Basel · Bern · Geneve · Engadine
Schweizisk maleri 100 malerier fra Holbein til Klee og Vallotton
Fem århundreders maleri, hvor humanistiske portrætter, alpine visioner, symbolistiske mytologier og moderne sprog komponerer en historie meget mere forskelligartet end postkortbilledet.
En historie bygget mellem flere sprog
Schweizisk maleri er hverken begrænset til Alperne eller til en enkelt skole. Det er dannet i et område af passager: værkstederne i Basel ser mod Tyskland og det tidligere Holland, Genève dialoger med Paris og London, Ticino og graubünden åbner sig mod Italien. Denne diskontinuerlige geografi bliver en kraft. Hun forklarer, hvorfor Holbeins skarpe realisme, Füsslis fantasi, Böcklins symbolik og Klees poetiske abstraktion kan tilhører den samme historie uden at blive forvirret.
Landskabet spiller dog en central rolle. I Diday og Calame bliver det romantiske bjerg et teater for det sublime. Koller giver ham hastigheden af veje og flokke. Hodler forenkler horisonten til parallelle rytmer; Segantini gør vibrer luften ved at dele gribebrættet; Giovanni og Augusto Giacometti konverterer Engadine og velkendte genstande til farvefoci.
Figurerne fortæller historien om et andet Schweiz: humanister og købmænd af Holbein, flittige børn af Anker, teatralske visioner af Kauffmann og Füssli, tavse karakterer af Vallotton. Ruten følger en fleksibel kronologi, samtidig med at den fremhæver de dialoger, der spænder over århundrederne.
Tre kræfter, der krydser korpuset
Præcision som magt
Fra Witz til Anker og Vallotton er skarphed aldrig bare beskrivende. Den udvælger fagter, fremhæver stilheder og giver objekter psykologisk værdi.
Bjerget som laboratorium
Alperne tvinger malere til at gentænke skala, lys og dybde. Det romantiske sublime viger efterhånden for rytme, farve og overflade.
En modernitet uden et eneste center
Basel-symbolik, Valais-maleri, farven Grisonne og Berner-avantgarderne går frem i tydelige foci. Deres pluralitet udgør netop rejsens identitet.
Kapitel 01
Basel, Bern og opfindelsen af et look
Fra Konrad Witz til Holbein og Stimmer møder nordisk præcision humanismen, reformationen og en ny sans for virkeligt rum.
Hans Holbein den Yngre
Ambassadørerne
I "Ambassadørerne" indtager Hans Holbein den Yngre scenen som støttepunkt og forener portrættets præcision, materialernes tæthed og en akut intelligens af social rang. Lys illustrerer ikke kun emnet: det regulerer dets indre spænding.
Se reproduktion →
Konrad Witz
Det mirakuløse fiskeri
Med "Det mirakuløse fiskeri" fornyer Konrad Witz scenen og giver den hellige historie en ny fysisk tilstedeværelse, lavet af vand, sten og alpint lys. Skalerelationer leder øjet fra konkrete detaljer til en bredere vision.
Se reproduktion →
Hans Holbein den Yngre
Kristi Legeme død i graven
"Kristi legeme død i graven" viser, hvordan Hans Holbein den yngre tager udgangspunkt i scenen og forener portrættets præcision, materialernes tæthed og en akut intelligens af social rang. Farve etablerer dybde lige så meget, som den giver billedet dets følelsesmæssige klima.
Se reproduktion →
Hans Holbein den Yngre
Købmanden Georg Gisze
Her organiserer Hans Holbein den Yngre scenen med bemærkelsesværdig økonomi og forener portrættets præcision, materialernes tæthed og en akut intelligens af social rang. Indramningen strammer handlingen og forvandler præcis observation til varig oplevelse.
Se reproduktion →
Hans Holbein den Yngre
Jomfruen og barnet med borgmester Meyers familie
I "Jomfruen og Barnet med Borgmester Meyers Familie" tager Hans Holbein den Yngre figuren som støttepunkt og forener portrættets præcision, materialernes tæthed og en akut intelligens af social rang. Hver interval tæller: mellem figurerne, objekterne og baggrunden er den sande historie konstrueret.
Se reproduktion →
Hans Holbein den Yngre
Portræt af Erasmus af Rotterdam skrift
Med "Portræt af Erasmus af Rotterdam Skrivning" fornyer Hans Holbein den Yngre figuren og forener portrættets præcision, materialernes tæthed og en akut intelligens af social rang. Den tilsyneladende klarhed skjuler en videnskabelig komposition, lavet af balancer og målte brud.
Se reproduktion →
Hans Holbein den Yngre
En dame med et egern og en stær (Anne Lovell?)
"En Dame med et Egern og en Stær (Anne Lovell?)" viser, hvordan Hans Holbein den Yngre tager udgangspunkt i scenen og forener portrættets præcision, materialernes tæthed og en akut intelligens af social rang. Det velkendte motiv vinder en symbolsk betydning uden at miste sin vægt, tekstur eller tilstedeværelse.
