16. - 20. århundrede · oliemalerier
De 100 mest berømte firkantede malerier
Hundrede malerier, hvor fire lige sider ændrer kompositionen: gyldne ikoner, portrætter, moderne scener, landskaber og abstraktioner, fra Holbein og Goya til Klimt, Mondrian, Kahlo og Kandinsky.
En balance uden dominerende retning
Hvorfor ændrer firkant billede?
Pladsen giver ingen naturlig fordel til horisonten eller lodret. Det tvinger maleren til at fordele kroppe, træer, linjer og hulrum forskelligt. Denne lighed af sider kan producere monumental stabilitet, som i Klimt, eller en mobil spænding, som med Mondrian, Delaunay og Kandinsky.
Ranglisten åbner med værker, hvis berømmelse og historie er bedst etableret, og krydser derefter portrætter, hverdagsscener, landskaber og abstraktioner. De udvalgte malerier er firkantede eller meget tæt på firkantede i deres fuldt billede; beskåret emballage er ikke nok til at gemme et sted.
Fire lige store sider, og pludselig kræver hver kant sin del af historien.
Det fanger naturligt øjet, men store malerier flytter det, deler det eller får det til at stråle ud mod kanterne.
De indfører retning og hastighed i et felt, som uden dem kunne virke for stabilt eller symmetrisk.
Deres sammenlignelige nærhed strammer formerne og gør hver margin lige så aktiv som hovedmønsteret.
Med abstraktion ophører firkanten med at være et vindue: det bliver en autonom virkelighed af linjer, tegn og farver.
100 malerier, hvor pladsen for alvor konstruerer billedet
100 værker · 40 kunstnereRang 1 -20
De firkantede ikoner
Gustav Klimt
Kysset
Klimt maler parret på højden af sin gyldne periode, hvor olien dialoger med bladguldet og mønstrene inspireret af Ravenna mosaikker. Kroppene forsvinder næsten i en stor fælles frakke, men hænder og ansigter behold al scenens ømhed. Pladsen her bliver til et gyldent rum, hvor omverdenen er blevet bedt om at vente.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Portræt af Adèle Bloch-Bauer I
Dette portræt, som blev bestilt af industrimanden Ferdinand Bloch-Bauer, optog Klimt i flere år. Adèle optræder blandt guld, sølv, egyptiske øjne og geometriske former, der næsten absorberer hendes krop. Spolieret under nazismen vendte derefter tilbage til arvingerne i 2006, maleriet bærer en moderne historie lige så begivenhedsrig, som dens overflade ser ubevægelig ud.
Se maleriet →
Frida Kahlo
De to fredaer
Malet efter skilsmissen mellem Frida Kahlo og Diego Rivera, samler dette dobbelte selvportræt to versioner af kunstneren, den ene i en europæisk kjole, den anden i tehuana-tøj. En arterie forbinder deres blottede hjerter og knækker derefter på siden af Frida forladt. Den stormfulde himmel er ikke diskret, men det er smerten heller ikke.
Se maleriet →
Kazimir Malevich
Sort firkant
Malevich præsenterede Black Square i 1915 på 0.10 udstillingen i Petrograd, placeret højt i vinklen traditionelt forbeholdt ikoner. Formen er hverken perfekt firkantet eller perfekt sort: revner og uregelmæssigheder minder at det i sandhed er et maleri. Kunstneren ønskede en absolut begyndelse; maleriet opnåede med tiden en karriere som ikon, der var nogenlunde i overensstemmelse med programmet.
Se maleriet →
Hans Holbein den Yngre
Ambassadørerne
I 1533 repræsenterede Holbein Jean de Dinteville og Georges de Selve omgivet af videnskabelige instrumenter, bøger og musikalske genstande. En lang skrå form bliver et kranium, når man ser fra siden. Diplomatisk prestige indtager det første blik; døden venter simpelthen på, at den besøgende skifter plads, punktlig og frygtelig velinformeret.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Broadway Boogie Woogie
Da Mondrian ankom til New York i 1940, opdagede han gadenet, skilte og boogie-woogie. Den erstatter sine sorte bånd med sekvenser af små farvede rektangler, som får netværket til at vibrere som et partitur. Broadway er ikke ikke repræsenteret: den er forvandlet til rytme, med nok gul til, at Manhattan ser ud til at have fundet sin metronom.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Sammensætning med rød, blå og gul
Mondrian reducerer her sit ordforråd til nogle få sorte linjer, ujævne hvide og tre primære farver. Balancen kommer ikke fra føjelig symmetri, men fra beregnede mellemrum mellem hvert plan. Den lille røde firkant bærer næsten alt komposition, bevis på, at i maleriet som i møder er det mest snakkesalige ikke altid det største.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Nogle cirkler
På Bauhaus studerede Kandinsky forholdet mellem former, farver og fornemmelser. I Nogle Cirkler flyder skiverne på en dyb baggrund, krydser, dækker og producerer næsten kosmiske glorier. Værket beskriver ingen ægte himmel, men det giver cirklerne en overraskende organiseret tyngdekraft, afstand og endda socialt liv.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Gåtur ved havet
Sorolla maler sin kone Clotilde og deres datter Maria gående på stranden i Valencia. Vinden svulmer sejlene, løfter de hvide stoffer og gør paraplyen til en stor bevægelig diagonal. Det næsten firkantede format bevarer denne bevægelse uden at stoppe det; Middelhavet arbejder uden for kameraet og giver gratis ventilation.
