grå på en mørk baggrund. Undersøgelsen afslører hans opmærksomhed på den indre struktur af et naturligt mønster; fremtidige ortogonale linjer er der ikke endnu, men disciplin har allerede fundet sted.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Hvid stokrose
Robert Delaunay malede dette stokrose i starten af sin karriere, før samtidige optegnelser og eksploderede Eiffeltårne. Den hvide og lyserøde blomst skiller sig ud i et klart lys, stadig tæt på post-impressionismen. Emnet botanik bliver et diskret laboratorium af farve, som om fremtidig abstraktion var begyndt ved meget seriøst at observere en stilk.
Se maleriet →
Martin Johnson Heade
Cherokee roser på et lysegråt stof
Martin Johnson Heade maler Cherokee roser placeret på gråt stof, og isolerer deres hvide og lyserøde kronblade mod en neutral baggrund. Den stramme indramning og opmærksomhed på teksturer giver blomsterne en næsten skulpturel tilstedeværelse. Der stilleben kombinerer botanisk præcision og sensualitet, uden vaser eller haver til at distrahere øjet.
Se maleriet →
John william waterhouse
Vælg roserne, mens der er tid, første version
Waterhouse låner sin titel fra Robert Herricks vers, der inviterer dig til at plukke roser, før tiden går. I denne første version samler en ung kvinde blomsterne i en lys have. Pink bliver både skønhed og måling af skrøbelighed; hvert kronblad meddeler diskret, at ungdommen i modsætning til maleriet ikke nyder godt af en konserveringslak.
Se maleriet →
John william waterhouse
Vælg roserne, mens der er tid, anden version
Waterhouse tager op Pick the Roses Mens der er tid i en anden sammensætning, ændre figuren, haven og rytmen af blomsterne. Denne nye version viser, hvordan det samme digt kan producere en anden scene. Roser behold deres rolle som poetisk kalender, med en insisteren på, at modellen ser ud til at acceptere roligt.
Se maleriet →
John william waterhouse
Samling af sommerblomster i en Devonshire-have
I en Devonshire have viser Waterhouse kvinder, der samler sommerblomster i blødt lys. Scenen kombinerer engelsk observation og næsten gammel komposition, uden en præcis mytologisk beretning. Kjoler og kurve fordel roserne gennem hele billedet; haven giver nok sæsonbetonet drama til at undvære en forbandelse.
Se maleriet →
John william waterhouse
Den fortryllede have
The Enchanted Garden illustrerer en episode af Decameron og forbliver ufærdig, da Waterhouse døde i 1917. Figurer bevæger sig blandt blomsterne i en indstilling, der magisk blev lovet midt om vinteren. Områderne, der er tilbage friere, afslører malerens proces; haven er ikke kun fortryllet, den forbliver også åben på grund af afbrudt byggeri.
Se maleriet →
John william waterhouse
Ophélie med blomster
Waterhouse vender flere gange tilbage til Ophelia, Shakespeares heltinde forbundet med blomster og vand. I denne version samler eller holder hun blomster før katastrofen, stadig stående i et lyst landskab. Roser og hvide forsink tragedien; tilskueren ved, hvad der sker derefter, men maleriet giver ham et par ekstra minutter af foråret.
Se maleriet →
John william waterhouse
Vindblomster
Anemoner, kaldet vindblomster på engelsk, omgiver en kvindelig figur i en have animeret af en let brise. Waterhouse kombinerer bevægelsen af kronblade med hår og tøj. Den unge kvinde illustrerer ikke en historie præcis: det personificerer snarere sæsonen med en meteorologisk service leveret af blomster.
Se maleriet →
Ethel Carrick
Blomstermarked
Ethel Carrick maler parisiske blomstermarkeder med et hurtigt touch og en livlig palet. Lyserøde boder, hatte og silhuetter passer sammen i en tæt byscene, hvor handel bliver et skue af farver. Blomst Market opretholder agitationen uden at detaljere hvert ansigt; helhedsindtrykket betyder lige så meget som prisen på buketten.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Garden of Maison Sorolla
Sorolla maler haven til sit hjem i Madrid som et intimt rum formet af hendes egne valg af arkitektur og beplantning. Lyserøde vægge, damme og løv filtrerer et roligere lys end strandenes. DE jardin bliver et figurløst selvportræt, ordnet efter Andalusiens og Italiens minde.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Garden of Maison Sorolla i 1920
I haven til sit Madrid-hus malede Sorolla et rum i 1920, som han designede fra andalusiske og italienske souvenirs. Væggene, damme og løv filtrerer et intimt lys. Haven bliver et figurløst selvportræt: hver plante kender sin plads, selvom solen fortsætter med at ændre planen.