Se reproduktion →
Hans Holbein den Yngre
Edward VI som barn
Her organiserer Hans Holbein den Yngre scenen med bemærkelsesværdig økonomi og forener portrættets præcision, materialernes tæthed og en akut intelligens af social rang. Billedet forbliver tavs, men dets rytme giver blikket retning og tidstæthed.
Se reproduktion →
Hans Holbein den Yngre
Portræt af Anne af Cleves
I "Portræt af Anne af Cleves" tager Hans Holbein den Yngre figuren som støttepunkt og forener portrættets præcision, materialernes tæthed og en akut intelligens af social rang. Maleriet holder sammen på iagttagelse, hukommelse og opfindelse uden nogensinde at reducere motivet til et emblem.
Se reproduktion →
Hans Holbein den Yngre
Lais af Korinth
Med "Laïs de Corinth" fornyer Hans Holbein den Yngre scenen og forener portrættets præcision, materialernes tæthed og en akut intelligens af social rang. Denne spænding mellem overflade og dybde forklarer værkets vedvarende modernitet.
Se reproduktion →
Konrad Witz
Sankt Christoffer
"Saint Christopher" viser, hvordan Konrad Witz starter fra scenen og giver den hellige historie en ny fysisk tilstedeværelse, lavet af vand, sten og alpint lys. Det malede materiale bevarer den umiddelbare fornemmelse, mens det fast bestiller helheden.
Se reproduktion →
Konrad Witz
Bebudelsen
Her organiserer Konrad Witz scenen med bemærkelsesværdig økonomi og giver den hellige historie en ny fysisk tilstedeværelse, lavet af vand, sten og alpint lys. Scenen får dermed et visuelt bevis, som rækker langt ud over sin tid og sin første kontekst.
Se reproduktion →
Konrad Witz
Dronningen af Saba før kong Salomon
I "Dronningen af Saba før kong Salomon" indtager Konrad Witz scenen som støttepunkt og giver den hellige historie en ny fysisk tilstedeværelse, lavet af vand, sten og alpint lys. Lyset illustrerer ikke kun emnet: det regulerer dets indre spænding.
Se reproduktion →
Konrad Witz
Synagoge
Med "Synagogue" fornyer Konrad Witz scenen og giver den hellige historie en ny fysisk tilstedeværelse, lavet af vand, sten og alpint lys. Skalaforhold leder øjet fra konkrete detaljer til en bredere vision.
Se reproduktion →
Konrad Witz
Abraham og Melkisedek
"Abraham og Melkisedek" viser, hvordan Konrad Witz starter fra scenen og giver den hellige historie en ny fysisk tilstedeværelse, lavet af vand, sten og alpint lys. Farve etablerer dybde lige så meget, som den giver billedet dets følelsesmæssige klima.
Se reproduktion →
Niklaus Manuel Deutsch
Sankt Lukas maler Jomfruen
Her organiserer Niklaus Manuel Deutsch figuren med bemærkelsesværdig økonomi og formidler reformations- og Bernerhumanismens energi til spændte og teatralske billeder. Indramningen strammer handlingen og forvandler præcis iagttagelse til varig oplevelse.
Se reproduktion →
Niklaus Manuel Deutsch
Paris' dom
I "The Judgment of Paris" indtager Niklaus Manuel Deutsch scenen som støttepunkt og formidler reformations- og Bernerhumanismens energi i spændte og teatralske billeder. Hvert interval tæller: mellem figurerne, objekterne og baggrunden konstrueres den sande historie.
Se reproduktion →
Niklaus Manuel Deutsch
Pyramus og Thisbe
Med "Pyrame og Thisbe" fornyer Niklaus Manuel Deutsch scenen og formidler reformations- og Bernerhumanismens energi i spændte og teatralske billeder. Den tilsyneladende klarhed skjuler en videnskabelig komposition, lavet af balancer og afmålte brud.
Se reproduktion →
Tobias Stimmer
Portræt af Jacob Schwytzer
"Portræt af Jacob Schwytzer" viser, hvordan Tobias Stimmer tager udgangspunkt i figuren og forvandler det genopståede billede til et direkte møde, uden at ofre kostumets detaljer. Det velkendte mønster får symbolsk betydning uden at miste sin vægt, tekstur eller tilstedeværelse.
Se reproduktion →
Tobias Stimmer
Portræt af Elsbeth Lochmann
Her organiserer Tobias Stimmer figuren med bemærkelsesværdig økonomi og forvandler det genopblussende billede til et direkte møde, uden at ofre kostumets detaljer. Billedet forbliver tavs, men dets rytme giver blikket retning og tidstæthed.
Se reproduktion →Kapitel 02
Det sublime, teatret og Alperne
Kauffmann og Füssli bevæger historiemaleriet mod følelser, mens Diday og Calame giver bjerget en monumental dimension.