Se maleriet →
Claude Monet
Åkander: grøn harmoni
I 1899 begyndte Monet at gøre Giverny-bassinet til et autonomt emne. Den japanske bro krydser vegetation, mens åkander udvisker grænsen mellem vand, refleksion og løv. Rummet er næsten ikke længere dybt klassisk: haven bliver en omsluttende overflade, hvor grøn synes at have opnået absolut flertal.
Se maleriet →
Henri Matisse
Stilleben med en blå kande
Matisse organiserer dette stilleben omkring en blå kande, hvis farve reagerer på frugterne, baggrunden og konturerne. Perspektivet slapper af for at lade de flade områder holde scenen. Objekter søger ikke at bedrage øjet; de byg en ærlig farverig akkord, som en lille bordsamtale, hvor kanden tydeligvis ville have overtaget præsidentposten.
Se maleriet →
Paul Klee
Senecio
Klee komponerede Senecio i 1922 fra et cirkulært ansigt opdelt i røde, gule, hvide og brune kasser. Titlen fremkalder både en plante og alderdom, mens hovedet tøver mellem portræt, maske og tegn. To øjne lidt offbeat er nok til at give denne geometri en næsten menneskelig stemning.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Samtidig disk
Med den samtidige skive opgiver Delaunay det genkendelige mønster for direkte at udforske farvernes kontrast. De cirkulære sektorer ændrer hastighed afhængigt af kvartererne rød, blå, grøn eller orange. Cirklen drejer uden mekanisme, og firkanten holder den uden at immobilisere den: en optisk maskine, som heldigvis ikke kræver nogen smøreolie.
Se maleriet →
Egon Schiele
Døden og Jomfruen
Schiele malede Døden og Jomfruen i 1915, på tidspunktet for hans mobilisering og hans brud med Wally Neuzil. De to figurer klamrer sig til et krøllet ark, som om afskeden havde taget form af en omfavnelse. Det mørke kostume af mennesket bringer maleren nærmere Døden; selvbiografien går ikke just stille frem.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Danae
Klimt låser Danae inde i en foldet positur, der næsten helt passer til pladsen. Den gyldne regn, som Zeus slutter sig til hende med, krydser scenen som en dekorativ og kødelig strøm. Den gamle myte bliver et billede på indre forladelse, mættet med lilla, guld og rødt hår, hvilket giver lidt plads til akademisk beskedenhed.
Se maleriet →
Franz Marc
The Tiger
Franz Marc malede Tigeren i 1912 og forvandlede dyret til orange, sorte, grønne og lilla planer. Kroppens vinkler reagerer på landskabets former, som om kattedyret og dets miljø delte den samme energi. Han hopper ikke igen, men hele nettet ser ud til at have holdt vejret et sekund før.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Den blå rytter
Den lille rytter krydser et stadig læsbart landskab, men de blå, hvide og grønne masser tæller allerede mere end beskrivelsen. Maleriet blev malet i 1903 og skulle senere give navn til Blue Rider-gruppen grundlagt af Kandinsky og Franz Marc. En lillebitte silhuet endte med at navngive en hel bevægelse, en flot forestilling til en gåtur.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Hyldest til Blériot
Delaunay hyldede i 1914 Louis Blériot, den første flyver, der krydsede Kanalen. Propeller, skiver, Eiffeltårnet og fragmenter af tekst blander sig i et levende felt. Flyet er ikke beskrevet præcist: det er oplevelsen moderne hastighed, der optager lærredet, med Paris omdannet til et farverigt instrumentbræt.
Se maleriet →
Paul Klee
Rød ballon
I Red Balloon er en by med gennemsigtige skud organiseret omkring en lille hængende rød skive. Klee giver dette lille punkt rollen som en sol, et legetøj eller et signal, uden at pålægge en eneste læsning. Maleriet ligner en drømmearkitektur, som ville have aftalt at beholde et sted for barndommen.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Hope II
En gravid kvinde sænker hovedet til maven, mens kvindelige figurer beder ved hendes fødder. Klimt blander forventning om liv og tilstedeværelse af død, synlig i kraniet skjult bag kjolen. Ornament beskytter, bekymrer og kuvert på én gang; selv håb, for ham, kender klausulerne med småt.
Se maleriet →Rang 21 -40
Pladsen bliver moderne
Kazimir Malevich
Rød firkant
Også præsenteret under udstillingen 0.10, den røde firkant modtager den forbløffende undertitel af Pictorial Realism of a Peasant Woman in Two Dimensions. Malevich skærer forbindelsen med repræsentationen, mens han efterlader et minde om verden i titlen. Den let skrånende form synes at svæve: firkanten havde allerede besluttet ikke helt at respektere sin egen regel.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Victory Boogie Woogie
Mondrian arbejdede på Victory Boogie Woogie i løbet af de sidste måneder af sit liv og efterlod det ufærdigt i 1944. Små stykker farvet tape viser stadig hans tests. Diamantnetværket pulserer mere frit end Broadway Boogie Woogie; sejren annonceret af titlen vil forblive, ligesom maleriet, i spænding.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Sammensætning med stor rød, gul, sort, grå og blå plan
I 1921 byggede Mondrian denne komposition op omkring et stort rødt rektangel som skubber de andre farver mod kanterne. Linjerne lukker ikke altid flyene og balancen forbliver bevidst ustabil. Det viser lærredet hans neoplasticisme var ikke en gentagen opskrift, men en konstant forhandling mellem vægt, interval og farve.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Det blå bjerg
Tre ryttere passerer foran et blåt bjerg, indrammet af røde og gule træer. Kandinsky bevæger sig allerede væk fra den naturalistiske farve: blå bliver en åndelig kraft, rød en bølge og gul et aktivt lys. DEN landskab fungerer stadig som udgangspunkt, men han begynder for alvor at tage sine friheder.
