Gustav Klimt: guldet, kvinderne og geniet der fik Wien til at stråle

Historisk kontekst

Hvor kommer Gustav Klimt fra, udover en meget god sans for show?

Født i 1862 i Baumgarten, dengang en forstad til Wien, nu en del af hovedstaden, voksede Gustav op i en beskeden familie, men gennemsyret af håndværk. Hans far, Ernst Klimt, var gravør i guld, en biografisk detalje der giver fuld mening, når man ser den tekniske mesterskab sønnen senere udfoldede med bladguld. Allerede i teenageårene kom Gustav ind på Wiens Kunstgewerbeschule, den berømte skole for kunsthåndværk, hvor han ikke nøjedes med at lære at tegne akademiske nøgenstudier. Han absorberede en dekorkultur og lærte, at maleri kunne dække lofter, pryde monumentale trapper og dialogere med arkitekturen i stedet for blot at hænge forsigtigt på den.

Denne hybride uddannelse skabte en kunstner, der kunne tænke i store formater, langt fra de isolerede staffelier hos salonmalerne. Hans første store værker var offentlige opgaver til teatrene i Carlsbad eller Wiens kunsthistoriske museer, udført sammen med hans bror Ernst og deres ven Franz Matsch. Disse historiske fresker, selvom de var konforme på den tid, gav ham mulighed for at mestre kompleks komposition og visuel fortælling. Men bag denne facade af en seriøs ung mand, der udførte imperiets ordrer, spirede allerede ønsket om at bryde de stive koder, der kvalte den wienske kreativitet i slutningen af det 19. århundrede.

Kunstnerisk stil

Wien forandrer sig, Klimt også: akademismen begynder at svede

Wien i 1900 er en sydende gryde, hvor Freuds psykoanalyse og Mahlers musik omdefinerer kulturen, mens den officielle kunst forbliver frosset i en tryg, pompøs realisme. I 1897, træt af de voldsomme kritikker efter hans allegoriske malerier til Wiens Universitet, der blev anset for for pornografiske og obskure, smækkede Klimt døren til de traditionelle kunstneres forening. Han grundlagde Wiener Secession sammen med arkitekter som Josef Hoffmann og maleren Koloman Moser, og proklamerede: til hver tid sin kunst, til hver kunst sin frihed. Denne bevægelse søgte ikke kun at udstille anderledes, den ville afskaffe det foragtelige hierarki mellem skønne kunster og brugskunst.

Deres tidsskrift, Ver Sacrum, blev det grafiske manifest for denne nye tilgang, hvor typografi, illustration og layout smeltede sammen til et totalt kunstværk. Klimt eksperimenterede her med komplekse dekorative rammer, der forlængede maleriet ud over dets fysiske grænser, og allerede annoncerede den besættelse af ornamentik, der skulle præge hans modenhed. Dette brud med akademismen var ikke en afvisning af teknik, men en frigørelse af emnet: den indre og symbolske sandhed fik nu forrang over fotografisk lighed. Kunstneren forstod, at væggen i en spisestue eller et privat rum fortjente lige så meget konceptuel opmærksomhed som et mesterværk udstillet på et støvet museum.

Guldperiode

Hvorfor alt dette guld? Fordi beige havde tabt debatten

Hvis du har indtryk af, at Klimt tømte den østrigske nationalbanks skatkammer for at male, tager du ikke helt fejl af hensigten, selvom teknikken er anderledes. Hans guldperiode, der begyndte omkring 1903, opstod direkte fra en rejse til Ravenna i Italien, hvor han opdagede de byzantinske mosaikker i kirken San Vitale. Fascineret af måden, hvorpå disse guld-tesseller fangede det guddommelige lys for at flade rummet ud og åndeliggøre figurerne, besluttede han at importere dette hellige sprog til moderne verdslig maleri. Han erstattede traditionel perspektiv og realistisk modellering med ædle flader, ved at bruge ægte bladguld og sølv, som han påførte med en guldsmeds præcision.

Denne forgyldning er ikke blot en luksuriøs gadget for at smigre det wienske borgerskab; den tjener til at løfte motiverne ud af deres jordiske temporalitet og indskrive dem i evighedens symbol. I værker som Portræt af Adele Bloch-Bauer I omslutter guldet bestilleren som en religiøs relikvie, der forvandler en jødisk borgerlig kvinde fra tiden til et tidløst ikon. Materialet bliver budskab: den visuelle rigdom skaber en beskyttende barriere omkring figurerne, isolerer dem i et drømmeagtigt rum, hvor tyngdekraftens og rumlig logiks regler ikke længere gælder. Det akademiske beige havde tabt debatten over for den blændende glans fra en modernitet, der fuldt ud påtog sig sin dekorative dimension.