Angelica Kauffmann
Ariadne forladt af Theseus
I "Ariadne Abandoned by Theseus" indtager Angelica Kauffmann scenen som støttepunkt og komponerer en følsom oldtid, hvor heltemod måles af hjertets tøven. Maleriet holder sammen på iagttagelse, hukommelse og opfindelse uden nogensinde at reducere emnet til et emblem.
Se reproduktion →
Angelica Kauffmann
Telemachus og nymferne i Calypso
Med "Telemachus og nymferne fra Calypso" fornyer Angelica Kauffmann scenen og komponerer en følsom oldtid, hvor heltemod måles af hjertets tøven. Denne spænding mellem overflade og dybde forklarer værkets vedvarende modernitet.
Se reproduktion →
Angelica Kauffmann
Venus overtaler Helen til at elske Paris
"Venus overtaler Helen til at elske Paris" viser, hvordan Angelica Kauffmann tager udgangspunkt i landskabet og komponerer en følsom oldtid, hvor heltemod måles på hjertets tøven. Det malede materiale bevarer den umiddelbare fornemmelse, mens det fast bestiller helheden.
Se reproduktion →
Angelica Kauffmann
Telemachos tristhed
Her organiserer Angelica Kauffmann scenen med bemærkelsesværdig økonomi og komponerer en følsom oldtid, hvor heltemod måles på hjertets tøven. Scenen får således et visuelt bevis, som rækker langt ud over sin tid og sin første kontekst.
Se reproduktion →
Angelica Kauffmann
Selvportræt
I "Selvportræt" tager Angelica Kauffmann figuren som støttepunkt og komponerer en følsom oldtid, hvor heltemod måles af hjertets tøven. Lys illustrerer ikke kun emnet: det regulerer dets indre spænding.
Se reproduktion →
Johann heinrich fussli
The Nightmare
Med "Mareridtet" fornyer Johann Heinrich Füssli scenen og åbner maleriet for drømme, natterædsler og teatrets kræfter. Skalerelationer leder øjet fra konkrete detaljer til en bredere vision.
Se reproduktion →
Johann heinrich fussli
Lady Macbeth gik i søvne og sagde også, at Lady Macbeth gik i søvne
"Lady Macbeth walking in her sleep, also known as Lady Macbeth sleepwalking" viser, hvordan Johann Heinrich Füssli forlader scenen og åbner maleriet for drømme, natterædsler og teatrets kræfter. Color etablerer den dybde lige så meget som det giver billedet dets følelsesmæssige klima.
Se reproduktion →
Johann heinrich fussli
Thor kæmper mod Midgårdsormen
Her organiserer Johann Heinrich Füssli scenen med bemærkelsesværdig økonomi og åbner maleriet for drømme, natterædsler og teatrets kræfter. Indramningen strammer handlingen og forvandler præcis iagttagelse til en varig oplevelse.
Se reproduktion →
Johann heinrich fussli
Mareridtet blandt heksene i Lapland
I "Mareridtet blandt heksene i Lapland" indtager Johann Heinrich Füssli scenen som støttepunkt og åbner maleriet for drømme, natterædsler og teatrets kræfter. Hvert interval tæller: mellem figurerne, genstandene og baggrunden konstrueres den sande historie.
Se reproduktion →
Jacques-Laurent Agasse
Zebra
Med "Zèbre" fornyer Jacques-Laurent Agasse dyrets tilstedeværelse og observerer dyr med en nøjagtighed, der bevarer deres udseende, deres vægt og deres temperament. Den tilsyneladende klarhed skjuler en videnskabelig sammensætning, lavet af balancer og afmålte brud.
Se reproduktion →
Jacques-Laurent Agasse
To leoparder, der ligger i Exeter Change
"To leoparder, der ligger i Exeter-skiftet" viser, hvordan Jacques-Laurent Agasse tager udgangspunkt i dyrenes tilstedeværelse og observerer dyrene med en nøjagtighed, der bevarer deres udseende, vægt og temperament. Det velkendte mønster vinder symbolsk betydning uden at miste sin vægt, tekstur eller tilstedeværelse.
Se reproduktion →
Jacques-Laurent Agasse
Det sidste stop på vejen til Portsmouth
Her organiserer Jacques-Laurent Agasse scenen med bemærkelsesværdig økonomi og observerer dyrene med en nøjagtighed, der bevarer deres udseende, vægt og temperament. Billedet forbliver tavs, men dets rytme giver blikket retning og tidstæthed.
Se reproduktion →
François Diday
Rosenlaui
I "Rosenlaui" tager François Diday landskabet som støttepunkt og skildrer Alperne som en arkitektur af klipper, træer og vandfald. Maleriet holder sammen observation, hukommelse og opfindelse uden nogensinde at reducere emnet til et emblem.
Se reproduktion →
François Diday
Handeck Aare
Med "L'Aar à la Handeck" fornyer François Diday landskabet og skildrer Alperne som en arkitektur af klipper, træer og vandfald. Denne spænding mellem overflade og dybde forklarer værkets vedvarende modernitet.
