Renoir et l'impressionnisme : lumière, figures et scènes modernes

Contexte historique

La lumière impressionniste

L'une des grandes innovations de Renoir est d'avoir porté la touche impressionniste à un degré de vibration inouï. Dans Le Bal du moulin de la Galette (1876), les marronniers centenaires du 79 rue Cortot projettent sur les visages et les vêtements une mosaïque mouvante de taches rosées et bleuies. Renoir juxtapose des bleus, des roses, des violets et des verts qui ne se fondent qu'à distance, dans l'œil du spectateur. La lumière n'est plus un fond : elle est devenue le véritable sujet du tableau. Cette libération de la touche và de pair avec la pratique du plein air. l'artiste installé son chevalet dehors, accepte les hasards de la météo, refuse l'atelier fini et léché. Cette technique, qui scandalise le public du Salon en 1874, est aussi ce qui donne à ses tableaux leur vibration lumineuse. Le résultat, c'est un art qui n'à rien d'académique : une symphonie de plein air qui n'a pas pris une ride, et qui donne encore aujourd'hui le sentiment d'être saisi sur le vif, à l'ombre des marronniers de Montmartre.

Style artistique

La Seine à Chatou en plein air

Au-delà des scènes mondaines, Renoir a peint des paysages de la Seine qui témoignent de sa pratique du plein air. La Seine à Chatou (vers 1874, collection privée) montre un voilier aux couleurs vives sur la rivière, avec la rive en arrière-plan. La touche est plus libre, plus vibrante, les couleurs plus pures : c'est l'impressionnisme dans sa version la plus proche des recherches de Monet à Argenteuil, dont Renoir est alors très proche.

Ce type de paysage prouve que Renoir n'est pas qu'un peintre de figures : il sait aussi capter la lumière changeante des bords de Seine, le miroitement de l'eau, la vibration de l'air. Mais contrairement à Monet qui se consacre presque exclusivement au paysage à partir des années 1880, Renoir revient toujours à la figure humaine, à la chair, au visage. C'est cette tension entre paysage et figure qui fait l'originalité de le maître impressionniste dans le mouvement impressionniste.

Reproduction peinte à la main

Reproduction d'une œuvre majeure : Le Bal du moulin de la Galette - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction du Bal du moulin de la Galette (1876) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile par Alphà Reproduction. Chef-d'œuvre du dimanche à Montmartre, Musée d'Orsay.

Reproduction peinte à la main

Reproduction d'une œuvre majeure : Madame Charpentier et ses enfants - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction de Madame Charpentier et ses enfants (1878) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile par Alphà Reproduction. Portrait mondain dans un intérieur japonisant, Metropolitan Museum.

Reproduction peinte à la main

Reproduction d'une œuvre majeure : Le Déjeuner des canotiers - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction du Déjeuner des canotiers (1881) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile par Alphà Reproduction. Format 160 x 120 cm, chef-d'œuvre de la Maison Fournaise à Chatou.

Art & détails

Lise à l'ombrelle, plein air

Lise à l'ombrelle (1867, Museum of Fine Arts Boston) est l'un des chefs-d'œuvre de jeunesse de Renoir, peint en plein air dans la forêt de Fontainebleau. Le tableau représente Lise Tréhot, la compagne du peintre à l'époque, en robe claire, tenant une ombrelle pour se protéger du soleil. La touche est libre, la lumière vive, et le fond de verdure vibre de touches vertes et jaunes qui ne se fondent qu'à distance.

Cette œuvre est emblématique de l'impressionnisme de Renoir à ses débuts : une figure au premier plan, un paysage au second, une lumière naturelle et une touche fragmentée qui donne au tableau sa vibration caractéristique. Lise à l'ombrelle est l'un des jalons qui mènent, dix ans plus tard, au Bal du moulin de la Galette : on y retrouve déjà la palette claire, le sujet moderne (une jeune Parisienne en promenade) et le goût pour la lumière filtrée qui feront la signature du maître.