Kvindeportrætter

Kvinderne hos Klimt: modeller, ikoner og blikke der ved ting

Det er umuligt at tale om Klimt uden at nævne den centrale, næsten monopolistiske plads, den kvindelige figur indtager i hans værk. Hvad enten det er portrætter af rige bestillere som Adele Bloch-Bauer eller allegoriske figurer som Judith med Holofernes' hoved, er kvinden hos Klimt aldrig passiv. Hun besidder en ukompliceret, til tider foruroligende sensualitet, der står i skarp kontrast til den moralske rigiditet i den sene victorianske tid. I Judith I for eksempel er den bibelske heltinde ikke fremstillet som en from befrier, men som en femme fatale med halvlukkede øjne, badende i en næsten erotisk ekstase, der chokerede de konservative kritikere i Wien.

Disse kroppe er ofte fragmenterede, druknet under bølger af geometriske eller organiske mønstre, der synes at ville opsluge dem, samtidig med at de ophøjer dem. Hænder, ansigter og fødder er de eneste dele behandlet med en blød naturalisme, der fremstår som øer af levende kød midt i et hav af abstrakt dekoration. Denne spænding mellem det kødelige virkelige og den ornamentale abstraktion skaber en hypnotisk tilstedeværelse: kvinden bliver både motiv og dekoration, menneske og hedensk gudinde. Klimt fanger en mystisk inderlighed, der antyder, at hans modeller kender hemmeligheder, som beskueren aldrig helt kan trænge ind på trods af den overflod, der tilbydes hans blik.

Kunst & detaljer

Kysset: kærlighed, guld og enormt pres på sofapuderne

Kysset, udført mellem 1907 og 1908 og i dag opbevaret på Belvedere-museet i Wien, er uden tvivl kunstnerens mest ikoniske værk, det der alene opsummerer hele hans æstetiske filosofi. Vi ser et omfavnet par knælende på et blomstret tæppe ved kanten af en abstrakt afgrund, indhyllet i en kappe af massivt guld, der smelter deres to kroppe sammen til én lysende enhed. Manden, hvis kjole er prydet med rektangulære sorte og hvide mønstre, der antyder en struktureret maskulin styrke, bøjer hovedet mod sin partner, hvis tøj eksploderer i farvede cirkler og bløde spiraler, symboler på en flydende og frodig femininitet.

Dette maleri fungerer som et verdsligt ikon for absolut kærlighed, hvor den fysiske omfavnelse bliver en åndelig forening muliggjort af guldets magi. Kompositionen er så tæt, så mættet af minutøse detaljer malet i hånden, at den udøver et øjeblikkeligt visuelt pres på beskueren. Der er ingen baggrund, ingen himmel, intet realistisk landskab: kun dette øjeblik suspenderet uden for tiden. At hænge en reproduktion af dette værk i et interiør er at acceptere at installere et fokuspunkt af sjælden intensitet, der øjeblikkeligt kan forvandle stemningen i et rum til en helligdom dedikeret til passion og formel skønhed.

Kunst & detaljer

Hvordan genkender man Klimt uden at vifte med en professors lup?

At identificere et Klimt-lærred ved første øjekast kræver ikke en doktorgrad i kunsthistorie, men snarere en særlig opmærksomhed på tekstur og rumlig håndtering. Det mest åbenlyse tegn er naturligvis den allestedsnærværende brug af gentagne mønstre, der dækker overflader og tøj: skaktern, skæl, stiliserede øjne, spiraler og geometriske former flettes sammen for at skabe et komplekst visuelt tæppe. I modsætning til impressionisterne, der søgte at fange det naturlige lys' vibration, konstruerer Klimt et indre lys, der stammer fra refleksionen på ædle materialer og den kromatiske mætning af hans flader.

Et andet ufejlbarligt tegn ligger i behandlingen af ansigter og kød, altid glat, porcelænsagtigt og let rosa, hvilket står i skarp kontrast til den teksturrige rigdom af tøj og baggrunde. Denne dikotomi skaber en collageeffekt før sin tid, hvor det virkelige synes at svæve over en abstrakt verden. Desuden er kompositionen ofte frontal, uden dyb perspektivisk flugt, hvilket tvinger blikket til at forblive på overfladen og udforske de uendelige detaljer i ornamentikken. Hvis du ser en kvinde, hvis kjole synes at være lavet af knuste glasmalerier, der er sat sammen med manisk præcision, er du højst sandsynligt i Klimts univers.

Wiener Secession

Schiele, Mucha, Moser: de kunstneriske naboer der ikke bliver pænt på trappen

Selvom Klimt dominerer den wienske scene, må han ikke isoleres fra sine samtidige, der alle bidrog til at definere jugendstil og centraleuropæisk symbolisme. Egon Schiele, hans turbulente protegé, førte udforskningen af menneskekroppen meget længere, mod en rå, kantet og til tider voldelig udtryksfuldhed, der kontrasterer med hans mentors ornamentale blødhed. Omvendt deler Alphonse Mucha, selvom han var tjekkisk og aktiv i Paris, med Klimt denne kærlighed til kurvede linjer, frodige hår og den idealiserede kvinde, selvom Muchas stil forbliver mere illustrativ og kommerciel, mindre psykologisk plaget.