Se maleriet →
August Macke
Have ved bredden af Thun-søen
Macke malede haverne omkring Thun-søen, Schweiz, i 1913, hvor han boede hos sin familie. Træerne, stierne og vandet er forenklet til lyserøde, grønne og blå planer, men lyset bevarer en sommerblødhed. Have kl lakeside Thun annoncerer forskning udført året efter i Tunesien.
Se maleriet →
Henri Matisse
Stilleben med æbler på en lyserød dug
Matisse placerer æblerne på en lyserød dug og lader stoffet fylde lige så meget som frugten. Folderne, konturerne og farverne opbygger dybde uden akademisk perspektiv. Stilleben bliver en udveksling mellem kurver og overflader; æblerne er helt stille, men bordet har ingen intentioner om at forblive så visuelt.
Se maleriet →
Henri Matisse
Guldfisk
Matisse malede Guldfisk i 1912 efter et ophold i Marokko, hvor han observerede fornøjelsen ved at betragte fisk i lang tid. Den elliptiske krukke, planter og balkon nægter et unikt perspektiv. Guldfisk bliv fikspunkterne i et roligt interiør, hvis rum foretrækker at gøre, som det vil.
Se maleriet →
Henri Matisse
Gul Odalisque
I 1920'erne tog Matisse temaet odalisk op i sit Nice-værksted, fyldt med stoffer og dekorative genstande. De gule og roser forbinder figur, ophæng og møbler i en sammenhængende overflade. Det orientalske motiv bliver frem for alt et laboratorium af farve og rum, også at læse med den kritiske afstand på grund af denne koloniale fantasi.
Se maleriet →
Henri Matisse
Odalisque med en gul persisk farve
Matisse maler denne odalisk i en persisk kjole midt i en indretning af stoffer, mønstre og Nice møbler. Den gule af tøjet modtager de lyserøde refleksioner af baggrunden og forhindrer figuren i at adskille fra interiøret. Scenen vokser ornamentet indtil mætning, men ansigtet bevarer en næsten uforstyrret ro midt i denne tekstilaktivitet.
Se maleriet →
Henri Matisse
Ung Kvinde i hvid, rød baggrund
En ung kvinde klædt i hvidt skiller sig ud mod en rød baggrund, hvis lyserøde accenter blødgør volden. Matisse reducerer detaljerne for at gøre kontrasten til portrættets virkelige emne. Figuren kaster næsten ingen skygge: hun holder sin plads gennem farver, som om væggen og tøjet havde underskrevet en meget præcis sameksistensaftale.
Se maleriet →
Henri Matisse
To små piger, gul og rød baggrund
Matisse bringer to små piger sammen foran en gul og rød baggrund, som forvandler rummet til en dekorativ overflade. Ansigter og tøj er forenklet, men holdninger forbliver forskellige. Malet sent viser værket, at den portræt kan bevare en følelsesmæssig tilstedeværelse, selv når rummet opgiver næsten enhver illusion om dybde.