Se maleriet →
Egon Schiele
Hermiterne
Hermiterne samler Schiele og Gustav Klimt i en mørk dobbelt silhuet. Tøjet blander sig, ansigterne kommer frem med besvær, og de falmede blomster ledsager dette alvorlige broderskab. Schiele hylder sit ældre jeg ved at give deres nærhed en nærmest begravelsesspænding; det er ikke ligefrem det mest afslappede gruppebillede i Wien.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Pallas Athena
Klimt præsenterer Athena hjelm, pansret og vendt lige mod beskueren. I hendes hånd annoncerer lille Nuda Veritas allerede vigtigheden af nøgen sandhed i hendes arbejde. Metal, guld og arkaiske mønstre giver gudinden en frontal autoritet: den går ikke ind i Wiener-løsrivelsen, den ser ud til at kontrollere adgangen til den.
Se maleriet →
Umberto Boccioni
Gaden kommer ind i huset
Boccioni placerer sin mor på balkonen, mens arbejdere, stilladser og gadestøj visuelt krydser rummet. Malet i 1911 fjerner værket den stille grænse mellem interiør og eksteriør. Den moderne by vent ikke længere på, at døren bliver åbnet; hun går ind med sine diagonaler, sin byggeplads og sandsynligvis uden at tørre sine sko af.
Se maleriet →
Paul Cezanne
Fem badende
Cézanne fordeler fem badende under træer, hvis kurver strækker kroppene. Anatomien er bevidst forenklet, og rummet er konstrueret af berøringer snarere end af akademisk perspektiv. Denne stædige forskning vil nære den store sene serie og fascinere kubisterne, som vil se det som et maleri, der roligt afmonterer sine egne vaner.
Se maleriet →
Pierre Bonnard
Kvinde på hendes toilet
Bonnard forvandler en toiletscene til en overflade af tætte farver. Spejlet, objekterne og kroppen er ikke klart hierarkiske; alle deltager i det samme visuelle stof. Intimitet kommer ikke fra en spektakulær positur, men næsten indiskret indramning, som om værket var blevet ved med at leve, før det lagde mærke til maleren.
Se maleriet →
Édouard Vuillard
Interior
I dette interiør lader Vuillard tapeter, møbler, tøj og silhuet blande sig. Figuren er ikke isoleret fra indretningen: det bliver til én rytme blandt andre. Denne nabi måde gør hverdagen til en tæt verden, hvor en væg kan have lige så meget nærvær som en karakter og nogle gange flere samtalemønstre.
Se maleriet →
Maurice Denis
Nativity
Maurice Denis behandler Fødselen med forenklede former og farver, der favoriserer historiens klarhed. Den hellige scene er tæt på et dekorativt billede uden at miste sin tyngdekraft. Med Nabi-maleren kommer troen lige så meget igennem organiseringen af overfladen kun af karaktererne; selv stalden ser ud til at have fået en lektion i komposition.
Se maleriet →
Paul Signac
En søndag
Signac maler en stadig borgerlig søndag, langt fra den populære fritids travlhed. Figurerne forbliver adskilte, absorberet af deres erhverv, mens det delte præg alligevel giver vibration til luften. Denne meget regulerede ro har en lille ironi: ingen virker ulykkelige, men ingen risikerer heller at vende bordet på hovedet.
Se maleriet →
Edgar Degas
The Ballet of Robert the Devil
Degas observerer scenen for nonnerne i Robert Djævelen operaen fra pit og lænestolene. Musikerne, tilskuerne og balletten indtager flere overlejrede dybder. Showet er derfor ikke kun på scenen: det inkluderer dem, der ser på, hoveder skåret af ved indramning og alt det elegante rod fra en parisisk aften.
Se maleriet →
Rembrandt
Selvportræt i en alder af 63 år
I dette selvportræt fra 1669 korrigerer Rembrandt hverken alder, træthed eller hudens tykkelse. Impastoen på ansigtet står i kontrast til de knapt angivne områder af tøjet. Malte året for hans død, maleriet leverer ikke en simpel tilståelse; han lader en mand se på, hvad tiden har gjort, uden at bede om smigrende retouchering.
Se maleriet →
Édouard Manet
Portræt af Alice Legouvé i lænestol
Manet placerer Alice Legouvé i en lænestol og favoriserer modellens direkte tilstedeværelse frem for verdslige tilbehør. Sorte, hvide og hudtoner står i kontrast til åbenheden i hans maleri fra 1870'erne. Portrættet bevarer en social reserve, men udseendet og berøringen forhindrer denne høflighed i at blive kold.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Kunstnerens niece
Whistler repræsenterer sin niece med en økonomi af toner, som annoncerer hendes smag for harmonier snarere end for anekdote. Ansigtet og kjolen kommer ud fra en diskret baggrund, uden ophobning af attributter. Barnet er ikke forvandlet til officiel lille voksen; maleriet bevarer tilbageholdenheden af en familietilstedeværelse, der observeres nøje.