Se reproduktion →
François Diday
Luzern-søen nær Brunnen
"Lucerne-søen nær Brunnen" viser, hvordan François Diday tager udgangspunkt i landskabet og skildrer Alperne som en arkitektur af klipper, træer og vandfald. Det malede materiale bevarer den umiddelbare fornemmelse, mens det fast bestiller helheden.
Se reproduktion →
Alexander Calame
Luzern-søen
Her organiserer Alexandre Calame landskabet med bemærkelsesværdig økonomi og bestiller det romantiske bjerg omkring kontraster af lys og ulykker af lettelse. Scenen erhverver således et visuelt bevis, som rækker langt ud over sin tid og sin første sammenhæng.
Se reproduktion →
Alexander Calame
Grimsel Road (kantonen Bern)
I "Route du Grimsel (kantonen Bern)" indtager Alexandre Calame scenen som støttepunkt og bestiller det romantiske bjerg omkring lysets kontraster og relieffets ulykker. Lys illustrerer ikke kun emnet: det regulerer dets indre spænding.
Se reproduktion →
Alexander Calame
Aare-dalen i Meiringen (Bernese Oberland)
Med "Aare-dalen i Meiringen (Bernese Oberland)" fornyer Alexandre Calame landskabet og bestiller det romantiske bjerg omkring kontraster af lys og ulykker af lettelse. Skalaforhold fører øjet fra konkrete detaljer til en bredere vision.
Se reproduktion →
Alexander Calame
Thun-søen
"Lake Thun" viser, hvordan Alexandre Calame starter fra landskabet og bestiller det romantiske bjerg omkring lysets kontraster og relieffets ulykker. Farve etablerer dybde lige så meget, som den giver billedet dets følelsesmæssige klima.
Se reproduktion →
Charles Gleyre
Le Soir, også kendt som Lost Illusions
Her organiserer Charles Gleyre scenen med bemærkelsesværdig økonomi og indsætter et elegisk historiemaleri, suspenderet mellem gammel hukommelse og moderne desillusion. Indramningen strammer handlingen og omdanner præcis observation til varig oplevelse.
Se reproduktion →Kapitel 03
Nationen, hverdagen og symbolet
Anker og Koller observerer den landlige verden; Böcklin og Gleyre åbnede samtidig schweizisk maleri for drømme, myter og bekymringer.
Alexander Calame
Brudt træ ved Kerket, nær Meyringen (Bernese Oberland)
I "Broken Tree at Kerket, near Meyringen (Bernese Oberland)" tager Alexandre Calame landskabet som støttepunkt og bestiller det romantiske bjerg omkring lysets kontraster og relieffets ulykker. Hvert interval beretning: mellem figurerne, objekterne og baggrunden er den sande historie konstrueret.
Se reproduktion →
Alexander Calame
Landskab
Med "Landskab" fornyer Alexandre Calame landskabet og bestiller det romantiske bjerg omkring lysets kontraster og relieffets ulykker. Den tilsyneladende klarhed skjuler en videnskabelig komposition, lavet af balancer og afmålte brud.
Se reproduktion →
Charles Gleyre
Bacchanternes dans
"The Dance of the Bacchantes" viser, hvordan Charles Gleyre starter fra scenen og sætter et elegisk historiemaleri ind, ophængt mellem oldtidens hukommelse og moderne desillusion. Det velkendte motiv får symbolsk betydning uden at miste sin vægt, tekstur eller tilstedeværelse.
Se reproduktion →
Charles Gleyre
De romerske brigander
Her organiserer Charles Gleyre scenen med bemærkelsesværdig økonomi og indsætter et elegisk historiemaleri, suspenderet mellem gammel hukommelse og moderne desillusion. Billedet forbliver tavs, men dets rytme giver blikket retning og tidstæthed.
Se reproduktion →
Arnold Boecklin
De dødes ø
I "De dødes ø" indtager Arnold Böcklin scenen som støttepunkt og gør myten til en synlig verden, hvor naturen, døden og begæret deler den samme atmosfære. Maleriet holder sammen på iagttagelse, hukommelse og opfindelse uden nogensinde at reducere emnet til et emblem.
Se reproduktion →
Arnold Boecklin
Selvportræt med Døden som violinspiller
Med "Selvportræt med Døden, der spiller violin", fornyer Arnold Böcklin figuren og gør myten til en synlig verden, hvor natur, død og begær deler den samme atmosfære. Denne spænding mellem overflade og dybde forklarer værkets vedvarende modernitet.
Se reproduktion →
Arnold Boecklin
I spillet Waves
"In the Game of Waves" viser, hvordan Arnold Böcklin starter fra scenen og gør myten til en synlig verden, hvor natur, død og begær deler den samme atmosfære. Det malede materiale bevarer den umiddelbare fornemmelse, mens det fast bestiller helheden.
Se reproduktion →
Arnold Boecklin
Pesten
Her organiserer Arnold Böcklin scenen med bemærkelsesværdig økonomi og gør myten til en synlig verden, hvor natur, død og begær deler den samme atmosfære. Scenen får dermed et visuelt bevis, som rækker langt ud over sin tid og sin første kontekst.