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Les figures : la femme, l'enfant, le portrait

Contrairement à Monet qui s'est tourné vers le paysage, Renoir a placé la figure humaine au centre de toute son œuvre. Les visages, les mains, les chairs nacrées, les étoffes : c'est la matière première de sa peinture. Madame Charpentier et ses enfants (1878, Metropolitan Museum de New York) est l'un des portraits mondains les plus célèbres du XIXᵉ siècle : la jeune femme, ses deux enfants et son chien anglais sont représentés dans un intérieur japonisant, avec un mélange unique de précision bourgeoise et de vibration impressionniste. Le portrait féminin occupe une place à part dans l'œuvre de Renoir. De La Première Sortie (1876-1877, Museum of Fine Arts Boston), qui montre une jeune Parisienne en tenue de théâtre, au Portrait de Jeanne Samary (1877, Musée d'Orsay), comédienne de la Comédie-Française en écharpe rouge vif, Pierre-Auguste invente un nouveau type de portrait : à la fois précis dans la physionomie et vibrant dans la touche. Les chairs nacrées, presque minérales, deviennent le sujet à part entière. Cette obsession de la figure porterà Renoir jusqu'aux Baigneuses tardives (1918-1919), où les corps monumentaux occupent tout l'espacé, dans un retour à Rubens et à Véronèse.

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Le portrait d'actrice chez Renoir

Le portrait d'actrice est un genre que Renoir a particulièrement exploré à la fin des années 1870. Le Portrait de Jeanne Samary (1877, Musée d'Orsay) est l'un des plus célèbres : il représente la comédienne de la Comédie-Française en buste, une écharpe rouge vif drapée sur l'épaule, le regard direct et légèrement ironique. Le format relativement modeste (56 × 46 cm) cache une virtuosité technique exceptionnelle : Renoir juxtapose des touches de blanc nacré, de rose, de bleu lavande et de vert d'eau qui donnent au visage un éclat presque irréel.

Un second portrait, en pied, fut peint par Renoir la même année et se trouve au Musée Pouchkine de Moscou : les deux versions dialoguent et montrent combien Renoir aimait explorer un même modèle sous des angles différents. Jeanne Samary est pour le peintre ce que Berthe Morisot serà pour Manet : une muse qui incarne la Parisienne moderne, à la fois actrice, lectrice, flâneuse et salonnière. Le portrait saisit cette modernité avec une intensité presque photographique, tout en restant profondément pictural.

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La Première Sortie

La Première Sortie (titre anglais The Theater Box, 1876-1877, Museum of Fine Arts Boston) appartient à la série des Parisiennes modernes que Renoir développe à la fin des années 1870. Le tableau (65 × 49 cm) met en scène une jeune femme en robe claire, un bouquet à la main, sur le point de sortir au théâtre. L'œuvre est conservée au Museum of Fine Arts de Boston depuis 1937, après un passage remarqué au Salon de 1877 où elle fut admirée pour sa fraîcheur et son sens du détail contemporain.

Ce tableau marque un tournant dans la manière de Renoir : la touche s'affine, les contours deviennent plus précis, les étoffes et les dentelles sont travaillées avec une minutie qui annonce déjà l'approche de la période sèche des années 1880. La jeune femme esquissé un sourire discret, presque timide, qui contraste avec la hardiesse de la scène : Renoir capture l'instant fragile où la Parisienne s'apprête à paraître, le temps suspendu entre l'intimité du foyer et la lumière publique des boulevards. La Première Sortie est l'une des œuvres les plus reproduites de Pierre-Auguste, devenue une image emblématique de la Belle Époque.

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Les baigneuses mythiques de Renoir

Les baigneuses constituent l'un des sommets de l'œuvre tardive de Renoir. Les Grandes Baigneuses (1884-1887, Philadelphià Museum of Art) est l'œuvre la plus ambitieuse de Renoir dans le genre mythologique moderne : un groupe de cinq femmes nues au bord de l'eau, dans un paysage vaporeux. Le tableau (115 × 170 cm) est conservé au Philadelphià Museum of Art, où il est entré en 1923 grâce à un legs important de la collection McIlhenny.

Renoir y réussit une synthèse entre l'impressionnisme de sa première manière et le retour au classicisme des années 1880. Les corps des baigneuses sont modelés avec une douceur nacrée, presque minérale, mais le feuillage et les reflets de l'eau gardent cette touche éclatée qui fait tout le prix de l'impressionnisme. Les Grandes Baigneuses est considéré comme le manifeste de la période classique de Renoir et a marqué des générations de peintres, dont Matisse et Picasso, qui en ont fait une référence obligée de la peinture du XXᵉ siècle. Cette obsession de la chair et du nu porterà le peintre jusqu'aux Baigneuses tardives (1918-1919, Musée d'Orsay), véritable testament artistique peint dans la douleur.

