De 100 berømte malerier, der fortæller historien om Edgar Degas

Degas er knyttet til impressionisterne uden nogensinde at lade sig opsluge af etikette. Han deltager i deres udstillinger, forsvarer deres uafhængighed og deler deres interesse for det moderne liv, men foretrækker at kalde sig realistisk eller uafhængig. Hvor Monet sætter sit staffeli op foran det skiftende lys, vender Degas tilbage til studiet, tegning, studier og kompositioner taget op. Øjeblikket synes grebet; i virkeligheden blev han udspurgt med en tålmodighed, der ville få et ur til at rødme.

Hans uddannelse er klassisk. Han kopierede mestrene på Louvre, opholdt sig i Italien fra 1856 til 1859 og begyndte med portrætter og historiske emner. Familien Bellelli bevarer denne monumentale ambition: Rummet, møblerne og afstandene mellem karaktererne fortæller lige så meget som ansigterne. Meget tidligt blev portrætter et spørgsmål om spænding, ikke en simpel fordeling af gode manerer.

I begyndelsen af 1860'erne banede hestevæddeløb vejen for moderne emner. Heste stoppede, jockeyer venter og falske starter interesserer Degas, fordi bevægelsen er indeholdt der, før den brister. Han maler ikke kun hastighed; han maler sit præparat, sine ubalancer og sine sekunders tøven. Stopuret kan blive i lommen: kompositionen tager sig allerede af rytmen.

Operaen blev derefter hans store laboratorium. Degas viser øvelokalerne, baren, musikerne, mestrene og abonnenterne lige så ofte som selve scenen. Danserne strækker sig, justerer deres hjemmesko, venter på deres tur eller genoptager en gestus. Denne opmærksomhed på arbejde adskiller hans billeder fra ballettens rent magiske visioner: tutuen skinner bestemt, men den skulle gentages.

Caféer, møllere, vaskerier og strygere udvider denne observation af Paris. Absint placerer to figurer side om side uden at bringe dem sammen; Bomuldskontoret omdanner en kommerciel aktivitet til et kollektivt portræt; arbejdere giver fysisk vægt til gentagne fagter. Degas ser på moderniteten, hvor den trætter, koncentrerer sig eller keder sig, det vil sige præcis, hvor den bliver menneskelig.

I 1880'erne flyttede toiletscener og nøgenbilleder stadig synspunktet. The Tub, præsenteret i 1886, kombinerer dykning, bevidst forvrænget perspektiv og pastelmateriale. Figuren udgør ikke for beskueren: det vasker, tørrer, stilarter. Denne autonomi af gestus giver billederne deres styrke og nogle gange deres mærkelighed. Badeværelset bliver avantgarde terræn, som ikke var fastsat i VVS-bestemmelserne.

Pastel tillader endelig Degas at skubbe farve og materiale. Hos sene dansere styrkes konturerne, blues, appelsiner og greens vibrerer, og kroppene strammer sig ind i næsten abstrakte grupper. Kunstnerens vision svækkes, men hans sprog falmer ikke: han forenkler, fremhæver og begynder igen. Præcision ændrer form uden at opgive disciplin.

Denne Top 100 følger denne bane: ambitiøse portrætter, racer, parisisk liv, Opera, arbejde, toiletartikler og sene omslag. Mesterværkerne åbner ruten, så viser de mindre kendte værker kontinuiteten i forskning baseret på tegning, bevægelse og indramning. Degas malede ikke den samme danser hundrede gange; han stillede hundrede forskellige spørgsmål til den samme gestus.