Se maleriet →
JMW Turner
Venetiansk scene
Turner vendte ofte tilbage til Venedig i 1830'erne og 1840'erne, tiltrukket af den måde, hvorpå vand opløste arkitektur. I denne scene tæller bygninger mindre som monumenter end som reserver af lys. Lagunen, himlen og facader udveksler deres farver med en frihed, der ville få en landmåler til at miste tålmodigheden, men sjældent en maler.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Det store blå træ
I Céret vipper Soutine veje, huse og træer i samme fremstød. Det Store Blå Træ dominerer ikke bare landskabet: Det ser ud til at vride det rundt om sin stamme. Ikke-naturalistisk farve og berøring nervøs give mønsteret en fysisk intensitet, som om vinden kom inde fra maleriet.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Buste af ung kvinde
Malet i 1908, denne buste hører til de år, hvor Modigliani stadig søgte sin vej mellem portrætter, Cézannian forenkling og interesse for skulptur. Ansigtet har endnu ikke den ekstreme forlængelse af sine sene figurer. Vi genkender alligevel lukkede allerede hans smag for kontinuerlige konturer og tavse tilstedeværelser uden at være fraværende.
Se maleriet →
André Derain
Træerne i Collioure
I Collioure i 1905 frigjorde Derain og Matisse farve fra sin beskrivende rolle. Træerne bliver røde, blå eller grønne masser, hvis kontraster organiserer landskabet. Middelhavsstedet forbliver genkendeligt, men det kommer efter kromatisk energi; naturen gav motivet, de vilde dyr medbragte åbenbart deres egne malerier.
Se maleriet →Rangerer 41 -60
Figurer, interiør og landskaber
Alexej von Jawlensky
Portræt af Alexander Sakharoff
Jawlensky maler danseren Alexandre Sakharoff, tæt på midten af Blaue Reiter, med et stiliseret ansigt og stærkt kontrasterende farver. Modellen udgør ikke som en verdslig personlighed: Hovedet bliver næsten en maske scenisk. Frontalitet koncentrerer udtryk og minder os om, at danseren kunne forblive intenst teatralsk selv uden at bevæge sig.
Se maleriet →
Camille Pissarro
Selvportræt
I sit selvportræt fra 1903 fremstår Pissarro ældre, iført en mørk kasket og iført et langt hvidt skæg. Den røde baggrund forstærker ansigtets tilstedeværelse uden at idealisere det. Efter årtier brugt på at male veje, marker og boulevarder, kunstneren anvender det samme tålmodige blik på sig selv, med mindre cirkulation, men lige så meget atmosfære.
Se maleriet →
Francisco de Goya
Dragen
Designet til et gobelin beregnet til kongelige lejligheder, viser The Kite unge mennesker, der nyder udendørs på bredden af Manzanares. Rebet skaber en diagonal, der forbinder figurerne med himlen. Før de sorte malerier, Goya så vidste, hvordan man malede en lysdag; den historiske storm havde endnu ikke reserveret hele landskabet.
Se maleriet →
Edvard Munch
Old Man indendørs
Munch observerer en gammel mand, der sidder i et interiør, hvor vægge, møbler og figur deler en behersket rækkevidde. Interessen kommer ikke fra en begivenhed, men fra den tid, som synes at have lagt sig i rummet. Denne opmærksomhed på silent Existences går forud for kunstnerens store symbolistiske dramaer og giver dem et mindre berømt, men væsentligt, menneskeligt grundlag.
Se maleriet →
James Ensor
En musikalsk symfoni
Ensor forvandler en musikscene til et møde af silhuetter, instrumenter og farver, hvis orden med glæde truer med at sprede sig. Musik giver ham mulighed for at udviske grænsen mellem gruppeportrætter og skuespil. På hans sted, harmony forbliver altid tæt på karneval; selv når alle spiller sammen, synes nogle få toner at forberede deres egen maske.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Stilleben med hove
Van Gogh malede disse træsko i sin hollandske periode, da han blev interesseret i genstande relateret til landligt arbejde. Den mørke palet, tunge volumener og enkelhed i emnet giver skoene en næsten monumental værdighed. Før de lyse solsikker, så der var brune hove: mindre solrige, bestemt, men meget mere modstandsdygtige over for mudder.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Gårdhave med solsikker
Klimt malede denne have under sine sommerophold nær Attersee. Horisonten forsvinder næsten under solsikkerne, løvet og tusindvis af farverige strejf. Pladsen forvandler plottet til et gennemgående plantetæppe, hvor ingen fleur går ikke rigtig med til at holde sig i baggrunden. Botanik bliver til dekoration, uden at miste sin rigtige haveoverflod.
Se maleriet →
Paul Klee
Rød-grønne og lilla-gule rytmer
Klee konstruerer dette maleri som en partition af bånd og firkanter, hvor rød, grøn, lilla og gul veksler. Titlen annoncerer mindre et motiv end en tidsmæssig organisering af farve. Formerne synes at gå videre i målinger successiv; brættet spiller ingen lyd, men det har nok rytme til at gøre stilheden lidt mistænkelig.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Sol og måne
Delaunay kontrasterer de varme farver i solen med de blå og grønne, der er forbundet med månen. Koncentriske buer beskriver ikke stjernerne: de oversætter deres lysenergi. Denne abstraktion opstår fra hans forskning om kontrast samtidig, hvorefter hver farve forvandler sin nabo. Himlen bliver således et laboratorium, som ville have erstattet reagensglassene med skiver.
Se maleriet →
Egon Schiele
Indstillingssol
To tynde træer står foran en lav horisont og en forsvindende rød sol. Schiele forenkler landskabet til det punkt, at det giver det ensomhed af et portræt. Grenene synes at tøve mellem modstand og udmattelse; DEN carré bevarer dette sidste øjeblik af lys uden at love, at aftenen bliver særlig varm.