Se reproduktion →
Arnold Boecklin
Hellig lund (II)
I "Sacred Grove (II)" indtager Arnold Böcklin scenen som støttepunkt og gør myten til en synlig verden, hvor naturen, døden og begæret deler den samme atmosfære. Lys illustrerer ikke kun emnet: det regulerer dets indre spænding.
Se reproduktion →
Arnold Boecklin
Die Gefilde der Seligen
Med "Die Gefilde der Seligen" fornyer Arnold Böcklin scenen og gør myten til en synlig verden, hvor natur, død og begær deler den samme atmosfære. Skalarelationer leder øjet fra konkrete detaljer til en bredere vision.
Se reproduktion →
Albert Anker
Skoleeksamenen
"Eksamenen på skolen" viser, hvordan Albert Anker starter fra scenen og ser på landsbylivet med rolig tyngdekraft, opmærksom på gestus af læring og transmission. Farve etablerer dybde lige så meget, som det giver billedet dets følelsesmæssige klima.
Se reproduktion →
Albert Anker
Kappels mælkesuppe
Her organiserer Albert Anker scenen med bemærkelsesværdig økonomi og ser på landsbylivet med rolig tyngdekraft, opmærksom på gestus af læring og transmission. Indramningen strammer handlingen og omdanner præcis observation til en varig oplevelse.
Se reproduktion →
Albert Anker
Børnenes morgenmad
I "Børnefrokosten" tager Albert Anker figuren som støttepunkt og ser på landsbylivet med rolig tyngdekraft, opmærksom på gestus af læring og transmission. Hvert interval tæller: mellem figurerne, objekterne og baggrunden er den sande historie konstrueret.
Se reproduktion →
Albert Anker
Ung Pige strikning
Med "Young Girl Knitting" fornyer Albert Anker scenen og ser på landsbylivet med rolig tyngdekraft, opmærksom på gestus af læring og transmission. Den tilsyneladende klarhed skjuler en videnskabelig komposition, lavet af balancer og afmålte brud.
Se reproduktion →
Albert Anker
Skoleklassen
"Skoleklassen" viser, hvordan Albert Anker starter fra scenen og ser på landsbylivet med rolig tyngdekraft, opmærksom på gestus af læring og transmission. Det velkendte mønster får symbolsk betydning uden at miste sin vægt, tekstur eller tilstedeværelse.
Se reproduktion →
Albert Anker
Skrivelektionen
Her organiserer Albert Anker scenen med bemærkelsesværdig økonomi og ser på landsbylivet med rolig tyngdekraft, opmærksom på gestus af læring og transmission. Billedet forbliver tavs, men dets rytme giver blikket retning og tidstæthed.
Se reproduktion →
Rudolf Koller
Gotthard Postkontor
I "Gotthards Posthus" tager Rudolf Koller landskabet som støttepunkt og tilfører veje og flokke en energi, der får det schweiziske landskab til at vibrere. Maleriet holder sammen på iagttagelse, hukommelse og opfindelse uden nogensinde at reducere motivet til et emblem.
Se reproduktion →
Rudolf Koller
Ko i kålplet
Med "Ko på en kålplads" fornyer Rudolf Koller den dyriske tilstedeværelse og tilfører veje og flokke en energi, der får det schweiziske landskab til at vibrere. Denne spænding mellem overflade og dybde forklarer værkets vedvarende modernitet.
Se reproduktion →
Rudolf Koller
Storm-skræmte heste
"Horses Frightened by the Storm" viser, hvordan Rudolf Koller starter fra scenen og tilfører vejene og flokkene en energi, der får det schweiziske landskab til at vibrere. Det malede materiale bevarer den umiddelbare fornemmelse, mens det bestiller helheden fast.
Se reproduktion →
Rudolf Koller
Køer ved søen
Her organiserer Rudolf Koller landskabet med bemærkelsesværdig økonomi og tilfører vejene og flokkene en energi, der får det schweiziske landskab til at vibrere. Scenen får dermed et visuelt bevis, som rækker langt ud over sin tid og sin første kontekst.
Se reproduktion →Kapitel 04
Fra parallelisme til moderne farve
Hodler, Segantini og malerne fra Graubünden og Valais forvandler landskabet og figuren til farverige rytmer, der annoncerer det 20. århundrede.
Ferdinand Hodler
Natten
I "La Nuit" indtager Ferdinand Hodler scenen som støttepunkt og reducerer former og gestus til store parallelle rytmer, der er i stand til at bære en kollektiv følelse. Lys illustrerer ikke kun emnet: det regulerer dets indre spænding.
Se reproduktion →
Ferdinand Hodler
Blikket ind i det uendelige
Med "The Look into Infinity" fornyer Ferdinand Hodler scenen og reducerer former og gestus til store parallelle rytmer, der er i stand til at bære en kollektiv følelse. Skalerelationer leder øjet fra konkrete detaljer til en bredere vision.