Se maleriet →Den lyserøde time i landskabet
Pink himmel, kyster og laks lys
Fernand Léger
Den lyserøde slæbebåd
Léger maler The Pink Tugboat på et tidspunkt, hvor maskiner, både og urban arkitektur er ved at blive aktørerne i hans moderne ordforråd. Det lyserøde skrog passer ind i sorte, hvide og blå former som en mekanisk del. Båden arbejdet får næsten reklamesynlighed; sjældent vil en slæbebåd have antaget sin farve med så meget autoritet.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Okser trækker en båd på Valencia-stranden
Sorolla malede okser, der trækker en båd op af vandet i Valencia i 1903. Aftenens massive dyr, fiskere og lyserøde refleksioner giver værket en monumental skala. Lys eliminerer ikke vægt eller indsats; hun dem synliggør, mens havet fortsætter sin bevægelse med en meget tidligere arbejdsgivers faglige ligegyldighed.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
At komme ud af badet
Sorolla maler udgangen fra badet som en overgang mellem havets glans og stoffernes læ. En kvinde hjælper en anden figur med at dække sig selv, en praktisk gestus, som lyset forvandler til en ballet af hvide og roser. Våde stoffer behold virkelighedens vægt; elegance kommer af den præcision, hvormed maleren følger hver refleksion.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Nalon-mundingen, Asturien
Ved Nalon-mundingen i Asturien opdager Sorolla et vådere og mere gråt lys end Valencias. Bankerne, vandet og bådene blander sig i diskrete lillaer og roser. Det maritime landskab ændrer sig temperament uden at miste sin bevægelse; Atlanterhavet har ikke Middelhavets farve og ønsker tydeligvis at gøre dette kendt.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Damevandring på Biarritz strand
I Biarritz følger Sorolla en gruppe elegante kvinder, der rykker frem nær vandet under en køligere himmel end Valencias. Lilla, blågrå og lyserøde stoffer afspejler det atlantiske lys. Gåturen forbliver verdslig, men vinden forstyrrer silhuetterne lige nok til at minde os om, at stranden ikke anerkender nogen beklædningsbestemmelser.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Valencia
Valencia tilhører de store Vision of Spain paneler bestilt af Archer Milton Huntington for Hispanic Society of America. Sorolla samler kostumer, arbejde og regionalt lys i en monumental sammensætning. Roserne stoffer er ikke simple accenter: de leder øjet gennem et billede designet til at repræsentere et helt territorium.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Aragon: jotaen
For Aragon: la jota viser Sorolla regional dans blandt kostumer, fagter og musikere. Panelet er en del af Vision of Spain, en cyklus produceret mellem 1912 og 1919. De lyserøde nederdele og cirkulære bevægelser giver at folklore en direkte energi; maleriet dokumenterer en tradition, mens det konstruerer et show på skalaen af en væg.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Catalonien: fisk
Catalonien: fisk hører også til Hispanic Society cyklus. Sorolla associates marked, fiskere, kurve og kostumer i en tæt scene, hvor varerne organiserer rejser. Roser og hvide lysner det kollektivt arbejde uden at omdanne det til en abstrakt fest; fisken forbliver det helt konkrete centrum for al denne koreografi.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Unge Padder
Unge Amfibier viser børn, der leger i det lave vand på stranden i Valencia. Sorolla cirkulerer hudens lyserøde i refleksionens blå og grønne farver, indtil grænsen mellem krop og hav udviskes. Titlen kærlig understreger deres lethed; børnene synes at have forhandlet en permanent opholdsret med vand.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Bådstranding, eftermiddagslys
I Stranding the Boat, Afternoon Light, Fishermen and Beasts Pull a Boat on the Sand. Den lave sol farver vandet og kroppene med roser og guld uden at lette indsatsen. Sorolla forvandler en daglig operation til en scene monumental, hvor hvert reb, hvert trin og hver refleksion deltager i den samme bevægelse mod bredden.
Se maleriet →
Claude Monet
Kvinde med parasol vendt mod højre
Monet malede to kvindefigurer i paraplyen på engene i Giverny i 1886, hvor Suzanne Hoschedé blev brugt som model. Her vipper vinden græsset og sløret mens den lyserød-blå himmel optager næsten hele lærredet. DE portræt falmer ved fornemmelsen af et lyst øjeblik, fanget hurtigt nok til, at skyerne ikke har tid til at ændre mening.
Se maleriet →
Claude Monet
Kvinde med paraply drejet til venstre
Monet malede en anden Kvinde med en Paraply drejet til venstre i 1886, stadig med Suzanne Hoschedé som model. Kroppens hældning, sløret og græsset afspejler samme vindstød som den hurtige himmel. Designet som modstykke til den version vendt mod højre viser lærredet, at en ændring af orientering er nok til fuldstændigt at omkomponere lyset.
Se maleriet →
Claude Monet
Rue Montorgueil, i Paris. Festival af 30. juni 1878
Monet malede rue Montorgueil dekoreret med flag den 30. juni 1878, dagen for en national helligdag arrangeret under Verdensudstillingen. Set fra en balkon bliver strømmen af trefarvede flag en vibration af rød, pink, blå og hvid ovenfor mængden. Lærredet fanger mindre af en patriotisk diskurs end en by omdannet til en kollektiv bevægelse.
Se maleriet →
Paul Signac
Château des Papes i Avignon
Signac maler Pavernes Palads fra Rhônes anden bred og forvandler den gotiske masse til en lysende mosaik. De små lyserøde, lilla og blå berøringer opløser stenen uden at få arkitekturen til at forsvinde. Monumentet middelalderen går således ind i en moderne farveteori; efter flere århundreders tyngdekraft opnår den endelig en tilstrækkelig glædelig refleksion.