Se maleriet →
Franz Marc
Hjorte i sneen
Marc isolerer en hjort, der ligger i et næsten stille vinterlandskab. Den brune og røde krop folder sig blandt de blålige hvide, beskyttet lige så meget som udsat af sneen. Kunstneren projicerer på dyret en idé om renhed og sårbarhed; skoven bliver et tilflugtssted, men et tilflugtssted, hvor ethvert spor ville være umiddelbart synligt.
Se maleriet →
August Macke
Kvinde i grøn jakke
En kvinde i en grøn jakke står foran et vindue, mens andre figurer går gennem byen. Macke forenkler forbipasserende og refleksioner til gennemsigtige skud inspireret af kubismen og Delaunay. Scenen bevarer dog sin daglig lethed: moderniteten ankommer her på en gåtur, velklædt og uden manifest rullet under armen.
Se maleriet →
Pierre Bonnard
Privacy
Intimité blev malet i 1891 og tilhører Bonnards Nabis-begyndelse. En kvinde læser nær et bord, omgivet af genstande, hvis silhuetter flader mod indretningen. Titlen lover intet drama; den betegner denne stille nærhed mellem en person, et rum og lys. Hverdagen bliver et emne, selv før du lægger opvasken.
Se maleriet →
Édouard Vuillard
Den Stribede Kjole
Vuillard gør den stribede kjole til et mønster, der er i stand til at konkurrere med tapet og møbler. Figuren virker både til stede og absorberet indefra. Denne fusion sletter ikke modellen: den fortæller om et hjemligt liv, hvor tøj og vægge bevarer erindringen om fagter. Indretningen ledsager ikke længere scenen, den opnår en talerolle.
Se maleriet →
Maurice Denis
Kommunikatørerne
Maurice Denis repræsenterer unge piger, der går frem mod nadver i en rolig organisation af hvide, grønne og gentagne linjer. Det religiøse emne opfylder det dekorative ideal om Nabis. Følelser kommer ikke gennem effekter teatralsk, men gennem gruppens rytme og attitudernes enkelhed, som et optog, der har lært at trække vejret sammen.
Se maleriet →
Paul Signac
La Porte, Saint-Tropez
Signac observerer en indgang til Saint-Tropez og konstruerer middelhavslys i små, separate berøringer. Farverne blandes i øjet frem for på paletten. Havnen er ikke frosset som postkort: vand, vægge og himmel vibrer ved forskellige hastigheder. Selv døren synes mindre bygget af sten end af solpartikler.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Portræt af Jean Renoir som barn
Renoir malede sin søn Jean som barn, før han blev en af de store franske filmskabere. Ansigtet, håret og tøjet er formet af et smidigt strejf, der nægter stivheden af det officielle portræt. Berømthed fremtiden forbliver usynlig; indtil videre er Jean simpelthen et barn, der observeres med en malerfars opmærksomme hengivenhed.
Se maleriet →
Edgar Degas
Balletklassen
Degas viser et øvelokale under en nedetid. Danserne strækker sig, venter, justerer deres position eller lytter til balletmesteren. Kunstneren foretrækker arbejdsbevægelser frem for scenens spektakulære øjeblik. Ballet fremstår således som en kollektiv disciplin lavet af træthed, koncentration og meget mindre levitation end i teatret.
Se maleriet →
Edgar Degas
Dansere i baren
To dansere arbejder i baren, den ene lige, den anden læner sig mod jorden. Degas strammer indramningen og lader væggen optage en stor del af billedet. Gentagelse bliver det virkelige emne: balance, indsats og gentagne bevægelser. Den endelige benådning forberedes her uden publikum, hvilket i det mindste redder dem fra buketter, der er søsat for tidligt.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Chelsea
Whistler maler Chelsea i et begrænset område, hvor kysten, husene og vandet næsten opløses i atmosfæren. Han søger tonal harmoni mere end en topografisk undersøgelse. London bliver tavs og fjern, ryddet fra hans sædvanlige agitation. Byen er ikke forsvundet; hun begyndte bare at tale lavt nok til, at farven kunne reagere.
Se maleriet →Rangerer 61 -80
Farve tager sine friheder
Rembrandt
Forsker ved levende lys
En lærd læner sig over sine bøger i et varmt lys, der tilskrives Rembrandts ungdom. Lyset afslører kun en del af ansigtet og objekterne, hvilket efterlader resten i mørket. Studie bliver en scene med næsten koncentration fysik. Viden akkumuleres på bordet; elektricitet klart afslog invitationen.
Se maleriet →
Claude Monet
Rue de la Bavole, Honfleur
Monet malede denne rue de Honfleur i 1864, før den første impressionistiske udstilling. Husene indsnævrer perspektivet, mens et par figurer liver op passagen. Berøringen forbliver mere konstrueret end i hans sene værker, men lyset begynder allerede at tage kommandoen. En beskeden gade bliver prøvepladsen for et blik i fuld formation.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Sommerhus mellem træerne med bondekvinde
I sin Nuenen-periode malede Van Gogh hytter og bønder i en mørk palet, der var arvet fra hans beundring for Hirse. Det lille hus blander sig mellem træerne, mens en figur minder om det arbejdsliv, som omgiver den. Længe før Arles havde Van Goghs landskab allerede en intensitet, der ikke krævede en stjernehimmel.
Se maleriet →
Paul Cezanne
Fem badende
Cézanne samler fem badende i et landskab, hvis stammer og kroppe danner en fælles arkitektur. Stillingerne søger ikke akademisk elegance; de tester soliditeten af volumener og intervaller. Den gamle scene bliver et moderne malerproblem. Personerne er måske nedsænket, men frem for alt i en betydelig mængde billedkonstruktion.
