Rembrandts sidste selvportrætter
Alderdom, materie og blik: i de sidste to årtier af sit liv malede Rembrandt ikke kun et ældre ansigt. Han oplever i hvor høj grad olie, lys og en bevidst ujævn overflade kan frembringe en menneskelig tilstedeværelse.
Alderdom bliver stof, lys og forhold
I de seneste selvportrætter behandler Rembrandt aldring på tre uadskillelige måder. Det registrerer synlige tegn - rynker, poser under øjnene, tungere kinder, grånende hår - uden at glatte dem i henhold til smigrende konventioner af portrætter. Derefter oversætter han disse transformationer til selve materialet: tyk impasto, gennemsigtige glasurer, udstrygninger, indsnit og tyndt færdige områder. Til sidst arrangerer han et ansigt til ansigt møde. Malerens blik forklarer ikke en eneste følelse; det holder beskueren foran en tilstedeværelse, der virker både tæt og modstandsdygtig.
Vi må undgå en alt for moderne konklusion: disse værker er ikke de successive sider i en dagbog, hvor hver skygge ville afsløre ulykke. De er også malerier, der er beregnet til at blive set, samlet og beundret som demonstrationer af beherskelse. Sandheden, de tilbyder, er billedlig, før de er bekendende.
Seks spændinger i hjertet af sene selvportrætter
Lighed og konstruktion
Spejlet giver et ansigt, men hver maleri vælger en positur, et kostume, en indramning og en grad af finish.
Kød og maleri
Rynker er ikke bare tegnet: de opstår fra furer, bump og lag, der faktisk fanger lyset.
Alder og autoritet
Alderdom er ikke lig med sletning. I 1658 eller på Kenwood besatte maleren lærredet med suveræn bredde.
Test og marked
Økonomiske vanskeligheder er dokumenteret, men samlere leder stadig efter autografbilledet af en berømt mester.
Efterbehandling og åbning
Ansigtet kan bearbejdes tæt, mens hænder, kostume eller baggrund forbliver friere og suggestive.
Nærvær og gåde
Udseendet virker direkte, men det leverer ikke en præcis følelse. Beskueren må bære denne ubestemmelighed.
En frontalitet uden triumferende kostume
Efter flere år uden et stort kendt malet selvportræt dukker Rembrandt næsten op forfra, hænderne placeret ved hofterne og kroppen indeholdt i en mørk silhuet. Han bruger ikke længere selvportrættens rige historiske apparat fra 1640. Klædningen er ædru, holdningen bred og blikket solidt etableret.
The maleri bringes ofte nærmere starten på sine økonomiske vanskeligheder, men tidslinjen bør ikke diktere udtrykket. Der er ingen forpligtelse til at læse stillingen som en indrømmelse af nederlag. Tværtimod, armene spredes og det lodrette format konstruere en ekspansiv tilstedeværelse. Maler behøver ikke smykker eller fløjl til at optage plads.
Lyset fokuserer opmærksomheden på ansigtet, kraven og nogle accenter af tøjet. Resten forbliver i en række brune, varme sorte og jordarter. Denne økonomi er afgørende: farve ophører med at være dekorativ og bliver struktur.
Fra frontalitet til frihed af 1669
Frontallegemet
Den store maleri wien erstatter pragt med næsten arkitektonisk stabilitet.
Den intime skala
Det lille wiener-selvportræt koncentrerer tilstedeværelsen i et meget strammere format.
Det store laboratorium
Frick, Washington, Met og Rijksmuseum formerer kostumer, impasto og roller.
Maleren i arbejde
I Kenwood udvider værktøjer, håndfri og gådefulde kredse emnet til faget.
Tre åbne slutninger
Malerierne af London, Firenze og Haag forhindrer, at det sidste år reduceres til et enkelt billede.
Lidt maleri, en koncentreret tilstedeværelse
The Lille Selvportræt fra Kunsthistorisches Museum måler cirka 48 × 40,6 cm. Kontrasten til det store maleri fra 1652 er lærerigt: Rembrandt forbinder ikke mekanisk kunstnerisk betydning og monumental dimension. I dette tætte format frembringer ansigtet, hatten og hverdagstøjet et næsten øjeblikkeligt forhold.