Se reproduktion →
Ferdinand Hodler
Den hellige time
"Den hellige time" viser, hvordan Ferdinand Hodler starter fra scenen og reducerer former og gestus til store parallelle rytmer, der er i stand til at bære en kollektiv følelse. Farve etablerer dybde lige så meget, som det giver billedet dets følelsesmæssige klima.
Se reproduktion →
Ferdinand Hodler
Skovhuggeren
Her organiserer Ferdinand Hodler scenen med bemærkelsesværdig økonomi og reducerer former og gestus til store parallelle rytmer, der er i stand til at bære en kollektiv følelse. Indramningen strammer handlingen og omdanner præcis observation til en varig oplevelse.
Se reproduktion →
Ferdinand Hodler
The Reaper
I "The Reaper" indtager Ferdinand Hodler scenen som støttepunkt og reducerer former og gestus til store parallelle rytmer, der er i stand til at bære en kollektiv følelse. Hvert interval tæller: mellem figurerne, objekterne og baggrunden konstrueres den sande historie.
Se reproduktion →
Ferdinand Hodler
Eiger, Monch und Jungfrau über dem Nebelmeer
Med "Eiger, Monch und Jungfrau über dem Nebelmeer" fornyer Ferdinand Hodler scenen og reducerer former og gestus til store parallelle rytmer, der er i stand til at bære en kollektiv følelse. Den tilsyneladende klarhed skjuler en videnskabelig komposition, lavet af balancer og afmålte brud.
Se reproduktion →
Ferdinand Hodler
Genevesøen set fra Chexbres
"Genève-søen set fra Chexbres" viser, hvordan Ferdinand Hodler tager udgangspunkt i landskabet og reducerer former og gestus til store parallelle rytmer, der er i stand til at bære en kollektiv følelse. Det velkendte motiv får symbolsk betydning uden at miste sin vægt, tekstur eller tilstedeværelse.
Se reproduktion →
Ferdinand Hodler
Genevesøen og Mont-Blanc rækker ved daggry
Her organiserer Ferdinand Hodler landskabet med bemærkelsesværdig økonomi og reducerer former og gestus til store parallelle rytmer, der er i stand til at bære en kollektiv følelse. Billedet forbliver tavs, men dets rytme giver blikket retning og tidstæthed.
Se reproduktion →
Ferdinand Hodler
Livets trætte
I "Livets trætte" indtager Ferdinand Hodler scenen som støttepunkt og reducerer former og gestus til store parallelle rytmer, der er i stand til at bære en kollektiv følelse. Maleriet holder sammen på observation, hukommelse og opfindelse uden nogensinde at reducere motivet til et emblem.
Se reproduktion →
Giovanni Segantini
Middag i Alperne
Med "Midi dans les Alpes" fornyer Giovanni Segantini landskabet og får de høje bjerge til at skinne med et opdelt touch, hvor naturligt lys og symbol samles. Denne spænding mellem overflade og dybde forklarer værkets vedvarende modernitet.
Se reproduktion →
Giovanni Segantini
Hil dig Mary ved overfarten
"Ave Maria på overfarten" viser, hvordan Giovanni Segantini starter fra scenen og får de høje bjerge til at skinne med et opdelt touch, hvor naturligt lys og symbol samles. Det malede materiale bevarer den umiddelbare fornemmelse, mens det fast bestiller helheden.
Se reproduktion →
Giovanni Segantini
De to mødre
Her organiserer Giovanni Segantini figuren med bemærkelsesværdig økonomi og får de høje bjerge til at skinne med et opdelt touch, hvor naturligt lys og symbol mødes. Scenen får dermed et visuelt bevis, som rækker langt ud over sin tid og sin første kontekst.
Se reproduktion →
Giovanni Segantini
Bad Mothers
I "De onde mødre" tager Giovanni Segantini figuren som støttepunkt og får de høje bjerge til at skinne med et opdelt touch, hvor naturligt lys og symbol samles. Lys illustrerer ikke kun emnet: det regulerer dets indre spænding.
Se reproduktion →
Giovanni Segantini
Life
Med "La Vie" fornyer Giovanni Segantini scenen og får de høje bjerge til at skinne med et opdelt touch, hvor naturligt lys og symbol mødes. Skalarelationer leder øjet fra konkrete detaljer til en bredere vision.
Se reproduktion →
Augusto Giacometti
Stilleben med ranunkler
"Still Life with Buttercups" viser, hvordan Augusto Giacometti starter fra scenen og skubber farve mod en autonom intensitet, halvvejs mellem farvet glas, mosaik og abstraktion. Farve etablerer dybde lige så meget, som den giver billedet dets følelsesmæssige klima.
Se reproduktion →
Giovanni Giacometti
Udsigt over Capolago
Her organiserer Giovanni Giacometti scenen med bemærkelsesværdig økonomi og oversætter Engadinen til farverige akkorder, der bevarer varmen fra interiøret som sneens glans. Indramningen strammer handlingen og forvandler præcis observation til en varig oplevelse.