Se maleriet →
Paul Gauguin
Portræt af en lille dreng
Gauguin maler denne dreng med forenklede konturer og en frontal tilstedeværelse, som fjerner portrættet fra den strenge verdslige lighed. Baggrunden og tøjet deltager i den samme farverige organisation. Barnet tjener ikke som påskud eksotisk eller dekorativ: dens ubevægelighed tvinger øjet til at møde en person, ikke et simpelt motiv.
Se maleriet →
Pierre Bonnard
Cafeen
Bonnard observerer en café som et rum af nærhed, refleksioner og silhuetter taget i indretningen. Bordene og karaktererne reagerer på hinanden uden stift perspektiv. Scenen bevarer noget skjult, som et minde genopbygget bagefter. Vi går ind for at drikke, men maleriet fokuserer hovedsageligt på alt, hvad der sker mellem kopperne.
Se maleriet →
Édouard Vuillard
Kvinde på hendes toilet
Vuillard viser en kvinde på sit toilet i et interiør, hvor spejl, stof og tapet fragmenterer figuren. Den private gestus er hverken heroisk eller teatralsk; dens styrke kommer fra opmærksomhed på velkendte overflader. Personen og den piece ser ud til at have kendt hinanden i lang tid, til det punkt at dele de samme farver uden besvær.
Se maleriet →
Maurice Denis
Velsignelse af en yacht på Belon-floden
Denis repræsenterer velsignelsen af en yacht på Belon-floden, der blander religiøs ritual, bretonsk landskab og moderne liv. Båden annullerer ikke ceremoniens højtidelighed; den transporterer den til en nutidig verden. Scenen har ro af et familiehukommelse, med dette lille paradoks af et sakramente fejret på kanten af en genstand, der resolut er dedikeret til afgang.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Min kone og mine børn
Sorolla samler sin kone Clotilde og deres tre børn i et familieportræt badet i lyse toner. Hvidt tøj fanger lyset, mens positurer undgår stivheden af et officielt fotografi. Maleren fejrer sin familie uden at omdanne stuen til en søndagsret; hver opretholder en særskilt tilstedeværelse i gruppen.
Se maleriet →
Henri de Toulouse-Lautrec
Pigehoved
Toulouse-Lautrec fanger denne unge piges ansigt med den hurtige økonomi, der læres i workshops og café-koncerter. Ansigtet kommer frem uden insisterende dekoration, båret af omridset og et par toner. Værket fortæller ikke historien om et show parisisk; det viser kvaliteten af opmærksomheden, som gjorde det muligt for maleren at genkende en personlighed i nogle få fagter.
Se maleriet →
Francisco de Goya
Dans på bredden af Manzanares
Goya forestiller majos og majas dansende på bredden af Manzanares for en kongelig gobelin kasse. Kostumerne, cirklen af figurer og landskabet udgør en idealiseret populær festival. Før katastroferne af krig og visioner natligt vidste hans maleri, hvordan man drejede en cirkel med en klar og næsten ubekymret energi.
Se maleriet →
Umberto Boccioni
Elasticitet
I Elasticity kombinerer Boccioni hest, rytter, terræn og industrielle skorstene i en række stramme kurver. Motivet er ikke et isoleret øjeblik, men kontinuiteten af bevægelse gennem rummet. Dyret krydser landskabet og synes at tage det med sig; selv fabrikkerne synes at skulle hænge på for at holde sig inden for rammerne.
Se maleriet →
Umberto Boccioni
Dynamik af en fodboldspiller
Boccioni opløser spillerens krop i farverige volumener, der roterer og reagerer på hinanden. Malet i 1913 beskriver Dynamism of a Footballer hverken stadion eller identificerbar bold: den søger gestusens energi. Sport bliver en oplevelse samtidige kræfter, med tilstrækkelig bevægelse til, at en billeddommer hurtigt kan opgive at følge handlingen.
Se maleriet →
John william waterhouse
Vanity
Waterhouse tager det gamle tema om Forfængelighed op gennem en kvinde, et spejl, smykker og omhyggeligt observeret hår. Synlig skønhed ledsages af påmindelsen, den passerer. Den prærafaelitiske maler fordømmer dog ikke glæde ved materialer; han overlader det moralske arbejde til spejlet og forbeholder sig klart farvernes.
Se maleriet →
Maurice Utrillo
Cabaret de la Belle Gabrielle i Montmartre
Utrillo maler Belle Gabrielle-kabareten blandt de facader på Montmartre, som den er berømt for. De hvide vægge, skilte og næsten tomme gade giver stedet en velkendt melankoli. Arbejderkvarteret er ikke forvandlet til turistmiljøer: den tier fra en morgen, hvor den foregående nat endnu ikke har forklaret alt.
Se maleriet →
Alexej von Jawlensky
Pige med grønt ansigt
Jawlensky konstruerer dette grønne ansigt med mørke konturer og farver, der ikke søger nogen naturlig plausibilitet. Øjnene, næsen og munden bliver koncentrerede tegn. Portrættet slutter sig således til hans søgen efter en indre udtryk, i stand til at holde i nogle former. Den grønne teint overrasker, men udseendet mangler på ingen måde nærvær.