La reproduktion brugt her viser arbejdet i sit museumsmiljø frem for en simpel isoleret fil. Dette valg minder os om, at opfattelsen også afhænger af afstand, ramme og hængning. Set tæt på, den maleri afslører en meget økonomisk organisation: de lyse accenter i ansigtet er nok til at løsne hovedet fra et dæmpet brunt og rødt ensemble.
Maleren søger hverken sin ungdoms grimasse eller den heroiske positur. Han arbejder på tætheden af et roligt blik, frembragt af små værdiforskelle snarere end af en spektakulær kontrast.
Monument, udsigt, relief og rolle
Disse værker beviser, at "den sidste Rembrandt" ikke er en unik stil. I 1659 understøtter den mørke masse af tøj hovedet; i 1660 blev ansigtets overflade næsten et basrelief; i 1660 blev ansigtets overflade næsten et basrelief; i 1661 blandede selvportrættet sig med maleri af historie. Emnet forbliver genkendeligt, men dets funktion ændres.
Hvordan maleri lav en hud
Sene selvportrætter fascinerer, fordi materialet repræsenterer kødet, mens det synligt forbliver der maleri. Rembrandt overlejrer tynde, gennemsigtige passager på ladede nøgler. En brun glasur kan uddybe en skygge uden at uigennemsigtighed det; en lys pasta aflejret på panden faktisk frem mod lyset; et snit i et fugtigt lag tyder på en krølle eller rynke.
Metropolitan Museums meddelelse indikerer, at efter at have fjernet en syntetisk lak, blev arbejdsmetoden mere læsbar: Rembrandt vender især sin børste om og bruger håndtaget til at grave krøllerne, der kommer ud af hætten. Teknikken minder om visse indsnit fra hans tidlige værker, men her virker den i en meget tykkere overflade.
Tæt anlagte arealer
Pande, næse, øjenlåg, kinder og overskæg koncentrerer sig ofte impasto. Lyset nøjes ikke med at blive efterlignet: det rammer virkelig reliefferne af maleri.
Områder efterladt åbne
Baggrund, hænder, tilbehør eller tøj kan forblive tyndere, gnides eller ufuldstændig. Denne kontrast retter opmærksomheden og opretholder et igangværende arbejdsindtryk.
Rynke er ikke kun et tegn på alder: det bliver en børstebeslutning, en tykkelse, en fure og en måde at holde lys på.
Redskaberne er sikre, cirklerne er ikke
Rembrandt står foran en lys væg, palet, børster og håndstøtte inden for rækkevidde. Blusen og hovedbeklædningen søger ikke verdslig elegance: de tilhører værkstedet. Kroppens størrelse og stilhedens ro giver imidlertid maleren monumental autoritet.
De to cirkulære former i bunden har givet anledning til talrige hypoteser. Vi så en hentydning til Giotto, der ifølge legenden er i stand til at tegne en perfekt cirkel, et kort over verden, et værkstedsudstyr eller blot en struktur sammensætning. Ingen forklaring er endegyldigt bevist. Fortolkningen må derfor forblive åben.
Det synlige er allerede nok: Ansigtet og hætten arbejdes med tæthed, hænderne og værktøjerne mere frit, mens baggrunden bevarer spor af uddybning. Værket gør den tilsyneladende ufuldstændighed til et blikhierarki.
Modstår romanen om ensom alderdom
Hvad er dokumenteret
- Rembrandt oplevede insolvensbehandling og salg af sin ejendom i 1650'erne.
- Han fortsatte ikke desto mindre med at male, modtage opgaver og producere selvportrætter.
- Met daterer sin maleri fra 1660 takket være en autografsignatur og dato.
- Rijksmuseum identificerer tydeligt manuskriptet og sværdet som attributter for Paulus.
- Tre selvportrætter er nu dateret 1669.
Som skal forblive forsigtig
- En skygge under øjnene beviser hverken sorg eller resignation.
- Insolvens forklarer ikke automatisk ethvert valg af kulør eller farve.