Se reproduktion →
Giovanni Giacometti
Lampen
I "Lampen" indtager Giovanni Giacometti scenen som støttepunkt og oversætter Engadinen til farverige akkorder, som bevarer varmen fra interiøret som sneens glans. Hvert interval tæller: mellem figurerne, objekterne og baggrunden konstrueres den sande historie.
Se reproduktion →
Giovanni Giacometti
Træer i sneen
Med "Træer i sneen" fornyer Giovanni Giacometti landskabet og oversætter Engadinen til farverige akkorder, der bevarer varmen fra interiører som sneens glans. Den tilsyneladende klarhed skjuler en videnskabelig sammensætning, lavet af balancer og målte brud.
Se reproduktion →
Ernest Biéler
The Dead Leaf Collector
"The Collector of Dead Leaves" viser, hvordan Ernest Biéler tager udgangspunkt i scenen og kombinerer lineær præcision med Valais-figurernes tavse monumentalitet. Det velkendte mønster får symbolsk betydning uden at miste sin vægt, tekstur eller tilstedeværelse.
Se reproduktion →
Ernest Biéler
Halm Braiders
Her organiserer Ernest Biéler scenen med bemærkelsesværdig økonomi og kombinerer lineær præcision med Valais-figurernes tavse monumentalitet. Billedet forbliver tavst, men dets rytme giver blikket retning og tidstæthed.
Se reproduktion →Kapitel 05
Vallotton og Klee, to veje til det moderne
Den ene kontrasterer det synlige med flade områder og lydløs indramning; den anden konstruerer et univers af tegn, farver og indvendige bevægelser.
Felix Vallotton
Ballonen
I "Le Ballon" indtager Félix Vallotton scenen som støttepunkt og konstruerer rummet med klare flade områder, brat indramning og bibeholdte psykologiske spændinger. Maleriet holder sammen på iagttagelse, hukommelse og opfindelse uden nogensinde at reducere motivet til et emblem.
Se reproduktion →
Felix Vallotton
Løgnen
Med "Le Mensonge" fornyer Félix Vallotton scenen og konstruerer rummet gennem klare flade områder, abrupt indramning og tilbageholdende psykologiske spændinger. Denne spænding mellem overflade og dybde forklarer værkets vedvarende modernitet.
Se reproduktion →
Felix Vallotton
Den hvide og den sorte
"La Blanche et la Noire" viser, hvordan Félix Vallotton starter fra scenen og konstruerer rummet med klare flade områder, brat indramning og beherskede psykologiske spændinger. Det malede materiale bevarer den umiddelbare fornemmelse, mens det fast bestiller helheden.
Se reproduktion →
Felix Vallotton
Besøget
Her organiserer Félix Vallotton scenen med bemærkelsesværdig økonomi og konstruerer rummet med klare flade områder, abrupt framing og beherskede psykologiske spændinger. Scenen får dermed et visuelt bevis, som rækker langt ud over sin tid og sin første kontekst.
Se reproduktion →
Felix Vallotton
Fem timer
I "Fem timer" indtager Félix Vallotton scenen som støttepunkt og konstruerer rummet med klare flade områder, abrupt indramning og beherskede psykologiske spændinger. Lys illustrerer ikke kun emnet: det regulerer dets indre spænding.
Se reproduktion →
Felix Vallotton
Måneskin
Med "Clair de lune" fornyer Félix Vallotton scenen og konstruerer rummet gennem klare flade områder, abrupt indramning og beherskede psykologiske spændinger. Skalarelationer leder øjet fra konkrete detaljer til en bredere vision.
Se reproduktion →
Felix Vallotton
Solnedgang, orange himmel
"Solnedgang, orange himmel" viser, hvordan Félix Vallotton starter fra scenen og konstruerer rummet med klare flade områder, abrupt indramning og beherskede psykologiske spændinger. Farve etablerer dybde lige så meget, som den giver billedet dets følelsesmæssige klima.
Se reproduktion →
Felix Vallotton
Interiør med kvinde i rød ryg
Her organiserer Félix Vallotton figuren med bemærkelsesværdig økonomi og konstruerer rummet gennem klare flade områder, abrupt framing og tilbageholdende psykologiske spændinger. Framing strammer handlingen og omdanner præcis observation til varig oplevelse.
Se reproduktion →
Felix Vallotton
Rockbadende
I "Bather at the Rock" indtager Félix Vallotton scenen som støttepunkt og konstruerer rummet med klare flade områder, abrupt indramning og bevarede psykologiske spændinger. Hvert interval tæller: mellem figurerne, objekterne og baggrunden konstrueres den sande historie.
Se reproduktion →
Felix Vallotton
Selvportræt (Félix Vallotton, 1887)
Med "Selvportræt (Félix Vallotton, 1887)" fornyer Félix Vallotton figuren og konstruerer rummet gennem klare flade områder, abrupt indramning og tilbageholdende psykologiske spændinger. Den tilsyneladende klarhed skjuler en videnskabelig sammensætning, lavet af balancer og afmålte brud.