Inden for selve Secessionen arbejdede kunstnere som Koloman Moser og Josef Hoffmann hånd i hånd med Klimt for at skabe den totale æstetik. Moser udmærkede sig især inden for grafisk design og dekorativ kunst, idet han anvendte de samme principper for stringente geometriske mønstre, som man finder i kjolerne på Klimts portrætter. At forstå disse forbindelser gør det muligt at indse, at Klimt ikke var et ensomt geni faldet ned fra himlen, men dirigenten for en kollektiv bevægelse, der søgte at omforme forholdet mellem kunst og hverdagsliv. Deres veje krydses ved Secessionens udstillinger og ved opgaverne til Palais Stoclet i Bruxelles, toppen af dette tværfaglige samarbejde.

Kunst & detaljer

Hvad museerne fortæller, når internettet taler for hurtigt

I den digitale tidsalder, hvor et komprimeret billede på tre hundrede pixels ofte er nok til at bedømme et værk, er det afgørende at vende tilbage til de institutionelle kilder for at forstå den sande dimension af Klimts arbejde. Belvedere-museet i Wien har den mest komplette samling, inklusive Kysset og Portræt af Adele Bloch-Bauer I, hvilket gør det muligt at værdsætte den virkelige skala og den fysiske glans af forgyldningerne, som ingen skærm kan gengive præcist. Ligeledes tilbyder Leopold Museum med sin store samling af værker fra Secessionen en uundværlig kontekst for at forstå kunstnerens stilistiske udvikling og hans forbindelser til Schiele.

For kunstelskere på den anden side af Atlanten bevarer Neue Galerie i New York vigtige stykker fra amerikanske private samlinger, hvilket giver et andet perspektiv på modtagelsen af Klimt i USA. Databaser som Wikidata eller Wikimedia Commons er nyttige for datoer og tilskrivninger, men de erstatter ikke oplevelsen af materialet. Museernes noter giver avancerede tekniske analyser af brugen af metalblade og pigmenter, og korrigerer derved de overdrevne forenklinger, man ofte finder i overfladiske blogindlæg eller hurtige billedtekster på sociale medier.

Kunst & detaljer

Inviter Klimt hjem uden at forvandle stuen til et kejserpalads

At integrere en reproduktion af Klimt i et moderne interiør kræver lidt fingerspidsfornemmelse for at undgå kitsch-effekten eller den tunge historiske rekonstruktion. Det ideelle er at lege med kontrast: et lærred rigt på guld og komplekse detaljer vil ånde bedre på en ensfarvet væg malet i dybe toner som skovgrøn, natteblå eller endda mat antracitgrå. Undgå absolut at ramme det ind i en overfyldt gylden ramme, der ville konkurrere med værket; foretræk en tynd ramme, sort eller naturligt træ, der fungerer som et rent vindue ind til billedets frodige univers.

Valget af rum er også afgørende: i en stue kan en stor reproduktion af Kysset eller Livets Træ fungere som et centralt stykke over en sober sofa, hvilket skaber et øjeblikkeligt samlingspunkt. I et soveværelse eller kontor bringer mere intime formater med kvindeportrætter eller landskabsstudier et strejf af poesi og luksuriøs ro. Det vigtige er at give værket den nødvendige plads til at blive betragtet; den visuelle tæthed af Klimts mønstre kræver, at øjet kan tage et skridt tilbage for at værdsætte den samlede symfoni, før det dykker ned i de mikroskopiske detaljer.

Indretning

De fejl du skal undgå, før du hænger guld på væggen

Den første klassiske fejl er at vælge en reproduktion udelukkende baseret på billedets berømmelse uden at tage hensyn til trykkvalitet og farvegengivelse. En billig kopi vil have tendens til at flade forgyldningerne ud og forvandle dem til en kedelig, ensartet gul farve, der mister al den lysende magi fra originalen. Det er bydende nødvendigt at foretrække high-definition print, ideelt set på lærred med synlig tekstur, eller giclée-printteknikker, der kan simulere dybden af flader og variationen af metalliske toner.

Dernæst skal du være opmærksom på belysningen: at placere en Klimt i et mørkt hjørne eller under for direkte og blegt lys kan ødelægge den visuelle oplevelse. Guld har brug for varmt, diffust lys for at afsløre sine skiftende nuancer afhængigt af betragtningsvinklen. Endelig, glem ikke afstanden; at hænge et så tæt værk i øjenhøjde i en smal gang, hvor man ikke kan træde tilbage, er kontraproduktivt. Giv disse malerier plads til at ånde og dine gæster tid til at stoppe op, for at se Klimt i forbifarten er som at forsøge at læse et komplekst digt ved at springe hver anden linje over.

For at fortsætte besøget

Kilder, samlinger og stier der virkelig er relateret til emnet

Nogle nyttige referencer til at verificere informationer, sammenligne frie billeder og forlænge læsningen uden at tage til et museum, der ikke har bedt om det.