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Les scènes modernes du Paris de Renoir

Le troisième pilier de l'impressionnisme de Renoir, c'est la peinture du Paris moderne. Là où les maîtrès anciens peignaient des scènes mythologiques ou religieuses, Renoir capte la vie quotidienne de la Troisième République : bals dominicaux, déjeuners sur l'herbe, canotages sur la Seine, terrasses de café. Le Déjeuner des canotiers (1881, Phillips Collection Washington) est l'un des sommets de cette veine : un déjeuner dominical sur la terrasse de la Maison Fournaise à Chatou, avec l'artiste lui-même à gauche tenant son chapeau, et Aline Charigot, la future Madame Renoir, au premier plan en train de caresser un petit chien griffon. Cette peinture du Paris moderne ne se limite pas aux loisirs de la bourgeoisie. Renoir capte aussi les rues de Paris sous la pluie dans Les Parapluies (1881-1886, National Gallery Londres), les bords de Seine à Bougival dans La Danse à Bougival (1883, Courtauld Gallery Londres), les canotiers sur l'eau dans La Yole (1875, National Gallery Londres). Chacune de ces scènes modernes témoigne d'un art qui a su transformer le quotidien en sujet digne de la grande peinture. C'est sans doute la contribution la plus originale de l'artiste à l'histoire de l'art : avoir fait de la vie de son temps le sujet même de la peinture impressionniste.

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La Yole, canotage sur la Seine

La Yole (1875, National Gallery Londres) appartient à la série des scènes de canotage sur la Seine que Renoir multiplie au début des années 1870, aux côtés de La Grenouillère, des Canotiers à Chatou et du Pont de chemin de fer à Chatou. Le tableau (71 × 92 cm) représente une jeune femme élégante et son compagnon qui descendent d'une yole amarrée à un ponton, au milieu d'un fouillis de branches et de reflets verts. Le format horizontal, la lumière filtrée, l'éclat des visages, tout renvoie à cette modernité des loisirs parisiens que Renoir a su mieux que personne capter à la fin du XIXᵉ siècle.

L'œuvre est conservée à la National Gallery de Londres, où elle est entrée en 1962 grâce au legs de Sir Courtauld Thomson. La Yole est un exemple typique de la maturité impressionniste de Renoir : la touche est fragmentée, les contours vibrent, les couleurs se répondent dans une symphonie de verts, de blancs, de roses et de bleus. C'est l'un des tableaux les plus emblématiques du canotage moderne chez Renoir, témoignage de l'art de vivre de la bourgeoisie parisienne au bord de la Seine.

Décoration intérieure

Danse à Bougival

La Danse à Bougival (1883, Courtauld Gallery Londres) est l'un des tableaux les plus charmants de Renoir, et l'un des plus reproduits dans le monde entier. Le tableau représente un couple en train de danser sur la terrasse du restaurant du Pont de Bougival, sur les bords de la Seine, un dimanche après-midi. L'homme, vu de dos, est le peintre amateur Paul Lhote, ami de Renoir. La jeune femme qui danse, vue de face avec un large sourire, est Suzanne Valadon, la célèbre modèle devenue peintre.

L'œuvre est entrée à la Courtauld Gallery de Londres en 1925, où elle fut acquise par le collectionneur Samuel Courtauld au prix fort de l'époque, après que la Tate Gallery l'eut refusée. Elle y est toujours exposée et constitue l'un des tableaux les plus admirés de la collection. La Danse à Bougival est un sommet de la représentation du mouvement chez Renoir : on y voit l'élan de la danse, le déhanchement de la valse, le frôlement des mains, l'éclat du sourire, le ruban du chapeau qui vibre. La palette est claire, lumineuse, presque transparente, avec ces verts tendres et ces roses pâles qui caractérisent la maturité de Renoir au début des années 1880.

Reproduction peinte à la main

Reproduction d'une œuvre majeure : La Seine à Chatou - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction de La Seine à Chatou (vers 1874) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile par Alphà Reproduction. Paysage impressionniste au bord de la Seine.

Reproduction peinte à la main

Reproduction d'une œuvre majeure : Lise à l'ombrelle - Pierre-Auguste Renoir

Reproduction de Lise à l'ombrelle (1867) de Pierre-Auguste Renoir, peinte à la main à l'huile sur toile par Alphà Reproduction. Lise Tréhot en promenade, Museum of Fine Arts Boston.