- Selvportrætter blev ikke nødvendigvis ført som en personlig dagbog.
- Den nøjagtige rækkefølge af de tre værker fra 1669 er ikke fastlagt med sikkerhed.
- Betydningen af Kenwoods cirkler forbliver hypotetisk.
Rediger billede indtil sidste øjeblik
L'Selvportræt i en alder af 63 år fra National Gallery hører til året for Rembrandts død. Røntgenbilleder viser, at sammensætningen ændrede sig under arbejdet. Maleren havde først planlagt en højere hvid hovedbeklædning og åbne hænder holding sandsynligvis en pensel; han reducerede derefter hovedbeklædningen og slog hænderne sammen.
Disse omvendelser forbyder ideen om en simpel kopi af spejlet. Rembrandt komponerer, sletter, bevæger sig og forenkler. Ansigtet er stærkt formet af en maleri tyk, mens bunden, pelsen og hænderne er mere grundlæggende. Nationalgalleriet beskriver folder under øjet og uregelmæssigheder i panden som belastede, næsten koagulerede børstebevægelser.
Blikket fremstår stabilt, men dets betydning er ikke fast. Resignation, træthed, ironi eller ro? Svarene tilhører til dels beskueren. DE maleri organiser denne tilgængelighed uden at give en psykologisk legende.
En frihed, der modsiger udmattelse
Mauritshuis præsenterer forsigtigt sit selvportræt fra 1669 som muligvis det sidste malet af Rembrandt. Institutionen lægger især vægt på henrettelsesenergien: ærlige berøringer og tykke lag modellerer en mand af kød, langt fra en svækket hånd.
Næsen giver et meget konkret eksempel. Tykke lyserøde lag giver den næsten skulptureret volumen, så får en lille hvid prik sin spids til at skinne. Andre steder forbliver nogle områder tynde. Kraften kommer derfor ikke fra en ensartet impasto, men kontrast mellem tykkelse og gennemsigtighed.
Røntgenstrålen afslører også en første indenlandsk hvid hovedbeklædning, derefter omdannet. Selv i et tilsyneladende øjeblikkeligt sent billede vælges kostumet og rekonstrueres. Dette ældre ansigt observeres med ærlighed, men det er også iscenesat.
Otte værker til at følge den sidste periode
| Date | Work | Institution | Dominerende problem | At se |
|---|---|---|---|---|
| 1652 | Fantastisk Selvportræt | Kunsthistorisches Museum | Frontalitet og krop | Arme fra hinanden, mørk rækkevidde |
| omkring 1657 | Lille Selvportræt | Kunsthistorisches Museum | Tilstedeværelse i et lille format | Hat, dæmpet rød, nærhed |
| 1658 | Monumentalt selvportræt | Frick Collection | Myndighed efter skala | Trone, gyldent kostume, impasto |
| 1659 | Selvportræt med baret | National Gallery of Art | Lys ansigt på mørk masse | Høj krave, asymmetri af blik |
| 1660 | Selvportræt | Metropolitan Museum | maleri i højrelief | Pande, lommer, indskårne krøller |
| 1661 | Selvportræt som apostel Paulus | Rijksmuseum | Bibelsk identitet og rolle | Manuskript, sværd, turban |
| omkring 1665 -1669 | Selvportræt med to cirkler | Kenwood House | Maleren i arbejde | Værktøj, håndfri, åben bund |
| 1669 | Selvportrætter af London og Haag | Nationalgalleriet /Mauritshuis | Seneste variationer | Omvendelser, tykt kød, hovedbeklædning |
Seks byer for at møde ældre Rembrandt
Kontroller altid hængende forhold før et besøg: lån, restaureringer og omorganiseringer af rummet kan ændre tilgængeligheden.
Wien
Kunsthistorisches Museum bevarer det store selvportræt fra 1652 og det lille panel omkring 1657, en sjælden sammenligning af to skalaer.
New York
Frick-samlingen har det monumentale værk fra 1658; Metropolitan Museum bevarer det signerede selvportræt fra 1660.