Se reproduktion →
Paul Klee
Ad Parnassum
"Ad Parnassum" viser, hvordan Paul Klee starter fra scenen og opfinder en grammatik af tegn, hvor farve, musik og arkitektur bliver den samme bevægelse. Det velkendte mønster får symbolsk betydning uden at miste sin vægt, tekstur eller tilstedeværelse.
Se reproduktion →
Paul Klee
Senecio
Her organiserer Paul Klee scenen med bemærkelsesværdig økonomi og opfinder en grammatik af tegn, hvor farve, musik og arkitektur bliver til samme bevægelse. Billedet forbliver tavs, men dets rytme giver blikket retning og tidstæthed.
Se reproduktion →
Paul Klee
Fish Magic
I "Fish Magic" indtager Paul Klee scenen som støttepunkt og opfinder en grammatik af tegn, hvor farve, musik og arkitektur bliver til samme bevægelse. Maleriet holder sammen på iagttagelse, hukommelse og opfindelse uden nogensinde at reducere motivet til et emblem.
Se reproduktion →
Paul Klee
Rundt om Fisken
Med "Around the Fish" fornyer Paul Klee scenen og opfinder en grammatik af tegn, hvor farve, musik og arkitektur bliver den samme bevægelse. Denne spænding mellem overflade og dybde forklarer værkets vedvarende modernitet.
Se reproduktion →
Paul Klee
Slot og Sol
"Castle and Sun" viser, hvordan Paul Klee starter fra scenen og opfinder en grammatik af tegn, hvor farve, musik og arkitektur bliver den samme bevægelse. Det malede materiale bevarer den umiddelbare fornemmelse, mens det fast bestiller helheden.
Se reproduktion →
Paul Klee
Katten og fuglen
Her organiserer Paul Klee den dyriske tilstedeværelse med bemærkelsesværdig økonomi og opfinder en grammatik af tegn, hvor farve, musik og arkitektur bliver den samme bevægelse. Scenen får dermed et visuelt bevis, som rækker langt ud over sin tid og sin første kontekst.
Se reproduktion →
Paul Klee
Valgt websted
I "Chosen Site" indtager Paul Klee scenen som støttepunkt og opfinder en grammatik af tegn, hvor farve, musik og arkitektur bliver til samme bevægelse. Lys illustrerer ikke kun emnet: det regulerer dets indre spænding.
Se reproduktion →
Paul Klee
Skuespillerens maske
Med "Actor's Mask" fornyer Paul Klee scenen og opfinder en grammatik af tegn, hvor farve, musik og arkitektur bliver den samme bevægelse. Skalarelationer leder øjet fra konkrete detaljer til en bredere vision.
Se reproduktion →
Paul Klee
Kamel (i Rytmisk Landskab med Træer)
"Camel (in Rhythmic Landscape with Trees)" viser, hvordan Paul Klee starter fra scenen og opfinder en grammatik af tegn, hvor farve, musik og arkitektur bliver den samme bevægelse. Farve etablerer dybde lige så meget, som den giver billedet dets følelsesmæssige klima.
Se reproduktion →
Paul Klee
Abstraktion med henvisning til et blomstrende træ
Her organiserer Paul Klee scenen med bemærkelsesværdig økonomi og opfinder en grammatik af tegn, hvor farve, musik og arkitektur bliver den samme bevægelse. Indramningen strammer handlingen og forvandler præcis observation til en varig oplevelse.
Se reproduktion →Forståelse af schweizisk maleri
Hvorfor starte med Holbein, når Konrad Witz er ældre?
Turen placerer først de mest umiddelbart anerkendte værker, derefter udfolder kronologien inden for kapitlerne. Witz velbegrundede et af de første store øjeblikke i Basel-maleriet, mens Holbein gav det et europæisk omfang.
Hvorfor inkludere Angelica Kauffmann og Giovanni Segantini?
Schweizisk maleri blev bygget gennem cirkulation, naturalisation og arbejdspladser. Kauffmann blev født i Chur og Segantini udviklede den afgørende fase af sit arbejde i Engadinen. Deres tilstedeværelse kaster lys over denne grænseoverskridende historie.
Hvilken rolle spiller Alperne i denne historie?
De bevæger sig fra de topografiske rammer til det monumentale emne, derefter til laboratoriet for lys og rytme. Diday, Calame, Hodler, Segantini og Giovanni Giacometti tilbyder radikalt forskellige visioner.
Hvad er Hodler parallelisme?
Hodler gentager og bestiller formerne - kroppe, træer, bjerge, vandlinjer - for at synliggøre en dybere enhed. Symmetri og rytme har da lige så stor betydning som subjektet.
Hvordan fornyede Vallotton og Klee maleriet?
Vallotton kondenserer figurerne til flade områder og nærmest filmisk indramning. Klee behandler streg, farve og tegn som elementer i et partitur. Begge bevæger maleriet mod en mental konstruktion af det synlige.
0 kommentarer