Se maleriet →
Chaïm Soutine
Chemin de la Fontaine des Tins i Céret
I Céret maler Soutine vejen som et bevægeligt materiale. Træerne, jorden og husene bøjer sig i et fælles fremstød, langt fra nogen stille beskrivelse af landskabet. Stien fører til springvandet, men rører ved det synes at foretrække flere omveje. Rummet bliver til følelser, før det bliver til geografi igen.
Se maleriet →
Max Beckmann
Stilleben med en stor glaskugle og aks
I 1934 samlede Beckmann en stor glaskugle, aks og stramme genstande i et bevidst hårdt rum. De sorte konturer giver stilleben en nærmest teatralsk spænding. Malet under stigende pres fra regimet som nazist tilhører hun en periode, hvor almindelige genstande bærer en tyngdekraft, som deres tavshed ikke længere skjuler.
Se maleriet →
Egon Schiele
Mor med to børn III
Schiele malede i 1915 en mor omgivet af to børn, hvis kroppe strammer sig i et lavt rum. Ømhed sletter hverken træthed eller bekymring. Hænder, udseende og stoffer bygger en skrøbelig nærhed, langt væk fra det sentimentale billede af moderskab; familien holder sammen, fordi verden omkring virker mindre sikker.
Se maleriet →
Egon Schiele
Stein ved Donau, set fra syd
Set fra syd bliver Stein ved Donau for Schiele en kompakt samling af huse, mure og jord. Byen strækker sig ikke mod en horisont; den stables som en tæt organisme. Separate farver giver hver bygning dens identitet, mens pladsen samler hele fællesskabet i en nærmest mental geografi.
Se maleriet →Rangerer 81 -100
Mod abstraktion
Egon Schiele
Portræt af Gerti Schiele
Schiele malede sin søster Gerti, med hvem han opretholdt en væsentlig nærhed i sin ungdom. Den frontale positur og skarpe konturer giver portrættet en rolig tyngdekraft. Tøjet mønstre animerer overfladen uden at distrahere ansigt. Før sine mest plagede figurer ved kunstneren også, hvordan man opbygger et nærvær gennem opmærksomhed og tilbageholdenhed.
Se maleriet →
Franz Marc
Birds
I Oiseaux blander Franz Marc næb, vinger, løv og farvede skår til det punkt, at det gør det vanskeligt at adskille dyr og miljø. Malet i 1914 skubber værket sit sprog mod en næsten abstrakt fragmentering. Naturen er ikke mere observeret udefra: det bliver en fælles energi, hvor hver fjer synes at kende diagonalernes hemmelighed.
Se maleriet →
Franz Marc
Hjorte i skoven I
Marc gemmer hjorten i hjertet af en skov bygget af farverige buer og fly. Dyr dominerer ikke landskabet; de hører helt til det. Denne fusion afspejler hans ønske om at forestille sig verden fra dyrs følsomhed snarere det fra det menneskelige blik. Man skal lede efter hjorte, hvilket jo er grundlæggende høflighed i skoven.
Se maleriet →
August Macke
Rokoko
Macke låner sine elegante silhuetter og gåstemning fra rokokoen, forsimpler derefter det hele med lyse farver og moderne skud. Fortiden rekonstrueres ikke med nøjagtighed: den bliver et påskud for et spil med rytme. Karaktererne ser ud til at besøge det 18. århundrede med en returbillet, der allerede er smuttet i lommen.
Se maleriet →
August Macke
Landskab ved havet
Malet i 1914, kort før Mackes død ved fronten, reducerer dette maritime landskab kysten, vandet og figurerne til store farvede områder. Lyset forbliver glædeligt, men datoen i dag giver denne sindsro en særlig skrøbelighed. Havet bliver et af de sidste rum, hvor dets verden stadig står uden synlig trussel.
Se maleriet →
August Macke
Tegernsee landskab
Macke opdagede Tegernsee i Bayern og organiserede landskabet i sammenlåsende planer af kyst, vand, bjerge og himmel. Farve forenkler volumener uden at slette stedet. Maleriet hører til hans forskning før Blaue Reiter, når det virkelige landskab allerede fungerer som et laboratorium for friere og lysere maling.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Sol, tårn, fly
Delaunay samler i samme felt solen, Eiffeltårnet og flyet, tre tegn på parisisk modernitet. Cirkulære former overfører lys og bevægelse snarere end en sammenhængende udsigt. Byen, himlen og maskinen del den samme energi; Paris synes at have besluttet, at horisonten nu var en mulighed, ikke en forpligtelse.