Se maleriet →
Edvard Munch
Forårslandskab
Munch maler Spring Landscape med en overraskende let palet, hvor restsne, lyserød jord og nyt grønt deler rummet. Sæsonfornyelsen sletter ikke al bekymring: Landets linjer holder en nervøs spænding. Foråret er på vej, men hos Munch ser han ud til at have bragt sine egne spørgsmål.
Se maleriet →
August Macke
Par ved havebordet
Macke placerer et par ved et havebord, omgivet af løv og farverige overflader, der forenkler den moderne scene. Roserne af tøjet og dugen reagerer på de grønne uden tung modellering. Samtalen er ikke fortalt; DEN i stedet observerer Tableau, hvordan mennesker bliver en del af en lysende rytme, der deles med haven.
Se maleriet →
August Macke
Tre piger iført gule stråhatte
Tre unge piger bærer gule stråhatte i en komposition, hvor Macke forvandler gåturen til en farverig frise. Roserne i kjolerne balancerer de grønne og gule farver, mens ansigterne forbliver forenklede. Arbejdet tilhører hans moderne og fredelige verden, malet kort før krigen brat afbrudt denne søgning.
Se maleriet →
John william waterhouse
Tristan og Isolde med eliksiren
Tristan og Isolde drikker den drik, der er beregnet til at ændre deres skæbne, den centrale scene i middelalderlegenden. Waterhouse fokuserer opmærksomheden på det lyserøde og blå snit, udseende og tøj. Indretningen forbliver overdådig, men sekundært: billedet bevarer det andet, hvor et simpelt objekt bliver mekanismen i en betydeligt mere kompliceret kærlighedshistorie.
Se maleriet →
John william waterhouse
Retten /Søde tilbud
I The Court, undertiden kaldet The Sweet Offerings, forestiller Waterhouse sig en gammel scene af gaver og romantisk ventetid. Roserne af tøj og blomster blødgør den klare arkitektur, men gestus forbliver tøvende fortælling. Vi bringer gaver, selvfølgelig; maleriet lader forsigtigt spørgsmålet om, hvorvidt de vil blive accepteret, stå åbent.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Van Goghs værelse i Arles
Van Gogh malede sit værelse i Det Gule Hus i Arles i oktober 1888, efter en periode med udmattelse. Han forenkler bevidst formerne og bruger flade farver til at udtrykke hvile, selvom perspektivet synes at læne sig mod flere sider. De lilla vægge, rød seng og lyserøde indslag bygger et tilflugtssted, der er blevet et af de mest berømte interiører i verden.
Se maleriet →Farvestof
Fem måder at få pink på
Historiske roser kommer ofte fra madder lak, karmin fra cochenille eller hvid-oplyst vermilion. De to første er gennemsigtige og dybe, men mere følsomme over for lys; blandes med hvid bliver mere dækkende og mat. Valget af hvide sager lige så meget som rød: en kølig hvid producerer en ren pink, mens en varmere hvid leder den mod fersken eller laks.
I det 19. århundrede udvidede nye farvestoffer sortimentet og gjorde mere intense roser mulige. I det 20. århundrede tilbød moderne organiske pigmenter, især quinacridoner, lysende og langtidsholdbare magentaer. I olie, den samme kromatiske familie kan derfor have form af en næsten immateriel glasur, en kødelig pasta eller en mættet flad overflade.
Traditionel gennemsigtig rød, værdifuld til lyserøde glasurer, hudskygger og draperier.
Intens farve historisk afledt af cochenille, i stand til at give dybe og let lilla pink.
Den uigennemsigtige blanding producerer kødroser, laks og ferskenfarver, hvis temperatur afhænger af de valgte pigmenter.
En formulering, der er eftertragtet for dens gennemsigtighed og dens evne til at berige passagerne uden at maskere de nederste lag.
Meget lyst moderne pigment, tilgængeligt fra lys pink til magenta og særligt stabilt i moderne blandinger.
En farve, flere temperamenter
Hvorfor lyserød forbliver i hukommelsen
Hvert maleri bruger pink af en bestemt grund: at lede et kig, datere en mode, forstyrre et kød, oplyse et landskab eller give abstraktion et tyngdepunkt. Farve er besøgets tråd, aldrig dens undskyldning.
0 kommentarer