Washington
Nationalgalleriet for Kunst udstiller selvportrættet med baret og hævet krave fra 1659.
Amsterdam
Rijksmuseum bevarer selvportrættet som apostlen Paulus, dateret 1661.
London
Kenwood House huser begge kredse; Nationalgalleriet udstiller det 63 år gamle selvportræt.
Haag
Mauritshuis præsenterer i biograferne sit selvportræt fra 1669, måske det sidste i serien.
Sådan læser du materialet og udseendet
Identificer tykkelserne
Se efter bump på panden, næsen og kinderne. De angiver, hvor lyset fysisk skal hænge.
Sammenlign tynde områder
En gnidet baggrund eller en dårligt defineret hånd er ikke nødvendigvis ufærdig: den kan tjene det visuelle hierarki.
Spor hudfarver
Observer grå, hvid, pink, pasty gul og gennemsigtig brun i stedet for at lede efter en ensartet kødfarve.
Se på begge øjne
De er ikke altid ens eller lige skarpe. Denne forskel kan give spændinger, mobilitet eller dybde.
Stil spørgsmålstegn ved kostumet
Hat, turban, frakke eller bluse angiver en konstrueret rolle og ikke malerens enkle daglige outfit.
Adskil kontekst og følelser
Skriv kendte biografiske fakta ned, og spørg derefter dig selv, om maleri beviser virkelig den sindstilstand, du tilskriver ham.
Vælg et billede af den ældre mester
Sen selvportrætter spænder fra stille nærhed til monumentalt manifest. Butikken har en samling dedikeret til disse værker og en reproduktion præcis matchendeSelvportræt med to cirkler.
Udforsk Rembrandts selvportrætterSe Selvportrættet i begge kredseFAQ om de nyeste selvportrætter
Hvornår begynder Rembrandts sene periode?
Historikere bruger ofte dette udtryk for 1650'erne og 1660'erne. Denne artikel begynder i 1652 med det store selvportræt af Wien.
Hvor mange selvportrætter malede Rembrandt i 1669?
Tre malede selvportrætter er nu dateret 1669, hans dødsår. Deres nøjagtige rækkefølge er fortsat omdiskuteret.
Hvorfor maleri virker den så tyk?
Rembrandt bruger impasto til at give lindring til pande, næse og kinder, og kontrasterer dem derefter med tyndere, mere gennemsigtige passager.
Beviser disse malerier, at han var ulykkelig?
Nej. Hans vanskeligheder er dokumenteret, men et malet udtryk udgør ikke direkte bevis for en psykologisk tilstand.
The maleri er du Mauritshuis hans sidste selvportræt?
Det præsenteres ofte som måske det sidste. Denne forsigtige formulering tager hensyn til andre værker dateret 1669.
Hvad betyder de to Kenwood-kredse?
Ingen fortolkning er sikker. Hentydning til beherskelse af tegning, værkstedselement eller formel struktur forbliver hypoteser.
Hvorfor repræsenterer Rembrandt sig selv som apostel Paulus?
I 1661 forvandlede manuskriptet og sværdet hans ansigt til et bibelsk nærvær og inviterede beskueren ind i et personligt forhold til helgenen.
Hvor skal man se de vigtigste sene selvportrætter?
I Wien, New York, Washington, Amsterdam, London og Haag, herunder KHM, Frick, Met, NGA, Rijksmuseum, Kenwood, National Gallery og Mauritshuis.
Fortsæt med Rembrandt
Museumsreferencer
- Kunsthistorisches Museum - Fantastisk Selvportræt, 1652
- Kunsthistorisches Museum - Lille Selvportræt, omkring 1657
- Frick Collection - Selvportræt, 1658
- National Gallery of Art - Selvportræt, 1659
- Metropolitan Museum - Selvportræt, 1660
- Rijksmuseum - Selvportræt som apostel Paulus, 1661
- English Heritage - Selvportræt med to cirkler
- Nationalgalleriet - Selvportræt i en alder af 63 år, 1669
- Mauritshuis - Selvportræt, 1669
De ni reproduktioner er forskellige og serveres udelukkende fra Shopify mediebibliotek.
0 kommentarer