Se maleriet →
Paul Klee
K.N. smeden
Klee forvandler smeden til et skilt sammensat af bogstaver, farverige planer og en næsten barnlig silhuet. Titlen, K.N. smeden, fungerer som en nøgle uden helt at løse billedet. Kunstneren kunne lide tekst og figur at være forurener; her ser karakteren ud til at være konstrueret med samme værktøj som sit eget værksted.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Moskva I
Kandinsky vendte tilbage til Moskva i 1914 og malede to år senere denne vision, hvor kupler, gader og farver omslutter et lyst centrum. Byen beskrives ikke bygning for bygning; den fremstår som et følelsesmæssigt minde. Rød, lyserød og blå gør Moskva til en indre oplevelse, tættere på en lydklokke end på en kommuneplan.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Rød plet maleri
Malet i 1914 hører Red Spot Painting til det øjeblik, hvor Kandinsky næsten helt frigiver mønsterets farve. Den store røde form fungerer som et tyngdepunkt blandt ustabile linjer og skærver. Værket bevarer måske landskabsminder, men de blev bedt om at rejse uden identitetspapirer.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
White Cross
Et hvidt kors krydser et sæt farvede former inspireret delvist af russiske motiver og undervisningen i Bauhaus. Kandinsky kontrasterer skiltets stabilitet med baggrundens diagonale spændinger. Symbolet kræver ikke læsning unik nonne; det tjener som rammen om et rum, hvor hver farve synes at vokse i sin egen retning.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Rød oval
I Red Oval kombinerer Kandinsky en stor central form med linjer, vinkler og farverige felter, der varsler hans Bauhaus-periode. Ovalen repræsenterer ikke noget specifikt objekt; han organiserer kræfterne omkring ham. Lærredet viser abstraktion som en aktiv balance, mindre fredelig end et stilleben og væsentligt sværere at vende.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Birkeskov
Klimt maler Birkeskoven i løbet af sine somre, og placerer sit blik direkte blandt stammerne. Den bladdækkede jord optager lige så meget opmærksomhed som træerne selv. Fraværet af himmel forvandler underskoven til dekorativt stof, men hver birk bevarer sin tilstedeværelse. Skoven bliver et motiv uden ophør at være et sted, hvor man kunne gå.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Bøgeskov
I denne skov fra 1902 gentager Klimt de fine stammer over et tæppe af efterårsblade. Indramning fjerner horisonten og bringer naturen tættere på sin ornamentale forskning. Lys og uregelmæssigheder forhindrer dog alle mekanikere. Træerne ser ens ud, men ingen accepterer helt at blive en søjle af tapet.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Kvindernes tre tidsaldre
Klimt samler en mor, hendes barn og en gammel kvinde for at repræsentere tre livsaldre. Den unge gruppe pakker sig ind i farverige mønstre, mens den ældre figur skjuler sit ansigt. Skønhed og forfald er ikke adskilt af en abstrakt moral: de deler det samme rum og gør tidens gang umulig at undgå.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Sammensætning A
Komposition A hører til det øjeblik, hvor Mondrian definitivt reducerer sit sprog til lodrette og vandrette linjer, primære farver og ikke-farver. Planer har hverken indlysende centrum eller perfekt symmetri. Balance er født fra præcise forskelle, som om hvert rektangel forhandlede sin plads med naboerne uden nogensinde at underskrive en endelig traktat.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Sammensætning C
I Composition C fordeler Mondrian hvide og farvede overflader på en måde, der holder øjet i bevægelse. De tykke linjer stopper nogle områder og lader andre åbne mod kanten. Dette tilsyneladende enkle maleri resultater fra patientjusteringer; geometri fungerer mindre som en skoleregel end som lydløs musik.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Diamantsammensætning med gul, sort, blå, rød og grå
Mondrian drejer firkanten på sin spids og indskriver inde i et netværk af sorte, grå og primære farver. Vinklerne på støtten skærer linjerne og antyder, at sammensætningen fortsætter ud over. Præsenteret som en diamant, den canvas forvandler et stabilt format til et dynamisk objekt; firkanten behøvede kun en kvart omgang for at ændre holdning.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Tabel I
Tabel I stammer fra 1921, hvor Mondrian etablerede principperne for neoplasticisme uden ophør for at teste dens grænser. Rød, blå, gul, grå og hvid optager ujævne overflader. Linjerne strukturerer helheden, men intet element hersker alene. Orden er fast; lydighed, meget mindre.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Sammensætning med rød, gul og blå
Denne 1927 sammensætning skubber Mondrians økonomi af midler endnu længere. Et par røde, gule og blå skud er nok til at sætte et flertal af hvide i spænding. Intervaller tæller lige så meget som farver. Maleriet luk kurset med en vigtig lektion: I en firkant er tomrummet aldrig et rum, der venter på at blive fyldt.
Se maleriet →Anatomi af et format
Fem måder at aktivere pladsen på
En perfekt symmetrisk firkant kan blive inert, hvis maleren placerer alt i centrum. De stærkeste kompositioner etablerer derfor kontrollerede ubalancer: en let forskudt figur, en diagonal, en tættere gruppe i en vinkel eller farve, der tiltrækker den ene side. Formatets enhed forbliver mærkbar, men blikket cirkulerer i stedet for at stoppe.
I landskabet reducerer pladsen horisontens dominans og lader jorden, løvet eller refleksionerne stige til overkanten. I det indre bringer det mennesker og genstande sammen. I abstraktion tilbyder det et felt uden forudgående narrativ orientering. Denne tilsyneladende neutralitet forklarer, hvorfor Malevich og Mondrian valgte det for at sætte spørgsmålstegn ved selve maleriet.
At flytte mønsteret skaber en umiddelbar spænding mellem kvadratets centrale tyngdekraft og kaldet af en kant.
Det giver retning til blikket og omdanner geometrisk stabilitet til bevægelse.
Løv, vand eller materiale fylder overfladen uden klart at skelne forgrund og baggrund.
Et element skåret af rammen får os til at forestille os, at scenen fortsætter ud over de fire sider.
Linjer og flade områder måler direkte støtten, når repræsentation viger for abstraktion.
Historie, komposition, nærvær
Læs pladsen uden at få ham til at recitere sin geometri
En rigtig historie
Hver meddelelse starter fra værket, dets oprettelse, dets ordre eller dets modtagelse, når de er dokumenteret.
Et aktivt format
Firkanten tæller kun, når den virkelig ændrer balancen mellem figurer, farver eller kanter.
Et varieret besøg
Fyrre kunstnere forhindrer ruten i at blive et endeløst anneks til Klimt-Mondrian-kataloget.
0 kommentarer